Paranormal Activity 2

Tremblez jeunes mortels : le deuxième volet de Paranormal Activity sort sur les écrans. Le jeu de la caméra témoin continue pour un menu tout aussi endiablé que le premier volet. Le premier film avait été reçu avec un accueil plutôt mitigé. Faute à une promotion surdimensionnée, les spectateurs avaient été généralement déçus. Pourtant, ce film a 10 dollars réalisé par un jeune réalisateur inventif, n'était pas sans intérêts. Huit-clos dans une maison, emprisonnés dans cette satanée caméra dont nous sommes esclaves, les spectateurs avaient de quoi se faire quelques frayeurs. Peur de l'inconnu, de l'impalpable, du noir mystérieux renvoyant à nos propres peurs primaires, Paranormal Activity a fait revivre des émotions profondes que l'on avait oublié depuis Le Projet Blair Witch. Le deuxième volet s'inscrit encore plus dans cette mouvance – efficace quoi que devenant usante – qui consiste à faire croire à une vérité dévoilée. Paranormal Activity 2 est le même film que le premier, en plus grand, dans une plus grande maison, avec plus de monde et de caméras.
L'idée de la caméra filmant le couple en train de dormir a fait des bébés : suite à un pillage, la famille décide de placer des caméras de surveillance un peu partout. Avec le caméscope familial, elles seront nos yeux, bien ouverts malgré le voyeurisme dont veut nous faire culpabiliser la production avec ce panneau, marrant mais toujours aussi efficace au début : « La Paramount souhaite remercier la famille des victimes ». Comme ça, on est prévenu.
Le crescendo opéré dans la terreur – démon ou pas démon ? - est sur la même lignée que le premier volet, en peut-être plus efficace. De façon générale, ce Paranormal Activity 2 ose plus dans le visuel et ainsi devient plus terrifiant. Mais attention : pour les amateurs du premier, la surprise risque d'être grandement affaiblie. La recette restant strictement la même, ce nouveau film n'ose pas d'idées nouvelles mais amplifie celles précédentes. Un repos sur des acquis. Le plus gros défaut de cette suite, finalement très paresseuse.
Reste ces scènes – toujours aussi efficaces – qui rendent flippant le banal d'une quiétude on ne peut plus calme... jusqu'à surprendre le spectateur. La séquence des tiroirs et celle de la jeune femme attrapée par les pieds demeurent d'une grande terreur. L'avantage de cette série est de s'attacher sur cette idée vraie que les choses les plus terrifiantes sont celles que l'on ne comprend pas forcément et qui ainsi nous dépassent. Le monde de l'inexpliqué reste un puits d'inspirations certain au genre de l'épouvante. Reste que cette saga, même si elle a trouvé le bon ton, s'essouffle grandement dès le deuxième volet. Espérons que cette belle matière de base sera repensée dans un potentiel troisième film... Mais ne prions pas trop vite. Ne blasphémons pas non plus.


Réalisé par Tod Williams
Avec Katie Featherston, Brian Boland, Molly Ephraim
Film américain | Durée : 1h31
Date de sortie en France : 20 Octobre 2010

Les Petits mouchoirs

Pour son troisième long métrage derrière la caméra après Mon Idole et l'adaptation de Ne le dis à personne, Guillaume Canet signe un film plus personnel, mettant en scène ses amis acteurs bien connus. Boudé par une partie de la critique, malgré la consécration aux César pour Ne le dis à personne, l'acteur peine à se faire reconnaître en tant que metteur en scène par la presse mais amène les spectateurs dans les salles obscures de façon plus que satisfaisante. Les journalistes antipathiques dès la base n'y sont pas allés de main morte sur ce nouveau film non plus : les critiques assassines de certains magasines risquent une nouvelle fois d'aller à l'encontre d'un joli succès populaire. Cet écart fréquent est, certes, aussi surprenant qu'une guerre-guerre syndicats versus police... mais pose néanmoins de sérieuses questions, toujours.
« Sortez les mouchoirs, ils seront utiles : sur les écrans français, cette semaine, il y a une grosse tâche. ». Le site Chronic'art nous prévient, nous vilains spectateurs (trop cons) capables d'apprécier quelque chose que l'on pense être un film, mais qui n'est en fait qu'une « tâche ». A titre d'exemple... Mais alors, ces piqûres au vitriol sont-elles justifiées et justifiables ?
Ne nous faisons pas l'avocat du faux diable : Les Petits mouchoirs est loin d'être un film extraordinaire. Cependant, il est certainement aussi loin de mériter tant de regards de haut(ains). Fresque amicale à la Kasdan des Copains d'abord, Canet met en scène une bande d'amis partis en vacances. Scénario chorale, le film s'appuie alors sur les « petits mouchoirs » de ces potes, de ces mensonges faits aux autres et à soi même, leurs causes, ces indifférences et ces comportements qui ne nous amèneront pas tous au Paradis des bons, pour sûr. Si Canet parvient à un objectif, c'est bien celui d'avoir trouvé le bon ton pour faire plonger son spectateur dans une catharsis dont il ne ressortira pas. Le rythme, visiblement préoccupation première du cinéaste, trouve ses marques et ce dès un premier plan séquence absolument remarquable, variant intérieur, extérieur et valeurs de cadre dans un énorme plaisir de cinéma. Évidemment narratif, Canet opte pour une multicam quasi documentaire afin de dynamiser son récit. Avec une telle multitude de protagonistes, le scénario est d'autant plus important. Balayant ses personnages aléatoirement, parfois le film semble « flotter » mais l'évolution constante de ces derniers parvient à tuer majoritairement les longueurs à ce film de deux heures et demie tout de même.
Assez clairement, Les Petits mouchoirs permet surtout à son réalisateur de diriger des acteurs qui lui sont chers et il le fait avec une grande réussite. Ces acteurs – déjà confirmés pour la plupart – signent tous une interprétation vraiment juste donnant à l'histoire une profondeur nécessaire. Car Canet, mine de rien, malgré cette « tâche » qu'il nous inflige, dépeint un beau portrait des relations entretenues dans une époque difficilement analysable puisque nôtre. Malgré cela, à la fin (bien trop poussée...), il y a cette sensation agréable bien que pas forcément réjouissante d'avoir vu plus que des amis fictifs mais bien la représentation de sentiments et de questions qui nous hantent, inlassablement. Les Petits mouchoirs guideront de façon certaine un bon nombre de spectateurs dans un voyage imparfait mais bourré de qualités, et continuerons aussi certainement de laisser sur la touche une critique marbrée. Mais, finalement, on s'en fout.


Réalisé par Guillaume Canet
Avec François Cluzet, Marion Cotillard, Benoît Magimel
Film français | Durée : 2h35
Date de sortie en France : 20 Octobre 2010

Tron l'héritage : le nouveau bébé des studios Disney

Après la firme Pirates des Caraïbes, Disney marche sur les traces de la Twentieth Century Fox qui avait prouvé que nouvelles technologies et spectacle de qualité n'étaient pas incompatibles avec le succès planétaire de son Avatar...
Remake du film de 1982, cette année Disney est prêt à nous en mettre plein la tronche en IMAX 3D avec Tron, l'héritage.
A l'occasion de la promotion nationale de ce soir - dans plusieurs cinémas vingt minutes du film sont dévoilées - voici la bande-annonce issue d'une publicité que l'on présage importante...

Visuellement, ça promet. Le reste tiendra ? Réponse le 9 février prochain.

The Social Network

On ne présente plus David Fincher, que cela soit aux cinéphiles aguerris ou aux simples amateurs de cinéma. Dans sa filmographie pas si conséquente que ça mais au combien hétérogène malgré cette récurrence du thriller – Seven, Fight Club, Panic Room, Zodiac... - le réalisateur a su fidéliser aussi bien critiques exigeants que public en masse. Sa recette ? Un cinéma indépendant désiré par le cinéaste dès ses déboires avec Alien, mêlant créativité, suspens et goût du populaire. Si Zodiac avait plus laissé le public sur le banc de touche, ce The Social Network risque bien de les récupérer de suite.
A l'annonce d'un film réalisé sur le buzz Facebook, c'est d'abord l'étonnement et l'ironie qui firent la part belle. C'est quoi cette idée ? Puis l'annonce de Fincher à la réalisation a un peu refroidit les ardeurs moqueuses : c'est si sérieux que ça ? Et bien oui, The Social Network a tous les atouts d'un film captivant promis à un joli succès. Plus que sur le site web même, c'est bien entendu sur ses créateurs que se penche le film. Mark Zuckerberg tout d'abord, aussi génie dans l'informatique que maladroit avec les filles (excellente confrontation lors de la séquence d'ouverture). C'est en créant le buzz avec un site proposant de comparer les filles d'Harvard par vote et (quand même aussi) en ayant vent d'une idée d'un site communautaire par des entrepreneurs inspirés, que Facebook né dans la tête dans du protagoniste, la graine germant à la base en forme d'équation sur la vitre de sa piaule. Il s'approprie alors l'idée avec son ami Eduardo Saverin alors PDG de ce qui deviendra bientôt une énorme entreprise...
The Social Network est en premier lieu le témoignage d'une époque. Idéologie mondialiste de rassembler les gens et règne de l'argent, le film ne peut être plus ancré dans l'actualité. Aaron Storkin extrait de cette réussite de Facebook un scénario profondément intelligent, rythmé par des dialogues en or. Fincher, lui, joue la sobriété efficace. A l'image de son exposition – simple champ contre champ mettant en scène un dialogue savoureux de rupture présentant le caractère bien trempé du personnage -, le réalisateur donne un rythme et une énergie incroyable à cette fabuleuse matière de base. Loin des têtes d'affiche habituelles de ses films, Fincher joue la carte du sang neuf avec des jeunes acteurs talentueux. Jesse Eisenberg est parfait en informaticien misanthrope et talentueux et accompagne Andrew Garfield (à suivre de près) et Justin Timberlake aussi en forme que dans Alpha Dog. Avec un montage en flashforwards – le futur du procès répond au présent de la narration – Fincher donne au film un dynamisme inépuisable malgré la multitude des points de vue adoptés, sans oublier un plaisir éclatant de cinéma qu'il laisse littéralement exploser lors d'une course d'avirons dantesque. Très loin du ridicule craint, The Social Network est la (fausse) surprise de l'année (de David Fincher) qui a cette force de ces grands films : donner le sentiment de rester pertinent dans plus d'une décennie par son témoignage. Juste et vraiment frappant.


Réalisé par David Fincher
Avec Jesse Eisenberg, Justin Timberlake, Andrew Garfield
Film américain | Durée : 2h00
Date de sortie en France : 13 Octobre 2010

Kaboom

Avec son titre énigmatique et les couleurs accrocheuses de son affiche, Kaboom a de quoi séduire. Puis vient ce nom, Gregg Azaki, surtout connu pour son grand succès Mysterious Skin. De façon certaine, c'est pourtant les amateurs des premiers films du réalisateur (Totally f***ed up, The Doom generation ou Nowhere) qui se verront comblés. Désigné comme la Teen Apocalypse Trilogy, Kaboom a tous les moyens d'en constituer une suite. L'intrigue est digne de n'importe quel teenmovie : Smith , le protagoniste, vit sa vie dans son campus entre Thor son colocataire surfeur qui l'attire, Stella sa meilleure amie aussi lesbienne que fantaisiste, et autres rencontres homo ou hétérosexuelles. Ça baise dans tous les coins dans la jouissive insouciance de la jeunesse. Kaboom se démarque déjà dans sa volonté de ne pas se faire prier sur les sujets abordés. On parle de sexe ou on en parle pas. Décalé, le ton du film trouve rapidement la bonne hauteur en offrant des séquences loufoques et hilarantes. Dans un humour quasi extraterrestre et une photographie saturée dans les couleurs, Gregg Azaki ose et ça marche. Le spectateur comprend immédiatement qu'il ne se raconte pas grand chose, mais que tout l'intérêt repose sur la manière de le raconter. Séquences de drogue psychanalytiques, scènes de sexe plus drôles que réellement érotiques, le réalisateur en va même jusqu'à jouer comme un gosse sur l'artifice du cinéma (raccorder une cervelle avec un gâteau, ou en gros plan un pied qui marche sur un excrément...). Bref, on est dans le délire total et ça fonctionne.
Mais alors, évidemment, Araki nous cache plus d'un tour dans son sac. Ainsi, petit à petit, le teenmovie bascule vers le slasher mystérieux très ancré à la Twin Peaks... pour renverser tout ce qu'il nous a présenté auparavant, car une conspiration improbable se traine depuis le début ! Le twist final arrive alors en ayant, mine de rien, installer un suspens plutôt haletant. Cependant, Kaboom a tendance à trainer sur le milieu avant de basculer totalement d'une forme à une autre. En voulant faire trop hésiter le spectateur, son film en devient trop hésitant. Le spectateur perd un peu le fil de l'histoire qui va très loin trop vite (mystère ou pas mystère ?)... mais pour finalement le retrouver dans un final absolument délicieux d'incohérence et d'absurdité.
En fin de compte, même si le scénario semble avoir été écrit pendant le tournage et même si la mise en scène manque parfois d'un cruel manque de précision, c'est avec un plaisir non coupable qu'on apprécie ce film un peu comme son meilleur pote : autant pour ses qualités que pour ses défauts. Kaboom a tous les atouts d'un divertissement adolescent, tout en foutant une claque à la platitude d'un American Pie ou la pudeur religieuse d'un Twilight. Et franchement, ça fait du bien.


Réalisé par Gregg Araki
Avec Thomas Dekker, Juno Temple, Roxane Mesquida
Film américain | Durée : 1h26
Date de sortie en France : 06 Octobre 2010

Des hommes et des dieux

Le Maghreb, une montagne, un monastère et huit moines chrétiens français plongés dans la tourmente de cette fin de XXème siècle. En paix avec leurs frères musulmans, certains de leur foi, leurs croyances vont pourtant bientôt se heurter à une réalité d'abord innommable puis prenant les traits d'un groupe islamiste bien prêts à forcer le règne. Que faire ? L'armée propose aux moines une protection rapprochée. Doivent-ils l'accepter ? Doivent-ils partir de cette terre désormais sans paix, mais en laissant leurs frères seuls ?
Auréolé d'un grand prix à Cannes, Palme d'or méritée pour certains, Des hommes et des dieux n'en est pas moins un film d'une puissance éblouissante, aux ingrédients typiques d'un long métrage brillant. Cadres larges contemplatifs, photographie assombrie quasi douce à la vue, la sérénité de ces moines est presque palpable à l'image. Rapidement, le film va au-delà de la simple situation qu'il installe. Très clairement, Beauvois souhaite illustrer à travers ces protagonistes de l'Église, les hommes de foi que l'on tend tous à être. C'est lorsque la violence et l'injustice arrivent que ces moines témoignent de ce qu'il peut y avoir de plus beau dans l'homme : la volonté de croire, la bienveillance de son prochain, et l'espoir d'un monde meilleur coûte que coûte, même s'il en dépendra sa propre vie. Des hommes et des dieux a la force des plus grands films de guerre. Même si les armes - au même titre que dans le monastère - sont interdites ici, les concepts que l'émotion fait exploser sont les mêmes. La séquence autour de la table au moment de prendre la décision de partir ou pas, a une tension telle qu'il se jouerait presque l'avenir d'un conflit mondial... Il y a aussi ces scènes isolées d'un moine racontant son premier coup de foudre, les échanges avec les habitants, et cette séquence du repas, climax subliminal du film, qui illumine dans son montage regard faisant valser le cœur du spectateur d'une émotion à une autre, de la conviction à l'acceptation de cette dernière... et finalement de la vie à la mort.
Criant de vérité, le film de Beauvois est un miroir brisé dont le reflet fait aussi peur qu'il est bien réel. Dans une pudeur bienvenue, les moines pris au piège de croire en la paix disparaissent dans la profondeur de champ, mais la pellicule, elle, reste intacte.
Il y a alors cette métaphore d'une villageoise qui résonne encore aux oreilles accompagnant les chants en chœur, qui compare les moines à la branche d'un arbre qui soutiennent les oiseaux, les villageois. Des hommes et des dieux raconte l'histoire vraie d'une branche qui s'est définitivement cassée, comme il s'en casse toujours... mais c'est l'arbre que l'on voit à travers ce film, toujours imbattu et fortifier par de tels témoignages d'espoir. Tout simplement un grand film.


Réalisé par Xavier Beauvois
Avec Lambert Wilson, Michael Lonsdale, Olivier Rabourdin
Film français | Durée : 2h00
Date de sortie en France : 08 Septembre 2010

Simon Werner a disparu...

Premier film d'un jeune réalisateur, Fabrice Gobert, un passage dans la sélection Un certain regard sur la croisette, et une bande-annonce énigmatique... il n'en faut pas moins pour attiser la curiosité des cinéphiles avides de nouveaux talents. Ce Simon Werner là ne devrait en rien décevoir ces derniers.
Dans une classe de lycée, en région parisienne, d'étranges rumeurs circulent tandis qu'un élève manque à l'appel... Des gouttes de sang auraient été retrouvées dans les toilettes ou pire encore, le professeur de chimie aurait abusé de lui. Bref, il se passe quelque chose de louche. La première séquence, soirée alcoolisée dérivant sur une découverte mystérieuse dans la forêt, donne l'ambiance du film, à savoir une hésitation formelle entre véritable film de genre ou teenmovie parano. C'est cette hésitation, due à une manipulation subtile de la mise en scène, qui fait de ce Simon Werner a disparu un film étonnant et unique bien qu'inspiré. Et les influences sont très nettes. Gobert opte pour une construction en point de vue successif dans une même continuité temporelle, ce qui n'est pas sans rappeler de façon certaine un certain Elephant. Si la forme s'y prête, le fond s'apparente plutôt aux codes du teen que le réalisateur s'amuse à déjouer à la Breakfast Club : sportif plâtré, premier de la classe sensible et touchant, une lolita pas si idiote que ça... Les clichés se rompent et toute la complexité de l'adolescence apparait alors. Entre projection de ce que l'on représente soi, et projection sur l'apparence des autres, les personnages peinent à se trouver et s'identifier. Cette peur qu'ils se créent presque par eux-même avec leurs histoires illustre cette crainte primitive ne pas être à la hauteur des autres. En revivant des moments déjà vus à travers un point de vue différent, le film offre de jolis moments de cinéma et montrent ainsi comment peut on se tromper à force de naïveté et d'indifférence. Décomposé en chapitres s'enchainant à chaque climax interne - les nerfs du spectateurs en première victime - le scénario relève du génie. Et si tant de précision et d'originalité viennent contraster avec un final en somme aussi anodin que brutal, ce dernier a au moins l'avantage d'être inattendu.
Gobert parvient à gommer de son film un simple air d'exercice de style pour imposer un véritable univers, qui ne transcende peut-être pas toutes les séquences, mais qui est là, malgré tout. Esthétique et intelligent, Simon Werner a disparu a cette qualité d'apparaitre comme un film d'adolescents original, imprégné d'une tension mystérieuse empreinte d'un bon film réussi et plutôt saisissant.


Réalisé par Fabrice Gobert
Avec Ana Girardot, Jules Pelissier, Esteban Carvajal Alegria
Film français | Durée : 1h33
Date de sortie en France : 22Septembre 2010

Renouveau et absence

Comme vous pouvez le voir, le blog s'est fait une petite beauté pour cette nouvelle rentrée 2010. Critiques, débats... J'espère que le dynamisme actuel ne s'éteindra pas afin de passer une année cinéma mouvementée et passionnée avec vous ! Je tiens à vous remercier, particulièrement tous les internautes qui font vivre le blog en s'exprimant via les commentaires.

En attendant de reprendre de l'activité, je serai plusieurs jours absents de la blogosphère suite à un non accès à Internet.
Je souhaite à tous les concernés une très bonne rentrée, et si le moral en pâtit, faîtes vous une toile ! Remède très efficace à coup sûr :) .

A bientôt !

Mise à jour (23/09) : Merci à tous pour vos commentaires que je découvre dans ces rares moments où l'accès à Internet pour le perso m'est possible. Mon absence est un peu plus importante que prévue, je devrai pouvoir revenir sur la toile d'ici une semaine ou (un petit) plus (espérons).
En tout cas, pas mal de films vus depuis la publication de ce message, beaucoup de choses à dire, ainsi il me hâte de revenir sur la blogosphère pour partager mes opinions avec les votres ! A bientôt :) .

La Loi et l'ordre

Après avoir signé le thriller plutôt discuté 88 minutes, Jon Avnet crée enfin ce qu'attendait de nombreux amateurs : faire rencontrer Al Pacino et Robert De Niro dans le même film, en vedettes flics principales. Il est vrai que cela a de quoi charmer au vu de la carrière impressionnante de ces deux acteurs. Le scénariste du remarqué Inside Man, Russell Gewirtz, leur taillent deux personnages sur mesure : Turk et Rooster, vieux collègues détectives bossant ensemble depuis trente ans, dont la simple idée de la retraite les fait vomir. Mais ils rencontrent un problème de taille : un serial-killer intraçable dont tout laisse à croire qu'il est un collègue parmi eux...
Ce face à face musclé avait de belles promesses. Malheureusement, La Loi et l'ordre - piteusement traduit de Righteous Kill - ne sera pas le grand thriller attendu, et même son exact contraire. Le grand problème du film, c'est que la sauce ne prend pas et dès le début. Appuyant un suspens avec la fausse idée que le tueur est l'un des deux collègues, le scénario ne parvient pas à mêler ses ficelles autour de ce fil rouge, faisant sombrer petit à petit ce thriller dans un ennui amer. On attendait de voir un Al et un Rob en grande forme, c'est finalement deux quasi retraités que l'on retrouve, à l'humour mauvais qui se tapent mutuellement la bedaine entre deux trois séances de muscu. La mise en scène est pauvre et s'accorde plus à un téléfilm transparent et sans intérêt. La présence aussi commerciale qu'inutile d'un figurant nommé 50 Cent basculerait presque l'ensemble dans la vulgarité. Seules quelques scènes avec le duo "ennemi" des deux vieux compères créent l'étincelle. Seul problème, c'était un incendie tout entier que l'on aurait aimé voir... Et faisons abstraction d'une misogynie insupportable si l'on ne veut pas se faire trop mal, car rarement un personnage féminin pourtant adorable (interprété par Carla Gugino) n'aura été approché avec tant de maladresses dans un film policier. Là où on la voit faire des galipettes musclées et impersonnelles, c'était un peu plus de cœur qui aurait été le bienvenue histoire de se convaincre encore que ces deux hommes ne croyaient pas seulement et bêtement en Dieu. Mais c'est comme ça : on ne peut pas aimer les armes et aimer autre chose, à croire que c'est évident...
Inutile de chercher des failles dans cet échec, car l'ennuie l'emporte largement. Quant au twist final, il perd cruellement de son effet en étant attendu depuis les dix premières minutes du film. Une véritable déception pour un film qui aurait pu être un évènement, et qui s'avère être au final une mauvaise blague à oublier.


Réalisé par Jon Avnet
Avec Robert De Niro, Al Pacino, Curtis '50 Cent' Jackson
Film américain | Durée : 1h40
Date de sortie en France : 08 Octobre 2008

Sexy Dance 3 The Battle

Steppin', Save the last dance, StreetDance... Le film de danse hip-hop devient un genre à part entière et commencerait même à devenir un brin envahissant. Et ce n'est pas la 3D qui ira ralentir le phénomène. Sexy Dance, troisième du nom, s'y frotte sous la réalisation de Jon Chu, déjà metteur en scène du deuxième volet. Alors, évidemment, ces films de danse contemporains ont tous cette faiblesse de devoir passer par la case scénario : une heure et demi de danse sans temps mort ni tension dramatique, ça serait plat et inutile. Caricatures, déambulation de clichés, pathos et artificialité en masse... C'est simple, ces films peinent à devenir des films en se contentant d'être des essais stylisés sur la captation filmée de la danse, cette incroyable énergie purement humaine, inexplicable et hédoniste. C'est pourtant un bon fond de départ.
Ce Sexy Dance 3 ne viendra pas révolutionner le film de danse hip-hop... mais donne de façon très surprenante l'idée qu'il n'en est peut-être pas la peine. En caméra amateur, le film s'ouvre sur un montage bordélique de danseurs, personnages du film, qui expliquent ou tentent d'expliquer ce que représente la danse pour eux. C'est à dire rien - où en est l'utilité ? - et tout - libération, révélation de soi, expression de tout ce qui peut-être exprimé au-delà des mots. Cette ouverture amène déjà l'idée qu'il y a quelque chose de purement cinématographique dans la danse. Mais ne levons pas trop haut les yeux : au final, Sexy Dance 3 s'avère plus être un produit qu'un véritable film (mon Dieu le nombre de pubs !). Mais rien n'empêchent le plaisir et l'adrénaline de véhiculer pour autant.
Mise en scène tape à l'œil, chorégraphies impressionnantes, montage énergique mais pas trop permettant au spectateur d'apprécier la plastique innée de la danse contemporaine, le film est là pour proposer du spectacle explosif sous fond de culture urbaine. Autant dire qu'il excelle dans ces intentions. La 3D est fabuleuse, certainement la plus pertinente et impressionnante depuis Avatar (cette fameuse caméra Fusion crée des merveilles). Le relief se prête avec un naturel saisissant aux mouvements du corps accélérés et chorégraphiés. Sans surprise, les séquences de danse sont celles qui présentent l'intérêt du film. A côté, le scénario reste dans la simplicité attendue... mais non pas moins assumée, à l'image de ce premier baiser adolescent sous une bouche d'aération, démesuré et vraiment très drôle. Sexy Dance 3 s'avère efficace en terme d'entertainment pur, et ravira amplement les amateurs du genre. Les autres y seront certainement surpris de quelques audaces idées - la séquence de tango décidément très sexuelle, le plan séquence à la Fred Astaire magnifique ! - tout en ne restant pas dupes sur la portée artistique et publique du film. Néanmoins, Sexy Dance 3 peut se goûter comme un plaisir délicieusement (très) coupable de cette pré-rentrée, sans s'en vouloir... ou presque.


Réalisé par Jon Chu
Avec Adam G. Sevani, Sharni Vinson, Alyson Stoner
Film américain | Durée : 1h47
Date de sortie en France : 18 Août 2010

L'Inconnu du Nord-Express

En 1951, après l'échec commercial de La Corde (pourtant respecté par la critique comme son précédent film à Hollywood Rebecca), Hitchcock signe avec L'Inconnu du Nord-Express - en anglais Strangers on a Train - un retour au thriller classique mais non pas moins efficace.
Guy Haines, un sportif de haut niveau, rencontre dans un train un inconnu répondant au nom de Bruno Anthony qui lui propose un étrange et macabre projet : s'échanger les meurtres que tous deux aimeraient commettre. La femme de Haynes pour Anthony, le père d'Anthony pour Haines...
Dans une magnifique séquence d'ouverture, les pieds anonymes des deux protagonnistes se rapprochent pour enfin se percuter une fois assis l'un en face de l'autre dans le train. L'anonymat se lève entre eux deux, et déjà le pacte avec le diable est en marche. Telle une malédiction, cette rencontre avec ce mystérieux Anthony sert de base à Hitchcock pour la mise en place du suspens, avec toujours ce même jeu complice envers le spectateur. Ce dernier apprend alors la fougue du personnage avant Haynes, dans une scène de meurtre en pleine foire foraine où s'exalte l'insouciance collective. Une fois Haynes piégé et au courant, tout l'intérêt est de masquer l'information aux autres personnages car il en va de sa survie.
L'intrigue, très simple, sert à un scénario habile qui multiplie les possibilités, les péripéties et les retournements, dans un ensemble équilibré et sans temps mort. Hitchcock embellit ce travail d'écriture avec une mise en scène efficace, jouant déjà beaucoup sur les gros plans inquiets de ses personnages et l'angoisse de certaines scènes avec une utilisation particulière des ombres. L'Inconnu du Nord-Express étend le temps à son maximum pour intensifier un suspens maitrisé avec brio, l'utilisation d'un match de tennis monté en parallèle avec une main cherchant un briquet crucial - ancêtre de la boîte d'allumettes dans La Mort aux trousses - étant le paroxysme à cette ingéniosité précoce. Hitchcock innove et offre au spectateur un divertissement dont il est quasimment un des acteurs, pour l'emmener jusqu'au final, inoubliable, où comme à chaque fois justice est rendue. Techniquement impressionnante pour l'époque, cette séquence accélérée où l'ange se bat contre le démon dans un tourbillon de cris et d'angoisse, n'est pas prêt d'être oubliée dans la mémoire collective. Et c'est ainsi, au final de cette bataille due au hasard et gagnée par la quête du bien, qu'Hitchcock annonçait déjà ses autres futurs chefs d'oeuvre qui suivront dès le milieu de cette décennie, qui restera celle d'or de son cinéaste éternel.


Réalisé par Alfred Hitchcock
Avec Farley Granger, Ruth Roman, Robert Walker
Film américain | Durée : 1h40
Date de sortie en France : 09 Janvier 1952

Taken

Taken est l'exemple parfait d'un film incendié par la grande majorité de la critique et pourtant apprécié du grand public à majorité égale. Et il y a certainement beaucoup à méditer sur ces écarts de jugement.
Bryan est un ancien agent des services secrets américains. La violence, la perversion et la cruauté de l'homme, c'est toute sa vie. Alors, évidemment, difficile de laisser partir sa fille de dix-sept-ans en vacances à Paris avec une amie. Il se laisse convaincre et accepte... mais sa fille se fait kidnapper avec son amie. Le plot : Bryan a 96 heures devant lui pour avoir une chance de retrouver sa fille sur le territoire français.
Taken commence avec ces habituels faux airs de comédie dramatique propres aux films d'action. Le personnage de Neeson nous est présenté finement (le cadeau à l'anniversaire de sa fille). Il apporte une humanité à son personnage agréable à constater tant on présage la violence qui nous attend. Une fois la situation initiale installée, l'élément perturbateur - l'enlèvement - survient... trop vite. A défaut de vouloir suivre un schéma classique pour une efficacité certaine, le drame arrive de façon précipitée et finalement un peu risible : c'est quand même pas de bol.
Malgré ce léger faux départ, le film d'action commence et tient fidèlement ses promesses. Traque aux ennemis en plein Paris, EuropaCorp nous a habitué à une qualité de spectacle. Pour Taken, les amateurs seront une nouvelle fois comblés. Il faut dire que Pierre Morel ne nous laisse que très peu de temps pour respirer. On se prend au jeu, malgré nous, et ce pendant une heure sans que l'on ne s'en rende vraiment compte. Pourquoi ?
Parce qu'il y a dans ce film un plaisir coupable à voir les acteurs de ce réseau inhumain se faire exploser la cervelle. Ne soyons pas dupes : nous aimons ces films enragés. Punir les méchants est en quelque sorte la base de toute histoire réussie. Dans cette optique, Taken est alors vraiment réussi, la catharsis se révélant extrêmement dérangeante.
Mais la nuance est importante : à défaut de recevoir du spectacle à haute dose, n'oublions pas d'avoir un certain recul. Car il y a dans ce Taken une volonté de prôner une sécurité inconvenue. L'Amérique ne sauvera pas le monde, or il y a dans ce récit de père à fille, une idéalisation inévitable à prendre avec des pincettes. Taken a cette radicalité bancale que la simple happy-end indigeste vient témoigner. A consommer... avec modération.


Réalisé par Pierre Morel
Avec Liam Neeson, Maggie Grace, Famke Janssen
Film français | Durée : 1h25
Date de sortie en France : 27 Février 2008