Fin du blog perso : rendez-vous sur CINEMAG !

Fini l'aventure perso du blog, on se retrouve désormais sur Cinémag, une revue collective sur le cinéma !
Merci à vous tous, visiteurs, en espérant vous retrouver sur notre nouvelle revue !

38 témoins

En voilà du jeune cinéma français ! Une semaine avant les prometteurs Adieux à la reine de Benoit Jacquot, Lucas Belvaux adapte le livre de David Decoin (Est-ce ainsi que les femmes meurent ?). Après Rapt, le réalisateur se penche une nouvelle fois sur un fait divers, l'écrivain Decoin s'inspirant lui-même d'une tragédie s'étant déroulée aux États-Unis. Transposée au Havre - ville décidément atypique sur les écrans français ces derniers temps après La Fée ou Le Havre - cette histoire sombre de réalisme articule ce polar aux faux airs de mélodrame : en pleine nuit, une jeune femme se fait poignarder dans la rue de plusieurs coups de couteaux. Malgré l'atrocité du crime, personne n'a rien vu, rien entendu. Ni même Pierre (Yvan Attal) qui rassure alors sa femme Louise (Sophie Quinton) fraichement revenue de Chine. Mais bientôt, Pierre, discret de nature, ne peut plus contenir son mensonge : il a entendu les horribles hurlements, d'ailleurs tout le monde les a entendu, et - comme tout le monde - il n'a rien fait non plus, rien, pas même donner un coup de téléphone. Sa vie s'arrête car il se sent lâche et honteux. Il est le premier des 38 témoins à avouer la vérité, et à provoquer bientôt le procès au tribunal de tous les autres pour non assistance à personne en danger.
On ne ressort pas indemne de 38 témoins : le film est une véritable réussite dans la considération de son spectateur, trente-neuvième témoin malgré lui, qui se retrouve alors face à ce sombre théâtre à la catharsis redoutable : qu'aurais-je fait en pareille situation ? Suis-je moi même un lâche ?
Le film de Belvaux offre un regard plein de justesse et de nuances sur nos sociétés modernes. Individualiste jusqu'à la faute morale, comment en arrive-t-on à se mentir à soi-même ? Inspiré du Falkenau de Samuell Fuller, ici le génocide juif se minimalise dans cette intrigue criminelle : apeurés d'être impliqués et dans un soucis d'auto-protection nombriliste, 38 témoins questionne admirablement les citoyens que nous sommes tous.
La grande prouesse de Belvaux est ici de ne pas se plier à la figure du protagoniste vertueux. Pierre, formidablement joué par Yvan Attal, n'est pas un héros, seulement le plus courageux des lâches : J'ai avoué car la peur des représailles m'aurait hanté à vie. Ou autrement dit, je fait ça seulement pour moi, ni pour les autres ni pour la victime. Il n'est jamais question de rédemption, seulement de culpabilité. Dans ce Havre grisé, au ralentit dans son port bruyant, 38 témoins évacue de fait toute l'enquête policière. C'est l'humain le vrai cœur du film, le plus sombre et plus masqué derrière son identité civilisée.
Dommage que la théâtralité parfois abusive des dialogues, ou le mélodrame convenu de la relation amoureuse déséquilibre l'ensemble. Car tout le reste de ce film miroir bourdonne encore dans la tête, à l'image de cette sublime et effroyable séquence de reconstitution ; preuve solide de la maturité du cinéma de Belvaux qui, en montrant le pouvoir de la fiction à révéler la vérité, n'a pas finit de comprendre le cinéma et d'en exploiter ses richesses les plus secrètes.


Réalisé par Lucas Belvaux
Avec Yvan Attal, Sophie Quinton, Nicole Garcia
Film français | Durée : 1h44
Date de sortie en France : 14 Mars 2012

Bellflower

Nouveau phénomène indé des Etats-Unis, Bellflower est promis à un bel avenir. Le film est beau, parfois laid, cruel mais sans cesse attachant : c'est une pépite inattendue qui fait la nique aux grands studios et donne l'envie de croire encore à un cinéma d'auto-entrepreneur.
Financé au compte-goutte par ses propres interprètes, le film d'Evan Glodell est un pari véritablement réussi. Intriguant et passionnant de bout en bout, Bellflower se nourrit de façon évidente des road-movies des années 70. Easy Rider, Vanishing Point, Macadam à deux voies... La perte des illusions de mai 68 et le désir profond de rompre avec un cinéma classique avaient vu naître des chefs d'œuvre du cinéma indépendant. Dans le film d'Evan Glodell, on y retrouve la même lenteur, la même quête insouciante de liberté, et en contre-partie la même tragédie du départ impossible. Quatre décennies plus tard, rien ne semble avoir réellement changé.
Dans une ambiance apocalyptique à la Mad Max, Evan Glodell signe sur tous les points (jeu, scénario, réalisation, montage, production) un film déroutant qui frôle de part en part la dérive dans laquelle tanguent ses personnages. Consommant leur quotidien dans la bière et leurs délires paranoïaques sur un chaos divinatoire, c'est à leur propre apocalypse que Woodrow et Aiden se préparent. Les personnages, comme le film, sont déconnectés de tout. Leur fantasme : cette voiture Medusa, cracheuse de feu, qui les guideront vers la domination du monde. Il y a du Araki dans cette manière de toucher une jeunesse en dérive (ici matérialisée par la dépression amoureuse du protagoniste) et parfois même du Lynch dans la manipulation du récit. Dans un amateurisme technique parfois extrême, Evan Glodell ne cesse pourtant d'être pertinent, de multiplier les pistes de réflexion, sans pour autant écarter son film d'une bonne appréciation. Car la mise en scène en ressort fabuleuse, frôlant souvent une avant-garde dans sa manière de mélanger tous les styles. Le film est autant un bluette amoureuse qu'un road-movie contemporain qui s'égare même dans le western revisité (la photographie, le duel à la batte de baseball). Mais qu'importent les références : à l'origine même du projet, Glodell a commencé à écrire le film pour exorciser sa propre déception amoureuse. Il y a bien une volonté palpable de parler de soi, de sa génération, de ses déboires ; une volonté pareille à celle des jeunes cinéastes de la Nouvelle Vague qui, à leur époque, n'avaient de cesse de se faire témoins par le cinéma.
La beauté de Bellflower est d'en avoir naïvement, même inconsciemment, la même force. Ce teen-movie à la Mad Max financé entre potes devient alors soudainement un véritable film de témoignage sur une jeunesse bouillonnante, perdue, lumineuse, au désir profond de brûler les conventions du passé (cette Milly's Shit qu'il faut faire disparaître, mais comment ?). Une jeunesse à l'image de ce cinéma instable, obsédé par l'impondérable et la nécessité de se mettre en scène. Le grand coup de cœur de ce début d'année.


Réalisé par Evan Glodell
Avec Evan Glodell, Jessie Wiseman, Tyler Dawson
Film américain | Durée : 1h46
Date de sortie en France : 21 Mars 2012

[jeu] De quel film est tiré cette photo ? #2

Vous connaissez le principe : trouver le titre du film dont l'image ci-dessous est tirée.
Le premier à trouver la bonne réponse totalise un point. Et on se retrouve chaque dimanche pour un nouveau tour. Prêt ? :)

Voici le photogramme que je vous invite à identifier...

Edit du 05/03 à 23h00 : La réponse n'a toujours pas été trouvée !
Résumé des indices :
- Ce n'est pas Casablanca, M le Maudit, L'Assassin habite au 21, ou Hôtel du nord.
- C'est un film français.
- Il s'agit de Jean Gabin.
- Ce n'est pas Quai des brumes...

~

Edit du 05/03 à 18h30 : La réponse a été trouvée par Cyril !

Il s'agit en effet de Pépé le moko de Julien Duvivier (1937)
La séquence de fin dans laquelle Pépé s'échappe de sa casbah d'Alger pour rejoindre le port : une séquence assez fantaisiste dans laquelle Jean Gabin court face à un écran qui reflète le décor en sur-impression...

Merci à Ptiterigolotte, Squizzz, Léa, JHJacquart et Laquiz pour vos participations ! A dimanche prochain ;)

[festival] 14ème édition du Festival du Film Asiatique de Deauville

Du mercredi 7 au dimanche 11 mars 2012 se tiendra la 14ème édition du Festival du Film Asiatique de Deauville.
Petit tour d'horizon du programme présenté :

9 films en compétition :

- 11 Fleurs de Wang Xiaoshuai (Chine) Sortie nationale le 9 mai 2012
Le dernier film du réalisateur de Beijing Bicycle (Ours d’argent à Berlin en 2001).


- Baby Factory d’Eduardo Roy Jr. (Philippines)
Premier long-métrage du réalisateur philippin financé par le producteur de Brillante Ma. Mendoza (Serbis, Kinatay).


- Beautiful Miss Jin de Jang Hee-chul (Corée du Sud)
Découverte d'un nouveau cinéaste coréen.


- Death is my profession d’Amir Hossein Saghafi (Iran)
Comédien et même champion de boxe, ce fils de réalisateur endosse pour la première fois la même casquette que son père. Une autre découverte venue tout droit d'Iran.


- Himizu de Sono Sion (Japon)
Après Cold Fish et Suicide Club, troisième film du réalisateur japonais controversé Sono Sion.


- I carried you home de Tongpong Chantarangkul (Thaïlande)
Premier long métrage de Tongpong Chantarangkul, après son court-métrage remarqué Wings of Blue Angels.


- Mourning de Morteza Farshbaf (Iran)
Après plusieurs collaboration avec le cinéaste Abbas Kiarostami, l'Iranien Morteza Farshbaf réalise son premier film en roue libre.


- Saya Zamuraï de Hitoshi Matsumoto (Japon)
Souvent comparé à Kitano de par sa popularité, Hitoshi Matsumoto signe un troisième film dans la veine burlesque de ses précédents Dai-Nipponjin et Symbol.


- The Sun-beaten path de Sonthar Gyal (Chine)
Chef opérateur du cinéaste Pema Tseden (The Silent Holy Stones, The Search), premier film du chinois Sonthar Gyal.

3 films hors-compétition :

- Headshot de Pen-ek Ratanaruang (Thaïlande/France) Sortie nationale en été 2012
Sujet d'une étude dans le cadre du festival, Deauville propose en avant-première le nouveau polar du réalisateur thaïlandais Pen-ek Ratanaruang.


- I wish-nos vœux secrets de Hirokazu Kore-eda (Japon)
Après Maborosi, Distance, Nobody Knows et Still Walking, avant-première du dernier film du réalisateur japonais familier au festival de Cannes.


- Pink de Jeon Soo-il (Corée du Sud)
Grand Prix du Festival du Film Asiatique de Deauville en 2008 avec La Petite fille de la terre noire, le nouveau film du coréen Jeon Soo-il.

Le jury

Cette année le jury sera présidé par le réalisateur, scénariste et acteur ELIA SULEIMAN.
L'accompagneront... Alex Beaupain, Isild Le Besco, Dominique Blanc, Olivier Ducastel, Jacques Martineau, Jean-Pierre Limosin, Corrine Masiero, Gilles Taurand, Tahar Rahim.

Ces derniers offriront à 3 films en compétition :
- Le Lotus du meilleur film
- Le Lotus du jury
- Le Prix de la critique

Spécial :

Hommage & Masterclass

KIYOSHI KUROSAWA

Avec (re)découverte des films suivants : The Cure (1997), License to live (1998), Charisma (1999), Kaïro (2000), Rétribution (2006) et Tokyo Sonata (2009).

Regard sur le travail de

PEN-EK RATANARUANG

Outre la présentation hors-compétition de son nouveau film Headshot, le festival propose cette année de redécouvrir également ces deux films de son auteur thaïlandais : Vagues invisibles (2006) et Ploy (2007).

~

Parallèlement à la compétition officielle, le jury d'Asia Action, présidé par Isabelle Nanty, récompensera d'un Grand Prix l'un des 6 films suivants :
- The Raid de Gareth Huw Evans (Indonésie)
- The Sorcerer and the white snake de Tony Ching Siu-Tung (Chine)
- The Sword Identity de Xu Haofeng (Chine)
- War of the arrows de Kim Han-min (Corée du Sud)
- Warriors of the rainbow : Seediq Bale de Wei Te-Sheng (Taïwan)
- Wu Xia de Peter Ho-Sun Chan (Chine)

>> Plus d'infos sur Le Public Système Cinéma

[jeu concours] Gagnez des places pour Indignados de Tony Gatlif

Je vous propose aujourd'hui un petit jeu concours afin de gagner des places pour INDIGNADOS, le dernier film réalisé par Tony Gatlif.
Après Exils et Liberté, le réalisateur engagé propose cette année une plongée au cœur des mouvements des Indignés. A travers le regard et le voyage de Betty, une jeune clandestine africaine parcourant l'Europe, ce documentaire laisse découvrir des hommes et femmes qui se dressent face à un système. Leur but : vivre, tout simplement.

Pour participer, il suffit de répondre à la question suivante par mail à l'adresse ci-contre (jeremy.ryckebush@live.fr) en indiquant votre nom, prénom et adresse postale.
5 gagnants seront tirés au sort via le site random.org et recevront chacun ou chacune deux places valables dans tous les cinémas.
Faîtes vite, le concours se clôture le mercredi 7 mars à 18h00.
Voici la question :

De quel livre s'inspire librement Indignados de Tony Gatlif ?

Soyez rapides, bonne chance !

Edit du 07/03 à 20h : Les 5 gagnants ont été tiré au sort ! Un grand bravo à :
Jérémy L. (79000), Aurélie F. (75015), Fabien G. (69008), Véronique J. (67500) et Pauline R. (76000)

Un e-mail a été envoyé aux gagnants. Vous recevrez prochainement dans votre boîte aux lettres 2 places pour aller voir le film dans la salle que vous souhaitez.

Merci beaucoup à tous les participants (une trentaine !) et à bientôt sur le blog pour un nouveau jeu concours !

Réalisé par Tony Gatlif
Avec Mamebetty Honoré Diallo, Fiona Monbet, Isabel Vendrell Cortès
Film français | Durée : 1h30
Date de sortie en France : 07 Mars 2012

Chronicle

C'est la bonne surprise du début d'année. Sans être exceptionnel, l'air de rien Chronicle est un divertissement agréable et pas si idiot que ça. Pas exceptionnel car ce film de super-héros version teenager ne tend pas vraiment vers la révolution du genre : trois lycéens aux personnalités archétypes (l'introverti martyrisé par son père et ses camarades, le fêtard intellectuel et le franc déconneur) découvrent à la suite d'un étrange phénomène qu'ils ont des super-pouvoirs. Ces personnages aux évolutions caricaturales – le rejeté Andrew sombre dans le pêché d'orgueil – n'étonnent jamais et se moulent dans des modèles établis et pré-assimilés par le spectateur. Le cours de l'histoire n'a en soit que peu d'intérêt, son seul recours étant de créer du spectacle à rebondissements.
Mais ce premier film du réalisateur américain Josh Trank reste toutefois un vrai bon moment. Trank parvient à marier subtilement ces codes populaires à plusieurs originalités intéressantes et qui font définitivement mouche dans un genre marvelisé. Première réussite (qui n'était vraiment pas gagnée) : la pertinence du « found footage ». Si la technique harcèle les écrans du cinéma de genre depuis les succès du Projet Blair Witch ou Cloverfield, ici l'utilisation de la caméra-personnage redevient intéressante. C'est Andrew, le solitaire agressé, qui en est à l'origine : le geste de filmer est pour ce personnage un moyen de fuir la réalité – Peut-être ai-je envie d'une barrière entre moi et le monde, répond-il à son cousin Alex – d'installer un médium protecteur et témoin. Son seul et véritable ami. Le premier plan, face miroir, en est l'illustration visuelle ; en filmant les autres et il ne fait que se filmer lui-même, de sa solitude à ses malheurs. Si pendant un court moment un espoir d'amitié apparaît à la découverte des pouvoirs, le final cruel n'est que l'aboutissement sanglant et empirique de cette situation initiale.
Dans cette optique, il semble bien que Chronicle cherche à aller au-delà de son sujet formel. Dans le vaste environnent des films adolescents, le film de Josh Trank parvient à raconter des choses d'une manière qui lui est propre. Dépendance d'une génération au paraître social via la technologie, le profond désir de faire communauté, de faire la fête ensemble... L'exclusion est au cœur de la rupture qui anime Chronicle : singularité soudaine des trois protagonistes qui s'enferment sur eux-mêmes, et la déchéance de l'un d'eux qui ne peut digérer cette radicale opposition.
Spectaculaire (les effets spéciaux sont une réussite, la caméra flottante) et souvent attachant dans son humour, le film camoufle toutefois plusieurs maladresses (certaines réactions étranges notamment lors du décès, le final Disneyland...). Mais sombre et intelligent, Chronicle possède assez d'atouts pour le conseiller vivement à ses amis.


Réalisé par Josh Trank
Avec Dane DeHaan, Alex Russell, Michael B. Jordan
Film américain, britannique| Durée : 1h24
Date de sortie en France : 22 Février 2012

La Dame de fer

Attention, c'est brûlant. La Dame de fer fait partie de ces rares films qui auraient dû franchement s'abstenir. Dans la tradition récemment restaurée du biopic, le film suit le parcours de Margaret Thatcher, Première ministre du Royaume-Uni de 1979 à 1990. Pour être plus exact, c'est surtout à la veille femme hallucinée et un tantinet alcoolique à laquelle s'intéresse le film. Ses délires remplacent la madeleine proustienne, et le fleuve biographique commence alors pour le personnage historique. Si l'arnaque est flairée dès les premières minutes, c'est pour mieux laisser durer les longues suivantes qui achèvent en un temps record l'attention du spectateur.
Après la comédie musicale Mamma Mia !, la réalisatrice Phyllida Lloyd tente du mieux qu'elle peut de donner une consistance à son personnage. Chose pré-mâchée pourrait-on penser avec Margaret Thatcher, or, le film prend le parti pris de ne s'attacher qu'à la femme de parcours et non à sa politique. Le film s'appelle La Dame de fer, mais aurait pu tout autant s'appeler La Dame de guimauve. Les flashbacks autour desquels s'articule le film sont la marque des symptômes empiriques de la vieille dame amnésique. Dans cette ironie proche de l'absurde, les actions politiques de l'ex-Première ministre sont présentées à toute vitesse (la mise en scène du conflit des Malouines : plus jamais ça !) lorsqu'elles ne sont pas totalement oubliées. Les images d'archives, anonymes et montées de façon épileptique, brouillent les ambitions du film qui, malgré toute volonté d'impartialité, demeure malgré lui un long-métrage politique. Comment prétendre de cette Dame de fer qu'il n'est qu'un film de portrait lorsqu'il repose sur l'une des figures les plus emblématiques du libéralisme politique ? Bref, le film ne tient pas la route, ni ontologiquement ni politiquement.
Reste alors les qualités purement formelles du film résumées à sa seule actrice. Meryl Streep, géniale, porte une Margaret Thatcher crédible en l'état, et signe une de ses meilleures interprétations. Elle est la pépite d'or dans la vase boueuse : étrange mariage entre la qualité du jeu et la médiocrité de l'entreprise.
Car même dans l'esthétique rien est à grignoter, surtout quand le film prend des allures plagiées au Discours d'un roi (la séquence de l'orthophoniste est une blague). A une époque de crises où le thatchérisme gagnerait en discrétion, ce biopic hagiographique et définitivement de mauvais goût est la boulette du début d'année. Pour se laver les yeux, rien de mieux alors qu'un retour au cinéma anglais engagé à la Ken Loach ou Mike Leigh.


Réalisé par Phyllida Lloyd
Avec Meryl Streep, Jim Broadbent, Susan Brown
Film anglais, français | Durée : 1h44
Date de sortie en France : 15 Février 2012

La Colline aux Coquelicots

Après Les Contes de Terremer, Goro Miyazaki réalise son deuxième long métrage avec le studio Ghibli. Fondé par son père, c'est ce même Hayao Miyazaki qui lui aura donné ses lettres de noblesse à travers des chefs d'œuvre intemporels : Mon voisin Totoro, Princesse Mononoké, Le Voyage de Chihiro, Le Château ambulant... Désormais réputé dans le monde entier, Ghibli est devenue la référence nippone du film d'animation.
Aujourd'hui le studio connait un renouveau générationnel : petit à petit, quelques techniciens succèdent à Hayao Miyazaki dans la réalisation. Après Hirosoma Yonebayashi pour le très bon Arrietty, le petit monde des chapardeurs, le fils du maître Hayao rempile une seconde fois. Malgré les apparences, cette succession n'a rien d'évident, Goro Miyasaki ayant longtemps hésité à suivre la voie de son père. Fâchés sur Les Conte de Terremer, pour La Colline aux Coquelicots père et fils semblent s'être réconciliés puisque c'est Hayao en personne qui signe le scénario de ce nouveau Ghibli.
Il est d'ailleurs beaucoup question d'héritage dans cette nouvelle Colline aux Coquelicots qui s'offre sur les écrans français : le récit est celui d'Umi, une jeune lycéenne, meurtrie par la disparition de son père marin. Au lycée, elle rencontre Shun, un jeune homme séduisant et concerné par les affaires politiques de son établissement. Ils tombent rapidement amoureux l'un de l'autre. Mais en regardant une photo du père défunt d'Umi, Shun, également orphelin, réalise qu'ils pourraient tous deux partager le même père. Goro Miyazaki s'affirme une fois pour toute comme un metteur en scène inspiré. Le film croise plusieurs thèmes familiers aux productions voisines : question du deuil paternel, du pouvoir de la jeunesse sur la politique de son pays (ici reflété par la rénovation du quartier latin du lycée), de l'amour-espoir ; tout ceci sous fond de l'héritage, problématique que connait sans doute très bien le réalisateur.
La réussite de Goro Miyazaki tient en ce qu'il recycle de façon efficace les éléments qui ont fait le succès et la bonne facture du studio : animation splendide, simplicité narrative, Goro Miyazaki retranscrit la vie quotidienne d'une jeunesse (nombreuses scènes de repas, de cuisine, de ménage) tout en la mettant pertinemment en question. Les films d'animation nippons ont cela de beau qu'ils s'offrent aisément à une lecture limpide appréciée des plus jeunes, tout en se faisant le témoin d'une époque, d'une culture, d'une philosophie qui implicitement ne cesse d'interroger l'humain. Si Hayao l'interroge dans son rapport au monde, ici Goro met plus précisément en relief la jeunesse face à son avenir dans un certain idéal moral : prise de conscience et souvenir du passé (la restauration du quartier latin), connaissance de ses origines pour mieux y rendre honneur, à sa manière La Colline aux Coquelicots a trouvé la bonne recette pour combler les attentes du spectateur. Et à Goro Miyazaki de tracer progressivement sa voie en tant que cinéaste, dans les grands sentiers battus de son père.


Réalisé par Goro Miyazaki
Avec Masami Nagasawa, Junichi Okada, Keiko Takeshita
Film japonais | Durée : 1h31
Date de sortie en France : 11 Janvier 2012

>> Ghibli sur le blog : critique d'Arrietty, le petit monde des chapardeurs

Cheval de guerre

L'éternel enfant prodige d'Hollywood n'a pas fini d'inonder les toiles du monde entier avec ses histoires. La petite rejoint à nouveau la grande, ici pour la première fois en pleine Première Guerre Mondiale (seule la Seconde croisait alors les récits de 1941, L'Empire du soleil, La Liste de Schindler et Il faut sauver le soldat Ryan). Dans un campagne anglaise, le jeune Albert, très attaché à son cheval, est obligé de s'en séparer au début de la guerre : l'armée le perquisitionne pour le front. Au cœur des combats, le cheval vit alors un étrange destin qui le conduit entre les mains de soldats britanniques et allemands, et d'un fermier français et sa petite fille.
Après l'adaptation du célèbre Tintin, c'est au roman plus anonyme de Michael Morpurgo que décide de s'attaquer Steven Spielberg. Amour indestructible, périple héroïque qui revisite un événement célèbre de l'Histoire... il ne faut pas chercher très loin pour comprendre ce qui a pu séduire le cinéaste américain dans cette épopée. Mais loin s'en faut de critiquer cette poursuite, Spielberg est au contraire prodige dans le grand spectacle populaire : mariant comme nul autre son talent de mise en scène avec des blockbusters de gros calibre, le réalisateur a depuis longtemps montrer l'étendu de son savoir-faire. Une fois encore, on ne peut qu'être ébahi devant ce spectacle à l'élégance folle, sublimé par la photographie de Janusz Kaminski. Décors somptueux, précision du cadre, fluidité du scénario fleuve ; Cheval de guerre n'est pas le film du début de la fin pour Spielberg qui, comme son cheval Joey, continue infatigablement de galoper dans une liberté totale.
Malgré sa durée, Cheval de guerre est parfaitement calibré pour le grand public. Il l'est d'autant plus que Spielberg assume sans concession un mélodrame exacerbé et revendiqué dans la veine du grand classicisme hollywoodien. Mais si la beauté du film épate une fois encore dans sa simplicité déroutante à faire voyager le spectateur, reste que Cheval de guerre trouve parfois ses limites dans plusieurs mièvreries de passage (la ferme française, les nombreux archétypes du genre). Si bien que considérer le film comme l'un des grands de son auteur serait omettre les facilités déconcertantes du récit – on en devine les issues et les ressorts à chaque fois – qui donne alors la part belle à une émotion débordante, surenchéri par la musique de Williams. Attendre de Cheval de guerre le témoignage de La Liste de Schindler ou l'amour fou du chef d'œuvre E.T. L'extra-terrestre reste alors un leurre. D'une certaine manière, ce n'est pas ce qui semble intéresser Spielberg qui, dans un plaisir communicatif, s'évertue à donner corps et âme à une belle histoire, aussi naïve soit-elle. A l'image de la magnifique séquence de fin toute en sépia et contre-jour, on continue de rêver à yeux ouverts. Mais au réveil, un vague souvenir d'avoir fait de plus beaux songes.


Réalisé par Steven Spielberg
Avec Jeremy Irvine, Emily Watson, Peter Mullan
Film américain | Durée : 2h27
Date de sortie en France : 22 Février 2012

Go Go Tales

Ray Ruby est le directeur du Paradise, un cabaret chic de gogo danseuses situé à Manhattan. Mais rien ne va plus pour lui et ses comparses : financièrement, l'établissement tombe en ruine. Tandis que les danseuses menacent de faire grève, Ruby joue le tout pour le tout et décide de vider sa trésorerie dans des tickets de loto.
Il était temps que Go Go Tales trouve enfin le chemin des salles françaises. Présenté hors compétition au Festival de Cannes 2007, depuis le film d'Abel Ferrara s'était perdu dans d'obscures problèmes de distribution. Et au vu de cette production brillante, il aurait été dommage que Go Go Tales ne sorte pas sur les écrans, même cinq ans après. L'enfant terrible des Etats-Unis, figure culte du réalisateur indépendant pour nombre de cinéphiles, offre en effet un film d'apparence mineur (il ne fera sans doute pas date dans la filmographie de son auteur) mais au combien sophistiqué, infiniment libre et – une première – agréablement léger.
Ferrara cloisonne le spectateur dans l'univers nocturne de ce Paradise, paradis des sens de l'homme riche et autres touristes chinois, tantôt au cœur même du spectacle tantôt dans ses coulisses où rien ne va plus. Dans le bureau administratif, un étrange théâtre se déroule : victorieux d'une gigantesque somme au loto, Ruby ne parvient pas à mettre la main sur le précieux ticket. Au bord du gouffre financier, le morceau de papier représente son salut, la poursuite de son rêve. Entre Christopher Walken et Hervey Keitel, Willem Dafoe fait partie de ces gueules cassées qu'on aime tant voir chez Ferrara. Ici en double du cinéaste, il campe un parfait clown triste, tant désespéré qu'éternellement amoureux de son art, le gentleman de ses dames se battant intimement pour la survie de sa création. Du burlesque au raffiné, Ruby fait nager le film entre deux eaux. Go Go Tales flirte avec l'absurde, souvent proche de la screwball comedy (des hot-dogs bios réchauffés au micro-onde !), en offrant de véritables séquences de farces délicieuses. Soliloques hystériques de la propriétaire, machine à UV défectueuse... dans ce chaos général, toutes les excentricités les plus folles sont possibles, jusqu'au lap-dance dénudé d'une Asia Argento qui roule une pelle à son chien.
Mais de l'autre côté du rideau, c'est un cinéma aux plaisirs simples face auquel se retrouve le spectateur. Plaisir illimité de filmer ses acteurs, sa famille, dans l'éternelle utopie du show must go on. Alors que la chute est proche, Ruby prend toujours autant de plaisir à présenter élégamment ses muses ou ses spectacles pittoresques du jeudi soir. C'est un cinéma définitivement assagi que l'on découvre de Ferrara (d'où l'intérêt moyen suscité chez pas mal de critiques) dans lequel le seul plaisir de filmer, d'inonder sa pellicule de lumières néons et de chairs érotiques, est déjà une fin en soi. Avec ses longues respirations sensuelles et ses improvisations, Go Go Tales semble lui-même écrit sur un ticket de loto. Mais peu importe : on aimerait rester le temps de toute une nuit dans ce Paradise éphémère, lieu artificiel où les plaisirs se consomment sans fin, pareils à l'anonymat rassurant d'une salle de cinéma.


Réalisé par Abel Ferrara
Avec Willem Dafoe, Bob Hoskins, Matthew Modine
Film américain, italien | Durée : 1h45
Date de sortie en France : 08 Février 2012

[jeu] De quel film est tiré cette photo ? #1

Allez, j'inaugure pour le plaisir une petite activité hebdomadaire ! Inspiré par d'autres blogueurs, je trouve en effet sympa l'idée de jouer un peu avec les connaissances de chacun :] .
Le but est simple : trouver le titre du film dont l'image ci-dessous est tirée.
Le premier à trouver la réponse totalise un point. Et on se retrouve chaque dimanche pour un nouveau tour. Prêt ? :)

Un facile pour commencer...

À vous de jouer !

~> La réponse a été trouvée par Squizzz : Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick (1998)

Classement :
1pt : Squizzz