Le cinéma de Jérémy

Sport de filles

2012-01-31T00:37:00.004+01:00

Gracieuse, une jeune femme au caractère bien trempé, passionnée par les chevaux, se fait engager comme palefrenière dans un haras de dressage. Dirigée par une femme autoritaire qui exploite un entraineur allemand de grande renommée, Gracieuse ne veut bientôt qu'une seule chose : remonter sur un cheval à elle.
Après Saint-Cyr et Basse Normandie, Patrice Mazuy réalise un nouveau film écrit par Simon Reggiani. Installant son intrigue dans la dure loi du monde équestre, la réalisatrice signe un film plutôt singulier : aéré dans ses plans larges (quoi qu'un peu redondants dans les travellings), porté par un personnage déterminé et antipathique, Sport de filles ne s'installe dans aucun sentier battu, ni même dans celui d'une forme télévisuelle. La liberté de la mise en scène se ressent à tout instant. Sans cesse dans l'exploitation de dualités (Gracieuse qui n'a de grâce que le nom, la musique rock'n roll sur un film qui ne l'est pas vraiment), Mazuy semble s'intéresser non pas à une mais plusieurs thématiques. Si l'obstination de sa protagoniste prend le pas sur toutes les autres, Sport de filles décrit également de façon précise le milieu du cheval dans sa réalité économique et compétitrice, de même que Basse Normandie faisait déjà flirter le cinéma avec sa dépendance financière. Un pied dans l'argent, l'autre dans l'art ; en exploitant le dressage équestre déjà cinégénique par essence, Mazuy semble vouloir aller au-delà du « film de chevaux », en captivant autant les amateurs que les néophytes.
Malgré une presse dithyrambique pour une partie, c'est chose plus ou moins réussie : assez low cost dans sa mise en scène, le film brille surtout grâce à quelques séquences magnifiques qui viennent attirer l'attention des remplaçants souvent laissés sur le gradin. Car contemplatif, le film percute réellement lorsqu'il épouse jusqu'au bout le point de vue de son héroïne, elle même caractérisée comme un cheval incontrôlable. Sorte de pirate accompagné de musique rock, à la conquête de la gloire, c'est lorsque Gracieuse (Marina Hands, convaincante) emmène le film dans le western insolent qu'elle est la plus intéressante. Autrement, on peut être déçu du manque de nuances dans ce personnage au caractère de cochon, dont la passion obsessionnelle pour les chevaux reste (malheureusement ?) un mystère. C'est dommage tant la relation avec le père aurait sans doute pu raconter des choses de ce personnage. Mais on reste finalement en surface, preuve faîte avec ce personnage amoureux, pas attachant non plus et sans aucune ambition. C'est finalement Bruno Ganz, lassé jusqu'à saturation, qui crève l'écran en virtuose rabougri par une marâtre froide comme la pierre (Josiane Balasko, étonnante).
Sport de filles est un film curieux qui ravira les amateurs de dressage dans son réalisme, pourra convaincre certainement les autres de par son originalité certaine. On est toutefois en droit de rester sur sa faim devant sa dureté platonique qui sert un drame finalement peu agréable et distant.

Réalisé par Patricia Mazuy
Avec Marina Hands, Bruno Ganz, Josiane Balasko
Film français | Durée : 1h41
Date de sortie en France : 25 Janvier 2012

The Descendants

2012-01-26T00:22:00.005+01:00

Matt King est à un tournent de sa vie. Plongée dans le coma après un accident, les derniers jours de sa femme sont comptés. Tandis qu'il se rapproche de ses deux filles Scottie, dix ans, et Alexandra, dix-sept ans, Matt apprend que sa femme le trompait et envisageait de divorcer. Il part alors à la recherche de l'amant.
C'est le nouveau film du réalisateur de Monsieur Schmidt et Sideways. Déjà récompensé à plusieurs reprises (notamment l'Oscar du meilleur scénario en 2005 pour Sideways), Alexander Payne signe avec The Descendant un drame doux-amer, emmené par un George Clooney épatant. Déjà sacré Meilleur film dramatique aux Golden Globes 2012 et en bonne voie pour les prochains Oscars, le film est une vraie réussite. Malgré son sujet, Payne ne s'aventure pas de manière éprouvante dans le genre du drame. En épousant la légèreté et la retenue, il évite un pathos exacerbé sans toutefois renoncer aux émotions fortes. La sobriété de la mise en scène se marie parfaitement avec ce partis pris : images léchées, souvent fixes, l'esthétisme du film s'imbibe dans la richesse du cadre hawaïen. Les quelques mouvements d'appareil sont millimétrés et frôlent parfois le beau pour le beau mais qu'importe : le réalisateur semble avoir comme principal soucis d'ancrer réellement le film dans son empreinte géologique. Magnifiquement mis en image, Hawaï et ses îles sont comme un personnage à part entière, dont la beauté apparaît comme un oxymore vulgaire au drame s'y déroulant. Mais ce drame est apaisé comme cette nature qui semble hypnotisante (magnifique séquence de la découverte du domaine de la famille), presque au repos, si bien que la colère laisse rapidement place au pardon et au deuil serein. The Descendants, et c'est sans doute sa grande prouesse, ne se contente pas de provoquer la compassion du spectateur. Payne élabore avant tout le parcours d'un homme soudainement seul et face au miroir, un homme qui semble de ne pas être devenu celui qu'il aspirait être (on pense de cette même façon à Miles Raymond dans Sideways) ; et qui, poussé au bilan, ouvre un peu plus les yeux sur l'hypothétique sens de sa vie. Hédoniste, surtout à hauteur d'homme, de ce fait The Descendants touche beaucoup sans jamais trop appuyer. Du cri de douleur étouffé et sous-marin d'Alexandra, au premier geste affectif du grand-père perçu au travers d'une porte, le film effleure de très belles émotions, toutes en pudeur et spontanéité. « Tout arrive comme ça » dira même l'amant désemparé : la vie, chez Payne, semble être d'autant plus précieuse qu'elle est mouvante, hasardeuse, dans le bon comme le mauvais.
Bien entendu difficile de parler du film sans évoquer son casting étoilé. Shailene Woodley, une jeune découverte à suivre certainement de près, est brillante. Mais c'est évidemment un George Clooney bouleversant qui crève la toile. Jamais dans la surenchère, tout en finesse, il donne à Matt King une sensibilité vibrante en faisant oublier ses traits de star mondiale. Il porte le repos et la sagesse qui définissent le film tout entier. Et l'emmène littéralement vers de beaux et émouvants horizons.

Réalisé par Alexander Payne
Avec George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller
Film américain | Durée : 1h50
Date de sortie en France : 25 Janvier 2012

Le Voyage extraordinaire (et Le Voyage dans la lune)

2012-01-25T00:54:00.003+01:00

Les cinéphiles ne peuvent passer à côté de Georges Méliès : pionnier du cinéma fantastique et du cinéma tout entier, le prestidigitateur parisien a, plus que quiconque, innover le septième art du début du XXème siècle. Avec ses fééries, les commentateurs lui accordent nombre de découvertes : la récit fantastique au cinéma (qui contrastait alors avec le naturalisme des vues Lumière), les effets spéciaux (ce que Méliès appelait alors les « trucs »)... mais aussi et surtout l'invitation à l'évasion. Souvent plagié dans son époque, maître incontesté de plusieurs héritiers encore aujourd'hui, Georges Méliès a sans doute été le premier à divertir et faire rêver son public. Si les grandes firmes françaises le tueront économiquement à la veille de la guerre, notamment Pathé avec laquelle il signa un contrat qu'il ne pouvait honorer, et si l'homme sombra peu à peu dans le désespoir, rien enlève à son prestige.
Du moins, c'est ce que pense fortement Serge Bromberg, déjà restaurateur de L'Enfer d'Henri-Georges Clouzot. En compagnie d'Eric Lange, les deux hommes se sont lancés dans une quête des plus passionnantes : restaurer l'unique copie couleur connue du chef d'œuvre ultime de science-fiction de Georges Méliès. Le Voyage dans la lune n'avait à priori aucune version colorisée à la main. A la découverte d'une vieille bobine dégradée du film, alors bel et bien colorisée, Bromberg et Lange n'hésitent pas une seule seconde à se lancer dans un travail fastidieux de restauration.
Le documentaire Le Voyage extraordinaire s'intéresse finalement assez peu à cette restauration, en ne s'y attardant que dans la seconde partie. La première est consacrée à un panorama pédagogique retraçant la vie du cinéaste Méliès. Croisant des archives précieuses à des commentaires de réalisateurs contemporains (notamment Jean-Pierre Jeunet ou Michel Gondry), le film suit chronologiquement le travail de Méliès et en montre toute l'ingéniosité et l'apport considérable pour le cinéma. Narré par la voix off entrainante de Bromberg, le documentaire est aussi instructif qu'attractif. Mais c'est surtout lorsque l'on s'intéresse à la restauration que le documentaire passionne : travail d'orfèvre de manipulation, innovations techniques supervisées par Tom Burton, le directeur américain de Technicolor... Le spectateur découvre et suit ce lent processus brièvement raconté (une dizaine d'années !), fait avec une passion que le documentaire communique assez bien avec son spectateur.
Ce travail fastidieux de rénovation sert finalement une redécouverte passionnante du Voyage sur la lune de 1902. Les couleurs chatoyantes donnent encore plus de fantaisie au film. La bande-son, signée par le groupe Air, est étonnante et osée. Loin de créer un schisme anachronique, elle modernise et confère une immortalité encore plus sensible au chef d'œuvre de Méliès. Cependant, elle efface la place du bonimenteur, assez utile pour la compréhension complète du Voyage sur la lune (et présent dans d'autres versions anciennes du film).
Présenté à l'ouverture du dernier festival de Cannes, rejoint par l'adaptation d'Hugo Cabret par Martin Scorsese, ce programme alliant documentaire et œuvre restaurée est un joli trésor pour les amateurs de cinéma primitif ou bien pour les simples curieux cinéphiles avides d'histoire. Une chose est sûre, en lui rendant encore hommage, le XXIème siècle a raison de ne pas oublier le grand Georges Méliès.

Réalisé par Serge Bromberg et Éric Lange
Œuvre originale de Georges Méliès
Film français | Durée : 1h20
Date de sortie en France : 14 Décembre 2011

>> Georges Méliès chez Martin Scorsese dans Hugo Cabret

L'Amour dure trois ans

2012-01-24T13:11:00.003+01:00

Première expérience à la réalisation pour Frédéric Beigbeder, qui adapte ici son propre roman éponyme. Malgré quelques bifurcations (notamment la présence du livre dans le film), l'histoire reste celle de Marc Marronnier, un critique littéraire le jour et chroniqueur mondain la nuit. Véritable homonyme assumé de Beigbeder, ce personnage essuie un divorce et écrit alors un roman sur la futilité du sentiment amoureux. Mais bientôt, il rencontre Alice, la compagne d'un cousin, pour laquelle il s'éprend dès les premiers instants. Trahisons, non-dits, marivaudages... le jeune mondain accompagne le spectateur dans sa vie banalement compliquée, dans laquelle la question de l'amour prend toute sa place et trouve peu à peu des réponses.
Il faut le dire, L'Amour dure trois ans se regarde avec le sourire, et parfois même des rires ponctuels. Beigbeder, connu dans la sphère médiatique pour sa désinvolture presque élégante, assume totalement ici le genre de la comédie. Bon choix pour ce premier film, certes assez léger (si le ton reste familier, on s'éloigne du politiquement incorrect de 99 francs) mais qui évite de tomber dans la prétention que l'on pouvait craindre au départ. L'Amour dure trois ans est une vraie comédie romantique qui, plus que de l'assumer, joue avec l'artificialité du genre et ce dès un générique kitsch type super 8. Le réalisateur semble avoir trouvé le bon ton, car si son film ne prétend pas être plus que ce qu'il n'est, il garde néanmoins un second degré cynique, une ironie latente ; bref, une certaine marque de fabrique que l'on ne connaissait alors qu'à l'homme de littérature et que l'on découvre agréablement au cinéma.
Les références pleuvent mais (heureusement) elles ne cimentent pas les bases du scénario. A la fois populaire et critique, le film de Beigbeder plaît car il sait se faire plaire : dialogues savoureux, regards caméra participatifs à la Honoré, effets « pop » avec des incrustations à la Klapisch... C'est aussi grâce à un Gaspard Proust inspiré que le réalisateur parvient à trouver ce bon ton, ce dernier ayant trouvé le compagnon de jeu parfait pour incarner ses propres névroses. Louise Bourgoin, magnifiée de la tête jusqu'aux talons (on ne verra pas ses pieds en forme de p'tit Lu) est joliment fantasmée dans sa mise en image. Les seconds rôles aussi ont la part belle de Joey Starr, de nouveau étonnant, à Valérie Lemercier.
Très contemporain, parfois limite dans ses effets scintillants et souvent dans la caricature (le couple du libertin et de la nymphomane...), L'Amour dure trois ans reste avant tout une comédie rafraichissante, assez jouissive lorsqu'elle dépeint un milieu mondain subitement hédoniste après trois shooters mais qui s'émut réellement avec du Michel Legrand, ou lorsqu'elle divague dans ses délires décalés. Finalement, un film qu'on voudrait conseiller à ses amis.

Réalisé par Frédéric Beigbeder
Avec Gaspard Proust, Louise Bourgoin, Joey Starr
Film français | Durée : 1h38
Date de sortie en France : 18 Janvier 2012

Millenium : Les hommes qui n'aimaient pas les femmes

2012-01-20T23:06:00.006+01:00

Mikael Blomkvist est journaliste pour le magazine Millenium. Condamné pour diffamation, il se retire du métier. Henrik Vanger, grande figure de l'industrie suédoise, fait cependant appel à lui afin d'enquêter sur la disparition de sa nièce Harriet Vanger, persuadé que cette dernière a été tuée par l'un des membres de sa famille. Dans son enquête, Blomkvist rencontre alors Lisbeth Salander, une enquêtrice hors-pair au passé déchirant. Tous deux découvrent bientôt la diabolique famille Vanger, et cherchent parmi elle l'assassin d'Harriet.
Après l'adaptation cinématographique danoise de Niels Arden Oplev, David Fincher fait le choix étonnant de s'attaquer lui aussi à la saga de Stieg Larsson pour une version américaine. Si l'entreprise peut surprendre voire agacer, le nom de Fincher apportait tout de même une certaine sérénité au projet. Le cinéaste américain, l'un des plus talentueux de sa génération, montre une nouvelle fois avec ce Millénium l'assurance de son cinéma, singulier et redoutablement efficace. Difficile de ne pas penser à Seven mais surtout à Zodiac dans cette enquête tortueuse, labyrinthique, qui dans le fleuve de sa narration (2h40) ne perd jamais son suspens. Pourtant, l'exposition a étrangement du mal à prendre : outre son générique titanesque comme toujours chez Fincher, la situation peine à trouver son rythme. Le soucis de fidélité à l'œuvre originale suinte un peu sur le début du scénario qui, heureusement, masque une suite viscérale. Car, presque sans surprise, la mise en scène est virtuose. La photographie de Jeff Cronenweth est saisissante dans ses contrastes entre la froideur hivernale et l'obscurité des intérieurs. La nuit est comme un bal de phares à toute vitesse dans lequel la caméra semble sans limite (le plan embarqué en moto, la course-poursuite, les plans larges). Une nouvelle fois, le son prend tout autant d'importance que l'image. Très artificiel, sorte de plongée en apnée dans l'esprit des personnages, le travail est d'une précision remarquable (on peut penser ici à la scène de la fellation avec l'aspirateur en fond sonore, le traitement sur le montage alterné final...). Et la cerise c'est bien entendu son duo d'acteurs assez épatants, car si l'on découvre la prometteuse Rooney Mara, on en redécouvre pas moins un Daniel Craig précis et tenace.
Très narratif, Millénium ennuiera certainement ceux qui avaient mal vécu l'expérience du Zodiac. D'ailleurs, ici et là, le film traine en longueurs en se mélangeant quelques fois les pinceaux dans la complexité de son affaire criminelle. Si l'abondance des éléments est parfois difficile à digérer, David Fincher signe cela étant un nouveau diamant policier, passionnant de noirceur, qui poursuit une filmographie obsédée par les ordres établis et les moyens de les renverser. Dans l'excentricité marginale et sexuelle de son héroïne Lisbeth Salander, le cinéaste poursuit ici une route envoûtante.

Réalisé par David Fincher
Avec Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer
Film américain | Durée : 2h38
Date de sortie en France : 18 Janvier 2012

J. Edgar

2012-01-19T19:39:00.004+01:00

J. Edgar Hoover fut le directeur du FBI pendant près de cinquante ans. Incarnation de la justice criminelle et de l'innovation scientifique, l'homme n'est pas seulement la figure qu'il représente dans l'Histoire des Etats-Unis : Clint Eastwood s'attache pendant les deux-heures et quart du film à tracer la personnalité de cet homme, ses refoulements et ses émotions. Après son diptyque guerrier ou le parcours de Nelson Mandela dans Invinctus, l'Histoire s'impose de nouveau dans la filmographie récente d'Eastwood. Le réalisateur des éternels Million Dollar Baby, Sur la route de Madison ou Mystic River ne cesse de gagner en maturité de vie, tant en philosophie que dans œuvre. Son regard sur le passé hante de plus en plus ses films, comme le reflet de ses propres angoisses. Si le résultat n'est pas toujours à la hauteur (le dernier gros plantage d'Au-delà), J. Edgar impose un savoir-faire évident, presque sûr de lui-même. Photographie terne au clair-obscur saisissant, belle reconstitution historique, dialogues affinés... le biopic gage une qualité de forme indéniable. Qui dit potentiel de réalisation appelle potentiel de casting. Le point revient alors à Leornardo DiCaprio, habité par son personnage, qui, dans la finesse de son jeu, rend parfaitement hommage à la perfection du maquillage. Le film donne à raison le beau rôle à cette personnalité historique peu connue, à l'ambiguïté et à la force de caractère véritablement compatibles avec le cinéma.
Mais si J. Edgar se regarde avec curiosité et, possiblement, admiration, ca serait certainement jouer la clémence sur la structure bancale du film, trop peu orientée et finalement peu attractive. Dustin Lance Black, le scénariste d'Harvey Milk, articule le récit dans des allers-retours entre passé et présent qui donnent le tournis à défaut de trouver le bon rythme. Car malgré cette prise de risque, le schéma reste banal, et se cantonne à une écriture en flashbacks successifs. Mais il manque surtout de l'âme pour que l'initiation passionne un peu plus. Si les érudits d'Histoire se régaleront du voyage dans le temps, les non-initiés peineront à trouver leur marque et de quoi se mettre sous la dent. Le sujet est excellent mais Eastwood opte pour une sobriété hyperbolique, peu aimable, à l'esthétisme abouti mais à la froideur peu attractive. La voix-off ou les coulis de piano aux moments cruciaux ne parviennent pas à donner corps à ce film qui semble finalement fait avec talent au détriment du cœur.
Il y a tout de même une sensibilité pudique qui vient accompagner les meilleures séquences du film (la dispute à l'hôtel, Edgar dans la robe de sa mère devant le miroir, la mort finale) qui, en camouflant le pathos comme Hoover dissimulait ses sentiments au service de son image, donne à J. Edgar une sensibilité à laquelle on ne s'attendait pas. C'est en prenant son spectateur de cours dans l'émotion qu'Eastwood parvient à tout à fait convaincre. Tout autour, reste un biopic léché beaucoup moins surprenant, qu'on aurait aimé puissant là où il ne fait qu'attiser la curiosité.

Réalisé par Clint Eastwood
Avec Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Armie Hammer
Film américain | Durée : 2h15
Date de sortie en France : 11 Janvier 2012

Louise Wimmer

2012-01-11T01:46:00.006+01:00

Louise Wimmer vit dans la rue, enfin plus exactement dans sa voiture. Séparée de son mari, seule, son quotidien rime entre ses ardoises au PMU, ses matinées de travail en tant que femme de chambre, et ses longues nuits froides sur les parkings. Fatiguée, elle cherche désespérément un appartement.
C'est le premier long-métrage de fiction du documentariste Cyril Mennegun. L'héritage du documentaire est ici évident : plongée dans la chute d'une femme socialement écartée, sans compromis ni attendrissement, Mennegun signe un premier film réussi. Comme le titre éponyme l'indique, le personnage et son actrice l'incarnent à eux tout seuls. Froide, fière, physiquement dure et peu gracieuse, Corinne Masiero est la révélation du film. Sortie tout droit du petit écran, elle crève ici le grand dans la force qu'elle parvient à véhiculer de par son corps ou son jeu facial. Le réalisateur opte pour une mise en scène naturaliste qui ne quitte jamais son héroïne. Tantôt cinquantenaire aigrie dans son travail, femme terrienne au besoin charnel chez son amant, ou adolescente libre dans une séquence de danse remarquable, le réalisateur dresse un portrait complet de son personnage. La grande qualité de Louise Wimmer est de saisir uniquement l'instant présent, jusqu'à refuser d'expliquer réellement le passé. Le spectateur est ainsi basculé dans les différents états d'âme de ce personnage, souvent comme son passager de taxi. La voiture, personnage à lui tout seul, semble incarner son jumeau de route : un peu cabossée, souvent en panne, elle peine à avancer mais survit malgré tout. Car le film ne se veut pas plombant, et même si la happy-end reste minimale (un appartement au quinzième étage d'un HLM...), le réalisateur la traite comme telle, ensoleillée comme le nouveau départ vers lequel Louise semble se diriger.
Le scénario peine quelque peu à trouver l'envergure du long-métrage. Si l'approche réaliste est privilégiée, elle se mord quelques fois la queue dans des redîtes qu'anticipent le spectateur, et vers lesquelles il peut parfois rentrer dans l'ennui. Au-delà du traitement singulier de la protagoniste qui offre agréablement une toute autre image de l'archétype féminin au cinéma, le courage du film se trouve également dans ses moments d'émotion toujours saisissants de soudaineté et de maladresse (l'avance de son ami dans la voiture, l'enlacement entre la mère et sa fille). Filmer la vie telle qu'elle est, telle qu'elle nous ressemble, un médium que connait bien Cyril Mennegun en empruntant pour la première fois la fiction. La photographie, assez belle, n'esthétise jamais à outrance. La mise en scène, sans tendre vers l'exceptionnel, parvient tout de même à attirer l'œil, notamment dans son travail d'éclairage. Car Louise Wimmer reste un film après tout assez sage, qui aurait peut-être gagné en indignation (?). Mais cette femme, incroyable à défaut de ne pas être tout le temps sympathique, luttant la tête haute pour son droit le plus sacré (un toit où se loger), est incontestablement vivante dans ce film qui transpire la liberté et s'égratigne contre les incohérences de nos sociétés. Un cinéma insolent qui, un peu trop modestement, trace néanmoins une ligne de force qui sied bien à son époque.

Réalisé par Cyril Mennegun
Avec Corinne Masiero, Jérôme Kircher, Anne Benoit
Film français | Durée : 1h20
Date de sortie en France : 04 Janvier 2012

A Dangerous Method

2012-01-09T22:54:00.003+01:00

Carl Jung, psychanalyste talentueux, reçoit Sabina Spielrein dans ses bureaux, une jeune femme victime d'hystérie. Très rapidement, docteur et patiente vont tomber amoureux l'un de l'autre. Jung rencontre en même temps Sigmund Freud, son père spirituel. Si Freud voit d'abord Jung comme un potentiel successeur de la pensée psychanalytique, bientôt les deux hommes vont se brouiller en divergeant leurs convictions : Jung croit en une irrationalité dans la nature humaine et souhaite s'imposer comme guérisseur tandis que Freud propose une interprétation purement sexuelle. Au cœur du schisme qui éloigne les deux hommes, cette jeune femme terrienne qui déchaine les passions d'un Jung troublé et soumis à ses pulsions amoureuses.
Il n'est pas très étonnant de voir David Cronenberg dans cet exercice de reconstitution. Psychanalyse et exploration de la pensée humaine n'ont de cesse de hanter son œuvre : du film de monstre (Chromosome 3, Scanners) à la vision aliénée et moderne du sexe (Crash) ou à la plongée dans la toile des traumatismes d'enfance (Spider), avec A Dangerous Method, Cronenberg rentre véritablement dans le sujet par la reconstitution. Le film est l'adaptation de la pièce de Christopher Hampton (qui signe également le scénario), elle-même adaptée du roman de John Kerr. Si le sujet n'étonne guère, sa mise en place est sans doute plus singulière. Très narratif dans ses dialogues travaillés, A Dangerous Method s'articule essentiellement autour de la langue, pouvoir de ses protagonistes, qui – comme Hampton l'avait parfaitement adaptée de Laclos – se rapproche du verbe des Liaisons dangereuses. Ainsi, la mise en scène se repose quasi essentiellement sur le jeu de ses acteurs. Michael Fassbinder, Keira Knightley et Viggo Mortensen sont tous les trois brillants et permettent littéralement au film de trouver l'assurance dont il nécessitait. Ainsi, la mise en scène d'apparence froide ou désincarnée déplaira certainement à un public vite lassé du principe. Leçon brute d'histoire et de psychologie pour certains, cette approche cinématographique est en réalité la marque d'un retrait d'une grande intelligence, d'une sobriété qui n'a plus besoin d'aller chercher l'émotion tant elle la brasse avec une facilité déconcertante pendant l'heure et demie de film. Bavard mais assumé en tant que tel, avec A Dangerous Method, Cronenberg parvient une fois de plus à surprendre son spectateur, à renouveler un cinéma ici historique mais qu'importe : le film semble avant tout une plongée dans le déséquilibre de ce docteur qui, fragilisé lui-même par les maux qu'il tente de guérir (la passion, le refoulement, cet irrationalité dont il semble si attaché) perd peu à peu de ses plumes. Le film frôle la grâce dans ses séquences où subitement la langue se tait et où l'impulsivité du geste prend le pas sur l'assurance de la parole (la première relation sexuelle, l'effondrement de Jung) et la touche tout à fait dans cette séquence de fin, merveilleuse de retenue, qui tend bel et bien le film au-delà de la précision de son sujet. Alors si l'on peut avouer préférer le cinéaste dans d'autres formes d'exercice, force est de constater la beauté discrète de cette Dangerous Method qui, dans sa complexité intellectuelle, serre les liens d'un regard sur la nature humaine, tout en restant à sa taille même parmi les plus grands.

Réalisé par David Cronenberg
Avec Keira Knightley, Michael Fassbender, Viggo Mortensen
Film anglais | Durée : 1h39
Date de sortie en France : 21 Décembre 2011

La Délicatesse

2012-01-08T20:27:00.004+01:00

Nathalie est jeune, belle, amoureuse, trouve un travail. Mais la mort de son jeune mari bascule sa vie : endeuillée dans la solitude, elle retrouve peu à peu ses repères dans son cercle d'ami et son travail. Dans un moment de rêverie, elle embrasse un de ses collègues. Ce Markus, qui passe inaperçu dans l'entreprise, est pourtant loin du prototype d'homme intéressé par les charmes de la jeune femme. En compagnie de son frère Stéphane, déjà directeur de casting pour le cinéma, David Foenkinos adapte ici son propre roman éponyme, avec Audrey Tautou et François Damiens dans les rôles titres.
Cette comédie douce amère se laisse assez agréablement regarder. Sorte de Belle et la Bête contemporain dans un Paris de nos jours, La Délicatesse est un film léger sur la reconstruction affective et le hasard amoureux. L'âme du film et du livre est bien entendu cette rencontre singulière et hiérarchiquement opposée, bien portée par son duo de comédiens. Le rôle semble écrit pour Audrey Tautou, sensible et très à l'aise dans l'exercice tragi-comique qu'on lui connait déjà. La réelle surprise est en réalité celle d'un François Damiens à la gaucherie attachante, sans cesse dans la disgrâce gracieuse, qui accompagne les meilleures séquences du film. Les réalisateurs semblent avoir trouver le bon ton, empruntant parfois à la légèreté ses meilleures possibilités : d'un trajet onirique de Markus croisant sur sa route des jeunes femmes qui le charment, à un dialogue au restaurant filmé le temps d'un instant dans un aquarium, c'est lorsqu'ils communiquent leur plaisir de metteur en scène que les réalisateurs convainquent le mieux. Car bien porté par ses seconds rôles - certainement une qualité de directeur de casting – La Délicatesse s'offre finalement comme un chocolat réconfortant proprement emballé.
Proprement à défaut de l'être moins. Car évidemment, de ce premier essai filmique suinte ici ou là quelques failles qui viennent malheureusement nuancer la bonne appréciation du spectateur : d'une voix-off facile à des ellipses trop chapitrées dans ses effets de fondus au blanc, les réalisateurs peinent de manière générale à donner de l'épaisseur à leur scénario. Le tout s'avère un peu trop lisse et glissant pour que La Délicatesse se détache tout à fait de son papier. Il faudra alors se contenter des belles émotions ponctuelles que parviennent toutefois à capter David et Stéphane Foenkinos, sur le toit de l'entreprise, sur un pont où la Tour Eiffel s'illumine soudainement... à l'image de la conclusion à la poésie quasi bergmanienne dans Les Fleurs sauvages, qui ferait regretter que l'ensemble n'ait pas tendu dans ce même sens. Pour un premier essai, le résultat de ce film avant tout populaire reste toutefois de bonne facture.

Réalisé par David et Stéphane Foenkinos
Avec Audrey Tautou, François Damiens, Bruno Todeschini
Film français | Durée : 1h48
Date de sortie en France : 21 Décembre 2011

Take Shelter

2012-01-06T22:36:00.004+01:00

Récompensé à Cannes et à Deauville, Take Shelter est le premier grand rendez-vous cinématographique de l'année. On y suit ce père de famille attachant, Curtis, et le quotidien de sa petite famille. Avec Samantha son épouse et Hannah leur fille sourde et muette, ces derniers vivent tant bien que mal avec le handicap et une crise financière qui ne facilite pas la tâche des classes moyennes. Mais tout commence à basculer lorsque Curtis a d'étranges visions apocalyptiques. Un puissant pressentiment l'envahit alors et l'isole bientôt des siens : Curtis est convaincu qu'une énorme tempête approche et met en péril la vie de tous.
C'est le deuxième long-métrage de Jeff Nichols, un réalisateur peu connu qui risque sans doute de se construire ici une certaine notoriété. Take Shelter est une vraie réussite de genre, surprenante d'audace. En s'intéressant à la fin du monde - un sujet leitmotiv du cinéma et désormais d'actualité ces derniers temps - le réalisateur-scénariste prend à contre-courant son spectateur. Aussi éloigné que possible du traitement des blockbusters, Nichols utilise ici la paranoïa apocalyptique comme une toile de fond, et non plus comme un sujet spectaculaire. Résultat : Take Shelter s'offre moins comme un film de spectacle qu'une chronique familiale à hauteur d'homme qui, et c'est là sa grande force, semble convaincue de sa propre approche. Le réalisateur persiste et signe dans son jusqu'au-boutisme périlleux qui l'amène pendant tout le film à ne jamais quitter le point de vue de son personnage à la névrose en crescendo ; ceci jusqu'au délire d'esprit dont le spectateur est le seul réel témoin (très loin des psychologues peu concernés). Si la mise en scène est sûre d'elle-même c'est parce qu'elle ne tente jamais de faire attraction en impressionnant d'une quelconque manière : les visions rêvées ou hallucinées sont moins des chocs que des contemplations terrorisantes, à la fois magnifiques et sans cesse ambigües. Une des plus belles séquences s'arrête longuement avec un Curtis observant l'orage au loin, alors qu'il s'est arrêté sur le bord de la route : « Suis-je le seul à voir ça ? ». Dans ce balai d'éclairs menaçants c'est la question qui hante tout le film et qui, assez incroyablement, ne semble pas trouver de réponse. Le final, aussi ambigu que libérateur pour le spectateur (la résolution psychiatrique n'est pas suffisante), donne au point final de Take Shelter un sentiment de non-dit qui hante encore après le générique.
En allégeant au mieux sa mise en scène, Nichols parvient aussi à capter superbement le jeu des acteurs. Michael Shannon, de plus en plus emprisonné dans le cadre, signe une interprétation incroyable de claustrophobie tandis que Jessica Chastain, la muse de Malick dans The Tree of Life, confirme son talent à fleur de peau. Ils sont le cœur de ce film envoûtant qui raconte beaucoup de choses au-delà de son sujet (la famille, la fragilité humaine, ses peurs primaires) tout en se moulant dans un mystère discret. Un réalisateur à suivre, tant ce Take Shelter étonne de par son charisme et sa simplicité de forme, comme un plume qui en pèserait des tonnes.

Réalisé par Jeff Nichols
Avec Michael Shannon, Jessica Chastain, Tova Stewart
Film américain | Durée : 2h00
Date de sortie en France : 04 Janvier 2012

Top 2011

2012-01-02T23:00:00.011+01:00

Ca y est, 2011 s'en est allé ! Le temps de résumer cette année de cinéma qui contient (un peu comme toutes) ses lots de pépites et de déceptions. Beaucoup de bonnes surprises pour ma part, d'où l'extension du classement jusqu'au top 20, mais avec un trio de tête qui s'est très vite dessiné !

Je tiens particulièrement à remercier les visiteurs de mon blog : vous ! Bravo aux autres blogueurs pour l'enthousiasme dont vous faites part sur vos blogs et le mien, voir la cinéphilie amateur aussi dense et pertinente sur le Net c'est franchement cool. Continuons !
Merci aussi à tous les internautes plus anonymes qui parcourent et feuillettent de temps en temps ces pages. Voir le nombre de visites et savoir que l'on est lu, même partiellement, fait toujours chaud au cœur :) .

Bonne année 2012 à tous, et bien entendu voici mon top 10 ! J'accepte les éloges d'approbation, les insultes et même les chèques des boîtes de prod'... alors lâchez-vous !

Réalisé par Darren Aronofsky
Avec Natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel
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Réalisé par Daniel Espinosa
Avec Joel Kinnaman, Matias Padin, Dragomir Mrsic
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Réalisé par Nicolas Winding Refn
Avec Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston
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4/ Carancho
Réalisé par Pablo Trapero
Avec Ricardo Darin, Martina Gusman, Carlos Weber
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5/ Restless
Réalisé par Gus Van Sant
Avec Henry Hopper, Mia Wasikowska, Ryo Kase
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6/ Une Séparation
Réalisé par Asghar Farhadi
Avec Leila Hatami, Peyman Moadi, Shahab Hosseini
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7/ Polisse
Réalisé par Maïwenn
Avec Karin Viard, Joey Starr, Marina Foïs
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8/ Incendies
Réalisé par Denis Villeneuve
Avec Rémy Girard, Lubna Azabal, Mélissa Désormeaux-Poulin
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9/ Le Gamin au vélo
Réalisé par Jean-Pierre et Luc Dardenne
Avec Cécile de France, Thomas Doret, Jérémie Renier
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10/ The Tree of Life
Réalisé par Terrence Malick
Avec Brad Pitt, Jessica Chastain, Sean Penn
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11/ Super 8, réalisé par J.J. Abrams
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12/ Le Discours d'un roi, réalisé par Tom Hooper
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13/ The Artist, réalisé par Michel Hazanavicius
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14/ Scream 4, réalisé par Wes Craven
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15/ Hugo Cabret, réalisé par Martin Scorsese
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16/ Arrietty, le petit monde des chapardeurs, réalisé par Hiromasa Yonebayashi
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17/ Minuit à Paris, réalisé par Woody Allen
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18/ Harry Potter et les reliques de la mort - partie 2, réalisé par David Yates
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19/ We Need to Talk About Kevin, réalisé par Lynne Ramsay
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20/ Mission : Impossible - Protocole fantôme, réalisé par Brad Bird
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Les Aventures de Tintin : Le Secret de la licorne, Intouchables, The Prodigies, De l'eau pour les éléphants, Tomboy, We Want Sex Equality, La BM du Seigneur,
L'Apollonide - souvenirs de maison close (pas de chronique)

Somewhere, 127 heures, Love, et autres drogues, La Permission de minuit, Essential Killing, Source Code, Pirates des Caraïbes : la Fontaine de Jouvence

Shame (c'est le cas de le dire !), Never let me go, La Guerre est déclarée, Melancholia, Fighter, J'ai rencontré le diable, La Grotte des rêves perdus, Hanna, Bon à tirer, Super, Un Heureux évènement, A Dangerous Method, Winter's bone, Animal Kingdom, Blue Valentine... On se rattrapera en DVD !

(Voilà pour 2011 !
-> Rendez-vous sur le blog pour des nouveautés très rapidement :] )

Hugo Cabret

2011-12-30T02:32:00.003+01:00

Après l'adaptation de Shutter Island, le géant Martin Scorsese met ici en images le roman d'Hugo Cabret. Budget olympique, technologie 3D à l'appui, le film est le blockbuster de fin d'année. Mais très agréablement, il est aussi un conte de pure fantaisie sous forme d'hommage au cinéma des premiers temps, dans lequel le septième art est la clé de l'aventure.
On connaît pourtant le réalisateur américain sous des jours plus sombres : auréolés de récompenses, il aura notamment marqué le film de gangsters à travers des chefs-d’œuvre incontournables (Mean Streets, Les Affranchis, Casino, Les Infiltrés) ou le genre du biopic (Raging Bull, Aviator) . Mais ayant toujours équilibré sa carrière entre des films populaires ou plus exigeants, il n'est pas surprenant de revoir le cinéaste dans ce nouvel exercice. En retraçant la vie d'Howard Hughes dans Aviator, Scorsese flirtait déjà avec l'hommage : Hugo Cabret est l'accomplissement de cette déclaration d'amour. Après la mort prématurée de son père, le petit Hugo vit dans une gare parisienne où il s'occupe des horloges. Mais en réalité, il n'a de cesse de faire réparer un automate que lui a confié son père, un automate qui le poussera à rencontrer l'un des premiers réalisateurs de cinéma et à donner un sens à sa vie. Le témoignage qui transpire du film est évident ; mieux, il est - pour le plus grand plaisir du spectateur - superbement mis en image, mêlant à l'artifice travaillé de sa photographie un relief étonnant. Accompagné de mouvements de caméra renversants notamment dans toute sa première partie, la forme n'épargne pour autant pas un jeu léché de la part des jeunes comédiens et des pionniers (Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen, Christopher Lee). L'émotion trouve son foyer tant dans la magnificence de la mise en scène quand dans l'interprétation sensible des comédiens. Et il est bel et bien question d'émotions dans Hugo Cabret : parcours de l'enfant seul à la quête de sa propre identité, les rêves oubliés que l'art vient soudain projeter et faire renaître... Scorsese signe une très belle ode au cinéma et à l'évasion, offrant à Georges Méliès la considération qu'il mérité dans le cœur des spectateurs que nous sommes tous.
Cet hommage risque cependant d'ennuyer son jeune public, la promotion du film étant faussement axée sur l'entertainment-movie de tout âge. Les adultes goûteront certainement plus leur plaisir que les enfants, car dans ses faux airs de film à spectacle Scorsese réalise un vrai conte personnel aux ambitions artistiques marquées. Comme un burlesque à la mélancolie plus soulignée, Hugo Cabret s'ouvre vers un imaginaire auquel les plus âgés seront certainement plus sensibles. La narration en douce progression, malgré son parti pris, frôle d'ailleurs souvent l'arythmie, les deux heures du film ayant peut-être pu être raccourcies.
Mais reste dans cette fable une poésie néanmoins tout public qui se conclut sur un « il était une fois » éternel et que l'on espère inépuisable. Car dans cette gare où les gens et les destins se croisent, deux inventions intimement liées semblent dans le cliquetis de leurs rouages incessants ne jamais s'arrêter ; d'une part le train qui fait voyager le corps, d'une autre le cinéma qui fait voyager l'esprit. Mais toutes deux font voyager le cœur, et ça, Méliès comme Scorsese semblent l'avoir bien compris.

Réalisé par Martin Scorsese
Avec Asa Butterfield, Ben Kingsley, Sacha Baron Cohen
Film américain | Durée : 2h08
Date de sortie en France : 14 Décembre 2011

Intouchables

2011-12-29T00:37:00.005+01:00

Avec un peu plus de 15 millions de recettes au second mois, Intouchables est devenu le meilleur succès de l'année en France et, on peut le dire, un phénomène qui n'est pas sans rappeler Bienvenue chez les Ch'tis en 2008. Comédie hilarante pour la majorité, souvenir d'une mièvre escroquerie pour d'autres, une chose est sûre, le film d'Eric Toledano et d'Olivier Nakache sera cette fois plus difficile à attaquer que celui de Dany Boon. Inspiré du documentaire A la vie, à la mort réalisé pour France Télévisions en 2003, Intouchables retrace le parcours de Philippe Pozzo di Borgo et de son auxiliaire de vie Abdel Sellou en se concentrant sur cette rencontre singulière entre un riche parisien tétraplégique et un jeune de cité.
De la même façon que Je préfère qu'on reste amis... en 2005 et Tellement proches en 2009, le film de Toledano et de Nakache est une vraie comédie. En optant pour le rire dédramatisant – postulat de départ de La Guerre est déclarée de Valérie Donzelli – Intouchables trouve rapidement le bon ton grâce à son tandem de comédiens excellents. Omar Sy en guignol impertinent se marie naturellement avec François Cluzet, jamais dans la surenchère de jeu, ici étonnant de sobriété. Mais la recette du succès populaire était déjà toute trouvée dans le scénario même. Driss, prisme du public populaire, rentre dans le milieu huppé de Philippe pour s'en moquer : une identification parfaite et d'actualité dans un pays qui, croulé sous les formalités, aspire à un peu plus de laisser-aller et de permis de vivre. Bienvenue chez les Ch'tis s'articulait déjà autour du transfert d'un personnage dans un milieu inconnu (le sudiste dans le pôle nord de la France) dans lequel il découvrait aussi une certaine simplicité oubliée. Mais si Boon ne s'écarte jamais vraiment du rire potache (le one-man movie en quelque sorte), Intouchables semble aller un peu plus loin. Le film est risqué car il confronte bien entendu des clichés. Derrière son appel d'air « inspiré d'une histoire vraie », cette histoire – toute aussi rationnelle soit-elle – aurait pu s'écraser dans un pathos de bons sentiments. Mais si les bonnes intentions ne font pas d'elles-mêmes des bons films, elles n'en font pas moins systématiquement des mauvais. Dans son humour populaire mais rythmé, sa pudeur étonnante qui craquelle aux bons moments, Intouchables est une vraie réussite de fond, jamais abrutissante dans l'émotion mais sensible dans sa bonne humeur latente ; en promenade nocturne dans Paris, en volant en parapente en montagne ou simplement en fumant sur un joint et faire la nique aux principes.
L'éloignement des archétypes est bien visé : pas de scènes larmoyantes où Driss sauve le cocon familial avec son argent, pas de reconquête de Philippe, le film se concluant avec raison vers les départs nouveaux... Mais en quasi connivence, la forme filmique ne montre pas ou peu d'ambitions, et frôle souvent la bonne règle (les plans grue un peu nombreux, la musique de remplissage).
Mais d'une façon ou d'une autre, aussi éloigné de l'idée que chacun est libre de se faire sur la définition d'un bon film, Intouchables n'est pas un succès populaire à déplorer (il y en a t-il vraiment ?). Car à hauteur d'homme et de spectateur, cette comédie souriante raconte de belles choses sans en évoquer de mauvaises ; ce qui représente déjà un petit succès en soi.

Réalisé par Eric Toledano et Olivier Nakache
Avec François Cluzet, Omar Sy, Anne Le Ny
Film français | Durée : 1h52
Date de sortie en France : 02 Novembre 2011

Mission : Impossible - Protocole fantôme

2011-12-18T19:20:00.003+01:00

Autant dire qu'avec ses spots promo sponsorisés Coca-Cola Zéro, Mission : Impossible 4 ne vendait pas beaucoup de rêve... Quel dommage ! Le nouveau blockbuster de la Paramount est pourtant une vraie réussite de genre. Ethan Hunt (Tom Cruise) part ainsi pour une nouvelle mission, accompagné cette fois de trois nouveaux agents (Jeremy Renner, Simon Pegg, Paula Patton). Dubaï, Vancouver, Prague, Moscou, Mumbaï... ce nouveau Mission Impossible est un pur spectacle de divertissement et d'évasion qui semble avoir la bonne idée d'emprunter énergiquement les codes établis. Intrigue classique - la fin du monde à éviter est nucléaire – le film se consomme pour ce qu'il est, de la vitamine C dont le second degré permet une consommation sans modération. Car c'est sans doute le grand atout de ce quatrième volet : tout en mettant à l'image le budget colossal de sa production pour ne pas trahir son spectateur, le film ne se prend jamais trop au sérieux, ni pas assez.
Brad Bird, tout droit venu des studios Pixar, semble en effet avoir trouvé un équilibre honnête. Si l'action ne s'arrête jamais vraiment, la mise en scène ne tend pas dans le montage épileptique. Le rythme, évidemment rôdé comme une usine, n'ennuiera personne. Première surprise : les séquences d'action sont brillantes. Bien huilée par une séquence virtuelle de jeu-vidéo dans la prison, la machine propose du beau spectacle. Les plus impressionnantes restant celles du gratte-ciel de Dubaï (à éviter pour ceux ayant le vertige) ou la course-poursuite dans la tempête de sable qui réemprunte une esthétique virtuelle. Bird n'est pas là pour révolutionner le genre : en bon élève, il s'adapte et parvient à maitriser son suspens. Un des passages les plus étonnants est celui de la toile écran qui reflète un faux fond, que poussent peu à peu Ethan Hunt et Benji Dunn : pour une fois derrière l'écran, le spectateur est celui que l'ennemi regarde sans voir. Jouant sur des sensations diverses - on ne rentre jamais pour autant dans la métaphore - comme celle désormais célèbre du travelling de course dans un décor qui explose (le plan d'Abrams sur le pont dans le troisième volet restera le plus saisissant), le film propose un spectacle tout en se souciant de son spectateur. Si la mise en scène reste d'une certaine manière strictement académique et n'empêchera pas pour les moins naïfs l'impression de déjà-vu, elle reste toutefois d'une grande efficacité.
Le casting fait le job, mais c'est surtout Cruise qui crève évidemment l'écran, tant dans ses prouesses physiques que dans son recul vis à vis de lui-même (la séquence des poubelles est une perle), style nouveau depuis Tonnerre sous les Tropiques. Seule déception avec une Léa Seydoux négligée et peu consistante, à l'image de l'intrigue de vengeance féminine qui n'arrive malheureusement pas à trouver sa place dans le scénario.
Honnête et divertissant, Mission : Impossible – Protocole fantôme est toutefois une bonne surprise qui ravira les amateurs de suspens et de vertige, finalement assez éloignée du produit de pur label que l'on pouvait en attendre. Le plaisir pas trop coupable de fin d'année.

Réalisé par Brad Bird
Avec Tom Cruise, Jeremy Renner, Simon Pegg
Film américain | Durée : 2h13
Date de sortie en France : 14 Décembre 2011

Carnage

2011-12-17T15:48:00.005+01:00

Le garçon de Nancy et Alan (Kate Winslet – Christoph Waltz) blesse celui de Penelope et Michael (Jodie Foster – John C. Reilly) lors d'une bagarre. Les deux couples se rencontrent pour la première fois afin de faire un constat à l'amiable. Mais très vite, la situation va s'envenimer...
C'est le nouveau film de Roman Polanski, filmé en huit-clos et adapté d'une pièce de théâtre française par sa propre dramaturge,Yasmina Reza. Cinéaste ovationné tant par la critique que par le public - malgré ses nombreux déboires personnels - de Chinatown à Tess ou de La Neuvième Porte au Pianiste, Polanski est déjà l'auteur d'une filmographie importante et reconnue. Après le succès du thriller politique The Ghost Writer, Carnage change de registre. Théâtre filmé dans une pièce unique et restreinte (le salon de Penelope et Michael), le film réunit un quatuor d'acteurs brillants. Et c'est tant mieux, voire heureusement, car ce dernier se présente avant tout comme une métrage de jeu : vaudeville comique et ironique, brillant dans son regard acéré sur les relations humaines et sociales, les quatre-vingt minutes de Carnage ne se boudent pas. D'abord respectueuse et convenue, la relation entre les deux couples se dégénère et tout le monde tire bientôt sur tout le monde : l'écriture empirique se mêle parfaitement à l'interprétation précise des comédiens. Jodie Foster, femme de principes convaincue, raffinée (son goût pour l'art) et concernée humainement (sa passion pour l'Afrique) explose rapidement sur Kate Winslet, mère de famille élégante mais lassée et fatiguée par un mari obsédé par son travail : Christoph Waltz, avocat vereux et nonchalant qui finit pourtant par se lier d'amitié avec John C. Reilly, un bon vivant peu ambitieux qui exaspère sa femme. Les acteurs offrent une partition parfaite et variée, bien alcoolisée, qui donne au fond le charme du film.
Car dans sa contrainte spatiale intéressante, Polanski installe une mise en scène, certes efficace, mais finalement peu attractive. Cadres fixes, découpage travaillé, la forme cinématographique joue la carte de la sobriété précise : trouvant sa seule originalité dans quelques utilisations ponctuelles de miroirs et des compositions intéressantes, c'est un Polanski discret que l'on retrouve ici, bien plus en qualité de directeur d'acteur que dans l'esthète qu'on lui connait.
Plaisante quoi qu'un peu téléphonée, l'adaptation est réussie au sens où tout le potentiel de l'œuvre originale semble conservé. Mais sans se vouloir comme un média supplémentaire et enrichissant, le cinéma est surtout ici un moyen de populariser la pièce à un large public. Évitant la déception dans son savoir-faire évident, Carnage ne marquera pour autant pas les esprits ou les rétines, surtout dans son dénouement inexistant qui vient déséquilibrer une narration pourtant fluide ; pour servir finalement une parenthèse polanskienne à ne pas bouder, qui reste cependant ce qu'elle est.

Réalisé par Roman Polanski
Avec Jodie Foster, Kate Winslet, Christoph Waltz
Film français, polonais | Durée : 1h20
Date de sortie en France : 07 Décembre 2011

Contagion

2011-11-11T13:27:00.006+01:00

Un virus mortel crée une pandémie catastrophique dans le monde entier ; au Centre de Prévention et de Contrôle des Maladies, Cheever (Laurence Fishburne) est obligé de dépêcher sur place en Asie le docteur Erin Mears (Kate Winslet), malgré les risques. Alors que les scientifiques s'efforcent à trouver un vaccin, un vent de panique parcoure le monde. Après la mort de sa femme et de son fils, Mitch Emhoff (Matt Damon) vit reclus chez lui avec sa fille, faisant face aux débordements d'une population angoissée. Tout ceci tandis que le docteur Leonora Orantes (Marion Cotillard) est pris en otage dans un petit village pour que ses habitants appauvris soient soignés en premier, et qu'Alan Krumwiede (Jude Law), journaliste raté, crée la panique en conspirant sur le gouvernement via son blog Internet.
Voilà pour l'intrigue général du nouveau film chorale de Steven Soderbergh. Aussi productif que singulier dans le paysage américain, ce cinéaste précoce - Palme d'Or dès son premier long avec Sexe, mensonges et vidéo - a varié de façon surprenante au cours de sa carrière d'un cinéma exigeant (Bubble, Schizopolis...) à des films plus classiques mais non moins travaillés (la suite des Ocean's Eleven, la grand succès de Traffic en 2001 et récemment le diptyque de Che Guevera et The Informant !). Contagion, sa vingt-deuxième réalisation (et pas moins de production à la clef), n'a pourtant pas la maitrise du maître que l'on pouvait attendre. Surprenant mais inégal, le film se heurte à nombre d'écueils qui empêchent la parfaite appréciation.
L'un des « bons points » est cela étant de proposer un spectacle qui se veut l'envers d'un blockbuster classique. A hauteur d'homme, Soderbergh s'intéresse avant tout à l'humain, dont il multiplie les figures en optant pour une forme alternée entre ses protagonistes. Pas de grandes envolées de mise en scène avec action de panique générale et des milliers de figurants et autres explosions de vandalisme. Contagion s'intéresse surtout – et avec justesse – aux réactions humaines. De Cheever, confronté aux remords d'envoyer un médecin vers la mort et de privilégier sa famille, à Mitch intériorisant tout son chagrin pour se faire la figure d'un père fort devant sa fille... tous les personnages sont affaiblis par un sort qui les dépasse mais qu'ils sont dans l'obligation d'encaisser. Aucun héros qui inspire la confiance ici : avec audace, l'Amérique apparaît fragilisée, ouverte à ses frontières car face à la catastrophe, il n'apparait qu'un seul humain, parfois vile (le personnage de Krumwiede et sa soif de polémique), parfois aux sommets du courage (le docteur Erin Mears qui se sacrifiera). Le tout pour un portrait froidement réaliste qui remet l'homme à sa place et propose un regard contemporain sur nos sociétés modernes.
Mais malheureusement, le rythme ne prend jamais. Le plus frustrant est que le casting étoilé donne l'impression de ne pas donner tout son potentiel. Le personnage de Cotillard, inutile, est passé à la trappe et disparaît pendant une bonne heure du film tandis que celui de Jude Law n'est jamais clair dans son approche. Évidemment la déconstruction se veut le témoin de la panique, mais ici la forme trop extrême est inadaptée. Et certaines maladresses de goût qui desservent le propos (le mal qui vient d'Asie, l'Amérique qui sauve le monde avec son vaccin) déséquilibrent un film qui aurait pu être un choc dans sa maitrise visuelle surprenante et l'interprétation de ses acteurs , mais qui s'abandonne finalement à une facilité de fond qui ne parvient jamais vraiment à toucher l'émotion ou une quelconque catharsis. Objet de paranoïa chronique, Contagion, après vision, bourdonne dans la tête lorsqu'on aurait souhaité être confronté à un miroir heurtant. Sans être un échec, le film déçoit beaucoup sans réellement déplaire. Oubliable, en somme.

Réalisé par Steven Soderbergh
Avec Marion Cotillard, Matt Damon, Laurence Fishburne
Film américain | Durée : 1h46
Date de sortie en France : 09 Novembre 2011

Polisse

2011-10-31T19:15:00.005+01:00

Après Pardonnez-moi et Le Bal des actrices, Maïwenn signe un troisième film auréolé d'un prix du Jury à Cannes en guise de promotion. Polisse raconte le quotidien des policiers de la BPM de Paris – Brigade de Protection des Mineurs – entouré d'acteurs désormais fidèles à sa réalisatrice (Karin Viard, Marina Foïs, Joeystarr...). Maïwenn, bien accueillie par la critique depuis son premier long, propose un cinéma réaliste, parfois sensible, parfois au bord de l'hystérie, parfois drôle. Polisse vient prouver une certaine cohérence à cette ligne de conduite : inspirée par un reportage télévisé, Maïwenn réalise un film fort, très imparfait, mais qui semble étrangement se nourrir de ses fêlures.
Caméra à l'épaule en multicams, jeu très libre des acteurs, le style de Maïwenn peut agacer de par sa radicalité de forme. Les situations très atypiques des interrogatoires rappellent parfois celles des Bureaux de Dieu. Proche de la forme télévisuelle (ou du journal intime amateur dans Pardonnez-moi), la quête obsessionnelle de la vérité à travers la saisie des instants, entraine souvent la cinéaste à brouiller les frontières. En mettant en scène ce qui s'y passe en temps normal, Polisse cherche à capter, de par sa caméra toujours très proche de ses personnages, l'émotion juste ; qu'elle soit belle et assimilée par le spectateur (l'histoire d'amour, la haine de Fred face à l'individualisme) ou la plus surprenante d'humanité (les éclats de rire nerveux, la relation à fleur de peau entre Nadine et Iris...). Et si Maïwenn sort de cette épreuve avec un prix à Cannes, il n'est pas démérité.
A l'instar de ses deux précédents films, Polisse se présente comme un bordel bien organisé. Avec un montage purement chronologique, la réalisatrice fait marier ses séquences dans un éclectisme perturbant mais à la droite justesse de l'émotion. En voulant trop en dire et trop faire partager dans un condensé fragile de fragments de vie, la mise en scène est poignante même lorsqu'elle frôle les limites. C'est un peu la force de Maïwenn : ne s'accorder aucune barrière, sans craindre ni la singularité filmique ni l'adhésion de son spectateur. Seule la conviction semble compter dans cette déstructure qui joue au yoyo avec l'affect, et qui reflète sans doute beaucoup ce que nous sommes. Avec cette brigade des mineurs, Maïwenn semble ainsi avoir trouvé le terrain de jeu idéal à ses envies créatrices : en suivant ces adultes qui se doivent de rester forts à longueur de temps, Polisse fait briller les grandes forces (cette fameuse dignité) et fragilités de l'être humain.
Plus en retrait, le personnage de Maïwenn gagne ici en humilité même si le caméo ne présente que peu d'intérêt si ce n'est sa mise en abime elle-même redondante (photographe / cinéaste, bon). Et même si le film ose sans doute à tort un dénouement choc – la fin avait-elle besoin de cette dramatisation ? - en délivrant l'enfance d'un mal que les personnages et les spectateurs absorbent jusqu'à saturation, Polisse se tire de cette affaire étriquée avec des hommages émus ; ceux réservés aux œuvres les plus cruellement douces.

Réalisé par Maïwenn
Avec Karin Viard, Joey Starr, Marina Foïs
Film français | Durée : 2h07
Date de sortie en France : 19 Octobre 2011

Les Aventures de Tintin : Le Secret de la licorne

2011-10-29T23:23:00.006+02:00

Le nouveau fantasme du géant Spielberg voit enfin le jour : mettre en images le héros de bande-dessinée Tintin dans un blockbuster dernier cri. Le défi semble colossal, mais c'est sans compter qu'il est pris en main par l'un des plus grands créateurs d'imaginaires du continent.
Croisement entre un Indiana Jones européen et une motion capture saisissante, Les Aventures de Tintin : Le Secret de la licorne ne fait pas l'économie des moyens. Vire-voltage entre la France, le Maroc et l'Océan Atlantique, que cela soit sur un bateau, un avion ou en tyrolienne avec une roue de side car (et quelques fois sur terre quand même), la nouvelle aventure de Spielberg se goûte avec un plaisir sans limite.
Si visuellement l'approche technologique pouvait inquiéter, il serait dommage de passer à côté de cet incroyable travail d'animation, à la fois pétrifiant de réalisme mais d'une artificialité bucolique. Sans atteindre la magie euphorisante du Pôle Express de Zemeckis, la motion capture bascule le spectateur dans une dimension nouvelle qui frôle l'illusion jusqu'au relief (quel effet sensationnel sur l'eau !). Tout est fait pour que l'évasion soit totale. Aidée par un travail colossal sur le son, dans ce sens la mise en scène est une parfaite réussite.
Il y a donc un réel savoir faire, Spielberg n'étant pas le plus mal accompagné des cinéastes américains (on retrouve une nouvelle fois Janusz Kaminski à la photographie, Michael Kahn au montage, John Williams à la musique...). Et si le risque que représente l'adaptation de la bande dessinée belge est vite comblé par sa réadaptation naturelle dans les codes du blockbuster, Tintin trouve bien une réelle identité entre les mains du célèbre réalisateur. Maitre du jeu dans certaines séquences hallucinantes (le crash de l'avion, la course contre l'oiseau, le duel de bateau) et compagnon de jeu à un entourage attachant (Milou, les Dupondt, Haddock), il est adopté.
C'est plutôt la boulimie incessante du film qui l'est moins facilement. Testostéronée et ne laissant jamais la place ni à une figure féminine à part la castafiore caricaturée (?) ni à quelconques moments de soufflement, la mise en scène reste limitée. De par son rythme effréné et fatigant, mouvements d'appareils et autres cascades grandiloquentes parviennent à lasser par usure. En amenant son spectateur jusqu'à l'aérophagie abrutissante, Spielberg perd sans doute en subtilité à vouloir à tout pris montrer que Tintin est un héros d'action. Et incontestablement de la tension dramatique en ne proposant qu'un pseudo dénouement qui ne sert que de teasing.
Surdosé mais – il faut le dire – bien foutu, Les Aventures de Tintin ravira les enfants et tous les amateurs d'adrénaline forte acidulée au pop-corn. Pour les autres, les regards se tournent vers un Cheval de guerre imminent.

Réalisé par Steven Spielberg
Avec Jamie Bell, Andy Serkis, Daniel Craig
Film américain, néo-zélandais | Durée : 1h47
Date de sortie en France : 26 Octobre 2011

The Artist

2011-10-27T23:05:00.003+02:00

Après ses deux épiques OSS 117, Michel Hazanavicius a frappé fort la croisette avec The Artist, film hommage à l'Hollywood muet d'antan. Donnant une nouvelle fois à Jean Dujardin le rôle vedette accompagné par Bérénice Bejo, le réalisateur signe un film étonnant et passionné.
George Valentin est une grande vedette américaine du cinéma muet, mais la fin des années 20 sonne le glas de sa carrière : l'arrivée du parlant avec un certain Chanteur de jazz, convainc les producteurs à évoluer leur technique. Valentin voit alors sa notoriété disparaître au profit des nouvelles stars du parlant, dont Peppy Miller, une jeune figurante rencontrée passionnément sur un plateau de tournage.
Évidemment, l'intrigue sert de pilier au pari fou de réaliser un film muet en noir et blanc à une époque où la pellicule commence déjà à devenir obsolète. Il y a beaucoup de nostalgie dans la démarche artistique d'Hazanavicius, c'est certain, mais c'est surtout dans la demi teinte bien équilibrée du film que The Artist parvient à séduire : pastiche sans tomber dans la parodie ou la caricature, le réalisateur préfère une repensée moderne de la forme plutôt qu'un simple clin d'œil fil rouge de cinéphile. Le résultat est à la hauteur des attentes. Multipliant les idées de mise en scène (la rencontre en danse, le plan filmé en plusieurs prises, l'oppression du son dans la séquence du rêve, le porte manteau qui prend vie...), et en stimulant le regard de son spectateur, The Artist n'est donc pas qu'un simple essai qui n'aurait de qualité que le fond. Réadaptation de nombreuses références en passant de Lubitsch à Lang, le film tend à innover tout en se présentant comme le point final d'une phrase déjà bien terminée. Ainsi, là on pouvait attendre une parodie à la Mel Brooks, Hazanavicius ne se contente pas d'imposer un point de vue moderne et ironique . Il met du cœur et de l'âme dans ce mélodrame endiablé qui, comme Chaplin savait si bien le faire, fait flirté l'humour au tragique. De leur côté, Jean Dujardin et Bérénice Bejo crèvent l'écran, témoignant un vrai plaisir de jeu.
Sans doute que ces grandes réussites lissent certains écueils difficilement évitables, à savoir l'imprécision du genre qui hante quelques fois le film. Volontairement anachronique mais parfois dérangeant dans l'imprécision de ses intentions, The Artist semble quelque fois se mordre la queue en rendant lassant le spectacle musical (le muet oblige une musique conséquente). Il n'aurait sans doute pas fallu plus de séquences qu'il y en a déjà, car la dédramatisation intéressante du film est parfois mise à mal dans quelques surenchères d'émotion.
Mais il n'y a pas à bouder son plaisir de spectateur tant l'usine à rêves fonctionne dans ce fantasme de metteur en scène finement réalisé, qui rompt l'importance primaire de l'histoire à celle toujours plus subtile de ses images. En clair (et noir et blanc), une belle leçon de cinéma d'un maître qui joue à l'élève.

Réalisé par Michel Hazanavicius
Avec Jean Dujardin, Bérénice Bejo, John Goodman
Film français | Durée : 1h40
Date de sortie en France : 12 Octobre 2011

Restless

2011-10-27T13:00:00.004+02:00

Enoch, lassé de vivre depuis la mort de ses parents, se réfugie dans la solitude en compagnie des morts qu'il va rendre visite aux enterrements et d'un fantôme japonais qu'il s'invente. Annabel, en phase terminale d'un cancer, est fascinée par la vie et fait preuve d'un épicurisme impressionnant face à la tragédie. Devant un tombeau, les deux adolescents se rencontrent. Ils se ressemblent un peu, se complètent beaucoup, et bientôt ils ne peuvent plus se détacher l'un de l'autre.
On ne présente plus Gus Van Sant, un des cinéastes américains indépendants les plus respectés du grand continent. De ses films expérimentaux et très personnels (Mala Noche, My Own Private Idaho, Gerry, Elephant...) à ses plus populaires (Will Hunting, A la rencontre de Forrester, Harvey Milk), le cinéaste a su marquer les esprits avec une filmographie éclectique mais aux thèmes récurrents. L'adolescence et la mort viennent une nouvelle fois parasiter son nouveau film, Restless, qui s'inscrit plus dans la veine populaire que ses précédents films. Éloigné de sa quadrilogie de la mort, malgré son synopsis peu surprenant, le film empreinte la douceur et une simplicité de ton très proche de Will Hunting.
C'est d'ailleurs une des grandes surprises de Restless, qui commence pourtant assez dangereusement. Les deux adolescents, lunaires, décalés (comme souvent chez Van Sant) font connaissance en même temps que les spectateurs les apprivoisent. Singuliers, ils touchent mais laissent un point d'interrogation sur la suite du film : où Van Sant nous mène t-il ? Au contraire de l'impression donnée – et au bénéfice du film – Restless ne joue jamais la carte expérimentale que l'on pouvait attendre voire redouter du cinéaste. La force du film est qu'il se concentre uniquement sur cette rencontre, sans fabulations ni expérimentations de forme. Dans un Portland grisé par un automne qui dépéri peu à peu le paysage urbain, Enoch et Annabel se construisent une bulle que capte la mise en scène au détriment de vouloir la représenter. Si certains pourront reprocher ce choix du cinéaste, ce serait peut-être oublier que les mises en scène les plus simples sont souvent les plus parlantes. Ici, Van Sant est éblouissant d'humilité, laissant à son couple de comédiens fascinants la possibilité de se mouvoir dans sa ville natale, et de laisser corps à leurs personnages. Amour, déceptions, désir, deuil... Restless est un condensé de vie d'une heure et demie qui a cette grande qualité de préférer la pudeur au sentimentalisme. Extraverties, les émotions sont un jeu (la mise en scène du jeune couple qui simule la mort d'Annabel) ; cachées elles deviennent véritables (Enoch s'isole à l'hôpital).
Bien que moins dépouillé que certains autres de ses grands films, Van Sant signe, cela étant, un de ses longs-métrages les plus bouleversants, où son cinéma obsessionnel s'efface devant un regard quasi neutre, sûr de lui, qui témoigne d'une maturité qui n'a plus besoin de se montrer. Discrètement précieux.

Réalisé par Gus Van Sant
Avec Henry Hopper, Mia Wasikowska, Ryo Kase
Film américain | Durée : 1h35
Date de sortie en France : 21 Septembre 2011

Drive

2011-10-26T17:21:00.003+02:00

Récompensé par un prix de la mise en scène à Cannes, Drive aura ces derniers temps popularisé son réalisateur danois. Au vu de sa carrière déjà impressionnante (commencée à 25 ans avec le premier Pusher), il était enfin temps que Refn ne soit plus qu'une syllabe vénérée par d'étranges cinéphiles...
Ce n'est pourtant pas le premier film tourné en anglais de Nicolas Winding Refn. De son premier essai Inside Job, Bronson jusqu'à l'ovni Valhalla Rising, le cinéaste a toujours convaincu la presse sans jamais s'attirer la même admiration chez le public. L'auteur de la trilogie Pusher trouve sans doute sa rédemption dans ce film de bad guys ultra sophistiqué, aussi difficilement classable qu'impressionnant de maitrise.
L'intrigue empreinte les chemins battus du héros embrigadé dans une situation dramatique malgré lui. Le Driver, un as du volant chargé de ramener des gangsters sains et saufs après leur coup, est traqué par des malfrats qui veulent sa mort. Mais lorsque la jeune femme dont il vient de tomber amoureux est impliquée, il devient à son tour un traqueur sanguinaire. Le héros à supprimer qui bascule dans la vengeance de survie est une recette efficace bien assimilée par le spectateur (on pense à Hitchcock évidemment, Tanrentino ou Greengrass de manière plus contemporaine). C'est la grande qualité de Drive, et des meilleurs films populaires de façon générale : à travers son écrin taillé pour un public le plus large possible, Refn parvient à réaliser un film à la forme et aux partis pris originaux.
Porté par un Ryan Gosling maître de son personnage, le film est une véritable réussite esthétique. A l'opposé de la caméra sous tension de Bleeder ou Pusher, Refn installe ici une mise en scène très stylisée et travaillée. Caméra fixe, mouvements d'appareil soignés, il est peu dire que Drive est un choc visuel, harmonieusement accompagné - de surcroit - par une bande-originale rétro pop / electro. Si le film prend le risque de distiller ses séquences d'action pure (un accident n'est qu'une mise en scène de cinéma dans une des premières séquences), ce n'est que pour mieux se concentrer sur son protagoniste énigmatique. Froid mais sensible, virtuose mais inadapté, The Driver est un vrai personnage de cinéma que le spectateur peut admirer (son combat acharné) et auquel il peut s'attacher (l'histoire d'amour). Différent mais toujours hanté par des thèmes qui lui sont chers, Nicolas Winding Refn semble trouver dans ce Drive un équilibre parfait entre recherche plastique et ses bonnes vieilles interrogations sur la violence humaine. Véritable plaisir filmique, peut-être un peu codifié – le personnage féminin ne sortira pas de l'idéal américain –, c'est toutefois presque peine perdue de vouloir enterrer ce film surprenant et très contemporain qui a l'avantage des meilleurs surprises : étonner avec classe.

Réalisé par Nicolas Winding Refn
Avec Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston
Film américain | Durée : 1h40
Date de sortie en France : 05 Octobre 2011

We Need to Talk About Kevin

2011-10-22T01:51:00.003+02:00

Après un passage mouvementé à Cannes (mais sans récompense), We Need to Talk About Kevin s'offre dans les salles obscures. La singularité du titre annonce celle de l'intrigue : le film suit le parcours d'Eva et de Kevin, une mère et un fils en perpétuel conflit. Sans raison apparente si ce n'est celle de ne jamais parvenir à se comprendre. Mais lorsque la situation devient dramatique, l'heure est à la remise en question maternelle : Eva a t-elle fauté ? Comment expliquer la déchéance de Kevin ?
Après un longue absence sur la toile, Lynne Ramsay adapte le livre de Lionel Shriver. Hantée par des démons universels et énigmatiques (la bonne éducation, le pardon, le Mal...), la réalisatrice met sans conteste de son cœur dans ce film pour le moins surprenant.
Portrait froidement réaliste d'une mère de famille déchirée, We Need to Talk About Kevin heurte son spectateur d'une étrange et efficace façon : pesant mais jamais dans la surenchère dramatique, haletant dans son suspens accrocheur, le choc souhaité opère. Le film contraint le regard, nous obligeant alors à intellectualiser un drame familial de pur mystère. En épousant sans cesse le point de vue d'Eva (le film opte une approche flashback), le spectateur est rendu complice, véritable témoin malgré lui d'un procès au crime effroyable mais à l'accusation inconnue. La mise en scène de Ramsay est virtuose lorsqu'elle se détache volontairement de ses protagonistes, offrant aux espaces vides de la maison familiale une étrangeté glaciale. Véritable exercice de l'antithétique, le film met en confrontation une mère distante et un adolescent provocateur, un lieu et une météo idylliques à une atmosphère étouffante.... L'image filmée perd alors de son apparence et se révèle sous son vrai jour avec cette dimension psychologique perturbante, rendue percutante par l'interprétation au couteau de Tilda Swington.
Si le résultat est à la hauteur des partis pris – en témoigne une critique dithyrambique pour la grande majorité – reste est de constater que le film pose sans doute quelques problèmes de forme. Très librement adapté du roman original, Ramsay décide de révéler l'élément perturbateur à la fin. Par des effets d'annonce qui tendent la tension dramatique, la réalisatrice joue avec les nerfs de son spectateur. Soit. D'ailleurs le film y gagne dans certaines réussites esthétiques bluffantes (la déconstruction narrative qui prend sens par la suite, le plan sur le rideau avec le son...). Cependant, l'inexcusable pudeur finale (la réalisatrice nargue son spectateur pendant une heure et demie pour... ne rien montrer) confère la sensation d'une escroquerie. La violence y apparaît alors d'une gratuité voyeuse et plus du tout glaçante, à l'image du père et de la fille, véritables archétypes jamais développés dont l'effroyable disparition ne parvient pas à émouvoir.
Percutant quoi que partiellement maladroit, We Need to Talk About Kevin vaut surtout dans son naturalisme implacable (rappelant quelque peu celui de Van Sant ou d'Haneke), qui ouvre une brèche dans un puits sombre où se cache des interrogations profondes, et où se devine surtout une fragilité humaine dont, sans doute, il faut parler.

Réalisé par Lynne Ramsay
Avec Tilda Swinton, John C. Reilly, Ezra Miller
Film américain, britannique | Durée : 1h50
Date de sortie en France : 28 Septembre 2011

Une rentre tardive... mais une rentrée quand même !

2011-10-15T18:59:00.006+02:00

Suite à une rentrée quelque peu mouvementée (changement de ville, abonnement Internet...), j'ai longuement tardé avant de reprendre une activité normale sur mon blog.
Mais cette fois ci, la rentrée arrive enfin ! Et ça (vous) m'avait plutôt manqué :) .

Critiques des films en salle, dossiers spéciaux et surtout conversations passionnées... la recette et les ingrédients restent les mêmes pour parler cinéma avec vous sur la grande toile du web !

Un café, une clope... et bon ciné !

Super 8

2011-08-12T14:20:00.006+02:00

Les blockbusters n'ont pas fini d'envahir les salles obscures climatisées de l'été. Tandis que chaque année relève de plus en plus haut la barre du spectacle synthétisé, force est bien de constater que Super 8 est l'excellente surprise de la saison.
On pouvait pourtant se douter du potentiel de J.J. Abrams, faiseur de rêves précoce à Hollywood. De ses premiers scénarios (Armageddon, Une Virée en enfer...), au lancement de ses séries télévisées (Felicity, Alias, Lost, Fringe), cet amoureux du spectacle haute voltige en cachait plus dans sa besogne que ne le présageait ses premières réalisations traditionnelles Mission Impossible 3 et Star Trek. De la même façon que Matt Reeves et son Cloverfield, Super 8 fait preuve de l'inspiration de la génération post-Spielberg et autres Lucas qui allie la nostalgie des premiers blockbusters à une liberté de création technologiquement plus aisée. Car à ne pas s'y tromper, derrière ses allures de gros budget, ce Super 8 se présente avant tout comme un hommage enveloppé dans un savoir-faire technique récent.
Dans cette époque où la guerre aux effets spéciaux fait rage entre les grands studios, la différence devient un gage malicieux de qualité. Des premiers Spielberg et Star Wars aux artisanaux Hellboy de Guillermo Del Toro, Super 8 est un concentré d'inspirations qui viennent s'empiler à un vaincu bien réel. Années 80, une ville en plein Midwest américain avec ses célèbres rues bétonnées et sa haute technologie (talkies-walkies, walkmans, gameboys...), la nostalgie rétrospective séduira tant les geeks que les amateurs de cinéma hollywoodien. Et convaincre tous les publics est bien la réussite du film. Dans ce décor bien connu, un groupe d'enfants passionnés de grand écran et de films spaghettis sont les témoins d'un accident de train cachant – évidemment – de grands secrets... Attaché au suspens du non-dévoilé comme pouvait l'être Hitchcock, le récit d'Abrams s'articule ensuite autour d'un mystère qui se joue du spectateur et une intrigue recyclée d'E.T. Ce n'est donc pas tant dans la singularité du scénario que le film d'Abrams convainc mais plus dans sa simplicité de ton (l'adolescence juvénile est ici troquée avec l'enfance asexuée, l'ennemi n'est pas l'envahisseur...). Si la morale du « c'était mieux avant » était à craindre, elle est balayée par l'incroyable travail d'effets spéciaux mené par Dennis Murren. Confiné au travail photographique remarquable de Larry Fong (le bras droit de Zack Snyder) et musical du compositeur Michael Giacchino, le résultat est aussi éclectique qu'original. La tendresse apportée par les jeunes protagonistes talentueux arrive dans ce bordélique mélange d'époques comme une cerise sur le gâteau.
Alors même si l'histoire se repose jusqu'à la fin sur des acquis, si le suspens fil rouge peut décevoir de par son envergure un peu surestimée, Super 8 s'impose tout de même comme une vraie réussite. Entre esthétisme rétro teinté de flares bleutés et d'effets spéciaux hallucinants (l'accident du train est une merveille), Abrams livre un blockbuster vitaminé et agréablement personnel dans un paysage technologiquement trop anonyme. Et un conseil de cinéphile à cinéaste : encore !

Réalisé par J.J. Abrams
Avec Kyle Chandler, Joel Courtney, Elle Fanning
Film américain | Durée : 1h50
Date de sortie en France : 03 Août 2011

Harry Potter et les reliques de la mort - partie 2

2011-07-13T15:10:00.004+02:00

L'évènement cinématographique du mois du juillet, c'est celui-là : dix ans après l'adaptation du premier volet de J.K Rowling, l'aventure prend fin avec la deuxième partie du dernier volet de la saga Harry Potter. Devenue une immense industrie installée dans les studios Leavesden à quelques kilomètres de Londres, le sorcier à lunettes aurait fait tourner les têtes de millions d'adolescents, à la fois sur papier et sur la toile. Alors que la magie (et ce qu'elle rapporte) veut être logiquement conservée - un parc Harry Potter, un musée, un nouveau site Internet... - la fin sur la toile est bel et bien à digérer. Passée sous les mains de plusieurs metteurs en scène (Chris Columbus pour les deux premiers volets plus enfantins, le mexicain Alfonso Cuaron pour le changement du troisième, le british Mike Newell pour le pilier, et l'anonyme David Yates jusqu'alors) mais toujours sous l'œil attentif des producteurs David Barron, David Heyman et de sa maman de papier, la saga aura définitivement marqué le paysage du blockbuster.
Et bonne nouvelle, les fans de la première heure n'iront certainement pas bouder son final en apothéose. Divisé en deux parties et outre l'aspect économique, cette décision aura au moins le mérite de proposer aux lecteurs deux adaptations très fidèles. Fluide, le scénario ne s'étend jamais ni s'embobine rapidement sur des passages en creux : le soin apporté est tout aussi évident que le budget colossal mis à contribution. Les séquences d'effets spéciaux sont tout simplement extraordinaires. La grande bataille entre les forces du bien et du mal promettait un spectacle de haute voltige. Le résultat est à la hauteur des attentes, les deux heures de film se consommant avec un plaisir sans limite.
Mais c'est surtout dans la singularité esthétique du film que la réussite est accomplie. Cohérente, l'empreinte visuelle d'Harry Potter existe bien. Photographie sublimée, mouvements de caméra vertigineux et des séquences de respiration sublimes (la gare entre les deux mondes, la séquence de la pensine de Rogue, l'une des plus belles de la saga...), on ne peut reprocher aux films d'assurer une certaine qualité de forme.
Et même si dans ce spectacle assumé les facilités populaires peuvent faire sourire - belle poussée d'hormones dans ce final ! - ce dernier volet d'Harry Potter n'ira pas ternir la fresque mais au contraire lui donne un point final pétaradant et sensible (l'épilogue marcherait presque mieux dans le film que dans le livre). Mais la fin n'est qu'une étape vers un éternel recommencement, c'est peut-être une des paraboles qui se glissent entre les lignes d'Harry Potter. On n'en espère pas moins de cette série générationnelle et de son héritage dans les salles obscures magiques.

Réalisé par David Yates
Avec Daniel Radcliffe, Rupert Grint, Emma Watson
Film américain | Durée : 2h10
Date de sortie en France : 13 Juillet 2011

Dossier #03 : Le Village : foi et humanisme

2011-07-08T22:49:00.023+02:00

Le Village de M. Night Shyamalan

Foi et Humanisme

Avant-propos : Quelques pistes de réflexions et d'analyse sur un film et un réalisateur que j'apprécie particulièrement. Attention pour ceux qui n'auraient pas vu le film, ou Sixième Sens... les spoilers sont inévitables !
Pour les curieux connaisseurs j'espère que ces quelques pistes pourront vous intéresser.... et pourquoi pas créer le débat ! C'est le but ;) .

Né le 6 août 1970 à Pondichéry, enfant d'une famille aisée d'origine indienne installée à Philadelphie, Manoj Nelliyattu Shyamalan était d'abord prédestiné à devenir médecin selon la tradition familiale. C'est finalement le cinéma qui l'intéresse très jeune, filmant des court-métrages amateurs avec sa caméra Super 8. Diplômé d'une école de cinéma à Manhattan, il signe un premier long-métrage financé par ses amis et ses parents, Praying with Anger en 1992. Six ans plus tard, Éveil à la vie, son deuxième film, sort dans les salles. Appréciés sans être des succès, il faudra attendre 1999 et le carton de Sixième Sens pour trouver la renommée attendue et le style déjà singulier de son auteur : un mélange d'horreur et de métaphores au service d'un récit à twist final. Et la recette prend bien : Incassable (2000), Signes (2002), et Le Village (2004) sont des réussites. Aujourd'hui à la dérive d'un public et d'une critique à juste titre moins optimistes (La Jeune fille de l'eau, Phénomènes, Le Dernier Maître de l'air) M. Night Shyamalan déçoit et semble faire de plus en plus attendre son retour vers un cinéma camouflé, au combien intelligent derrière ses allures de films à vedettes et de box-office.

C'est peut-être le plaidoyer de cette chronique – si tant est qu'il y en ait une – à savoir que si M. Night Shyamalan fait aujourd'hui grincer des dents, il nous a, hier, offert quatre œuvres sublimes, des productions américaines implacablement différentes et qui auront marqué la toile du début du XXIème siècle.

Souvent sous-estimé à mon goût, incroyable chef d'œuvre ingénieux et inépuisable (toujours à mon goût !), Le Village a laissé sa trace indélébile dans mon panthéon secret des films qui m'ont, le temps d'un instant, bouleverser et fait rêver. Peut-être le plus abouti, en tout cas regroupant toutes les idées hantées de son cinéaste, le film se digère au-delà de la manipulation thématique, ce qui en fait son unicité même à la clôture d'une quadrilogie. Retour sur un film envoûtant et un cinéma que l'on regrette d'avoir un peu perdu chez son cinéaste inspiré.

Forces naturelles et surnaturelles

Dans l'imaginaire de beaucoup d'auteurs, le fantastique remplit deux rôles. D'une part écarter le récit d'un naturalisme peu accrocheur afin de faire voyager l'esprit du spectateur, l'emmener dans une réalité inconnue jusqu'alors. D'autre part à refléter allégoriquement des vérités bien concrètes et téméraires. Ces deux rôles forment en quelque sorte deux couches superposées, qui se révèlent selon l'appréhension de l'œuvre. Simple divertissement évasif ? Morale masquée ? L'intérêt du fantastique dans les livres et les films se trouve dans cette double lecture. Si Les Fables de La Fontaine ou Vingt-Mille lieux sous la mer de Jules Verne peuvent paraître au premier abord une littérature enfantine, c'est oublier que l'un détournait une censure abusive et l'autre condamnait des idéologies convaincues et destructrices. Le Village s'imprègne de ce pouvoir d'expression. Chez M. Night Shyamalan comme chez beaucoup d'autres, le surnaturel est toujours le reflet d'une conscience humaine et le prisme d'émotions bien réelles. Et comme chez beaucoup d'autres auteurs également, des thèmes chers hantent sans cesse ses films malgré leur différence. Le Village, de la même façon que Sixième Sens, Signes et Incassable, thématise la douleur du deuil. Comment se reconstruire après une destruction ? Comment rester les mêmes quand tout a changé ? C'est le combat perpétuel de chaque protagoniste, d'un père de famille assassiné qui n'accepte pas la mort et l'abandon, d'un ancien prêtre qui perd la foi après le meurtre de sa femme, d'un homme ordinaire qui survit miraculeusement à une catastrophe... et de plusieurs personnes meurtries par l'assassinat inhumain d'êtres chers. Le Village a cela d'ambitieux qu'il hisse les ambitions thématiques à un degré supérieur. Le deuil n'imbibe plus seulement un personnage principal isolé, mais tout un village né dans le secret. Sous cet angle, le film est sans doute le plus abouti de Shyamalan car il pousse les limites du symbolisme jusqu'au paroxysme. Là où le surnaturel était un prétexte narratif à de réelles ambitions morales et philosophiques, ici il devient un prétexte au cœur de la narration. Ce n'est non plus Shyamalan qui utilise l'artifice du fantastique mais ses propres personnages, ces Anciens qui tiennent à tenir dans le secret et la peur leur village fermé et temporairement décalé. Il y a une sorte de mise en abyme directe à la création fantastique où ce n'est non plus le spectateur qui se questionne sur le symbolisme du fantastique mais les protagonistes eux-mêmes.

Sont-ils dans la vertu ? Ont-il commis une erreur ? L'approche distante, quasi documentaire de la mise en scène (la caméra épaule donne parfois des allures de reportage) reflète ce changement de processus et fait du Village un film intéressant dans sa forme.

Les questions morales que se posent les Anciens sont logiquement celles que pose le film dans sa seconde lecture interprétative. De la même façon que certains dictateurs, ces derniers utilisent la peur (la forêt environnante peuplée de monstres empêcherait les villageois de partir dans les villes) afin de les relier à leur cause. Si la décision part d'une intention protectrice et vertueuse, est-elle pour autant défendable ? Et quand Lucius, un homme respectable du village, se fait agressé et flirte avec la mort sans médicaments des villes, le débat ne peut plus être écarté.

Le regard sociétale est donc évident. La critique peut même s'étendre sur l'Amérique toute entière, et sa politique d'autarcie dominante. Mais la portée thématique ne semble pas le plus important chez Shyamalan. Le Village, avant et plus que d'être la critique sociale que l'on peut en voir, est avant tout un vrai film de cœur à hauteur d'hommes. Le fantastique, l'étrange et l'épouvante n'ont jamais vocation à détourner des messages bien sentis comme peut le faire par exemple Romero. Chez Shyamalan, l'intérêt réside avant tout dans les forces affectives que l'homme peut trouver en lui. Le surnaturel angoissant est ici pour donner du poids à la balance, à ces questions d'homme à homme. Jusqu'où sommes nous prêts à aller par amour ? De quoi sommes nous capable ? Le Village a cela de beau qu'il pose ces questions sans concession. En vérité, l'inexplicable ne réside pas seulement (du tout) dans l'obscurité et les sons de ce bois mystérieux mais surtout dans le cœur de ses habitants avant tout humains avant d'être des villageois cloisonnés. Et particulièrement celui d'Ivy, femme éperdument amoureuse de Lucius, prête à défier les monstres pour aller chercher les médicaments en ville.

Pour arriver (enfin !) sur quelques réflexions formelles, il est intéressant de voir comment Le Village s'impose comme un vrai film d'amour sur l'amour en évitant les archétypes du genre. Shyamalan parvient à imprégner à sa mise en scène la cécité de son personnage. Tous ses sens sont éveillés, et pas seulement celui de la vue. Si l'ouïe est souvent la source d'angoisse, le toucher est la marque de l'affection et du dévouement.

Lucius, l'observateur lucide et discret, remarque que sa mère et Walker ne se touchent jamais. Cet échange n'est pas anodin, il reflète un des aspects les plus importants de la mise en scène affective de Shyamalan dans Le Village. Le toucher est un symbole émotionnel fort. De la compassion à l'amour, c'est peut-être la première quête de ces villageois secrètement liés par la tragédie.

Hunt et Walker, reflet (et indice) de la souffrance qui pèse dans le village. Leur symptôme : l'absence de contact physique.

Le film s'ouvre symboliquement par la perte d'un être cher et sa cérémonie d'adieu. L'exposition problématise déjà tout le récit, l'histoire ne fera que se répéter. Déjà, une main se referme en remerciement.
Toucher est l'unique façon pour Ivy de percevoir les choses. Des griffes et une réserve, c'est de cette façon que la supercherie lui est révélée. Sa cécité n'est donc sans aucun doute un détail futile : grandie et courageuse de par son handicap, elle est l'espoir qui ébloui le village, celle qui touche et ressent les choses. Cette pureté et cette innocence innées (qui fera perdre ses mots au jeune agent de la ville) représente ce qu'essaient de retrouver les Anciens. Étouffés dans ce monde anonyme qui tourne trop vite et parfois incompréhensible, le village est justement une bulle protectrice de camaraderie décalée dans l'époque. La critique sociétale est évidente, cet espace où les gens n'ont pas peur de se toucher et de communiquer entre eux représentant l'anti reflet parfait de nos sociétés modernes.

Dans cette séquence forte, où Lucius vient sauver sa future promise, Shyamalan concentre sa mise en scène sur le lien charnel qu'attend et espère Ivy (premier et deuxième photogrammes). Lorsque les deux mains se serrent enfin, le destin est d'ores et déjà scellé : guidée par l'homme attendu, Ivy tombe profondément amoureuse. Spectateur de la scène, Noah, personnage qui n'a du touché qu'une perception de violence, commence à sombrer dans la jalousie maladive. Cette séquence pilier, sous la marque de l'attache physique et affective, renverse le film dans la tragédie romantique, le véritable genre au-delà de l'épouvante et des (faux) monstres.

Une mise en scène de l'épouvante

Mais tout en singularisant son style dans sa force émotionnelle et ses interrogations humanistes, Shyamalan ne reste pas moins un metteur en scène de thriller inspiré. Adulateur d'Hitchcock, quelques indices d'hommage trainent ici et là (la télévision miroir dans Signes et La Mort aux trousses par exemple) mais c'est surtout le sens du suspens qui importe sur ces inspirations.

L'esthétique visuelle du Village est, de la même façon qu'Hitchcock dans une certaine mesure, d'une grande simplicité. L'artifice n'est pas une priorité pour Shyamalan. Pour se protéger des extra-terrestres, dans Signes la famille met des casques en aluminium et le bad guy cartoonesque d'Incassable est un vieillard handicapé. Le hors-champ (ou le média intermédiaire dans Signes et Phénomènes) est sans cesse privilégié à l'effet visuel claquant. Les monstres eux-mêmes dans Le Village n'ont rien de proprement pittoresques. Éloigné d'un cinéma hollywoodien tapageur, le réalisateur préfère stimuler l'imagination plutôt que de la contraindre. Dans la même époque, Le Secret de Blair Witch avait su terrifier des millions de personnes en ne montrant... rien. Bien entendu, l'angoisse du hors-champ n'est en rien une innovation mais bien une des marques de la cinéphilie avouée de Shyamalan, qui a notamment grandi avec Steven Spielberg (impossible ne pas penser à Duel, le film du hors-champ par excellence). L'épouvante du réalisateur se rapproche quant à elle plus du style de Stephen King : provocateur dans sa forme violente mais soignée, inépuisable dans son fond.

Le soin de la mise en scène est, dans Le Village, particulièrement frappant. Sans jouer la virtuosité d'exercice à la Sixième Sens, le film est d'une forme quasiment épurée. Les nombreux plans séquence en sont la marque. Le Village prend souvent des allures de théâtre filmé, ce qui est dans le sens premier de l'histoire une vérité de ton, ce village étant à lui seul une mise en scène qu'il suffirait alors de filmer.

Mis côte à côte, ces deux photogrammes sont troublants dans leur similarité. Décor pauvre, personnages face à face en plan américain, la théâtralisation de la mise en scène est frappante. D'autant que le procédé est souvent répété. Plus que d'installer une forme esclave à l'action, ce parti pris est aussi un moyen pour Shyamalan d'épurer ses dialogues de force (tous les échanges cruciaux sont filmés en continu, le chemin vers l'abri étant le plus évident) en renforçant l'importance du jeu d'acteur. La mise en scène disparaitrait presque dans cet exercice de transparence, de la même façon que les rapports humains mettent en péril la mise en scène des Anciens.

- Pourquoi ne dis-tu jamais ce qu'il y a dans ta tête ?
- Pourquoi dis-tu toujours ce qu'il y a dans la tienne ?
La déclaration d'amour paradoxale - et magnifique - du film, sous la forme d'un plan séquence fixe (2min30).

L'inspiration hitchcockienne semble évidente dans ses effets d'annonce (la caméra en plongée sur le champs, simule déjà l'arrivée de l'avion). Ici, la caméra se place à plusieurs reprises dans l'espace mystérieux, dans la source de l'angoisse. Chaque film de Shyamalan est en quelque sorte une plongée masochiste vers nos peurs les plus primaires : ci-dessous le bois environnant dès le générique et l'intérieur sombre d'une maison fracturée.

Du générique sombre en forêt...

... à une séquence de suspens pur : même technique d'anticipation.

Contrôler l'angoisse d'autrui, c'est le contrôler tout à fait. De la même façon que les Anciens terrifient leurs confrères, Shyamalan joue avec son spectateur. Et ce jeu prend aussi des allures interprétatives intéressantes, ici le refrain du reflet constituant le cœur de la mise en scène manipulatrice de son auteur.

Les images comme les apparences peuvent être trompeuses. Le premier reflet ment tandis que le second, plus distinct, révèle. Shyamalan met sans cesse son spectateur en garde du pouvoir visuel. Habitués à voir et consommer les images, on en oublierait presque de les regarder véritablement. Un peu comme un Narcisse naïf, ici le spectateur se fait avoir par un reflet mensonger.

Spectateur et point de vue

La lecture chez Shyamalan, et d'autant plus pour Le Village, est à prendre avec des pincettes. Le réalisateur aime manipuler le spectateur, le tromper, le guider vers les mauvais chemins. Un film de Shyamalan est un peu une partie de cola maya : l'obscurité nous empêche de saisir la vérité, jusqu'à la fin ou la lumière se révèle enfin. Cette manipulation est tout à fait de l'ordre du jeu. Elle s'inscrit chez le cinéaste comme un exercice de style inhérent à son genre de prédilection (le thriller, le film « d'horreur »...). Toute histoire est un mensonge, une tromperie. Un mensonge qui se doit de raconter une ou plusieurs vérités. La forme cinématographique de Shyamalan repose bien sur la récurrence du mensonge. Le Village va même un peu plus loin dans l'effet, car une fois révélé, le mensonge reste pour autant démenti dans le climax. Le spectateur est malmené, mais pourtant il est sans cesse diriger dans son regard.

L'utilisation du zoom peu à première vue paraitre surprenante (d'autant plus dans un premier plan). Il a en fait l'effet de situer le spectateur : à hauteur de ses personnages (la foule au premier plan), son regard est centré sur une action ponctuelle. Le spectateur se sent comme un villageois encapsulé par la réalisation catharsique de Shyamalan.

Ici, l'intérêt du zoom est sensiblement similaire. La récurrence des plongées donne cependant à la forme filmique une certaine distance, comme celle d'un point de vue omniscient qui vient quelques fois s'imposer. Le spectateur s'écarte ainsi à plusieurs reprises des protagonistes, pour trouver une certaine confidence avec le metteur en scène. Mais ce rapprochement n'est jamais très clair : le climax du film joue sur la même pirouette. Alors que le spectateur pense que l'auteur lui a enfin révélé le pot aux roses, la suite le fait douter. L'étrangeté de la relation entretenue avec son spectateur fait une des singularités de Shyamalan (Sixième Sens en étant le premier essai maitre).

La caméra guide toujours le regard, et retranscrit de par ses mouvements un regard extérieur crédible. Les deux exemples ci-dessus illustrent cette caractéristique pouvant sembler anodine. Alors que les personnages voient quelque chose d'abord hors-champ, un mouvement simule des yeux qui se baissent et vient capter l'objet en question. Cette considération du spectateur et de ce réalisme joue un rôle à part entière dans la mise en scène trompeuse de Shyamalan.

Cette mise en scène trompeuse n'épargne pour autant jamais les indices révélateurs qui rapproche la forme filmique de celle de l'énigme.

Dans Le Village, la chaise représente l'indice fil rouge. Assimilé à Noah dans le premier plan (sa chaise de l'isoloir), plusieurs du même genre, vides, viennent hanter le film. L'exemple le plus évident est la fin de la déclaration qui se clôture par trois points de suspension signes de danger. Les plans de coupe, derrière leur fonction purement illustrative, ne sont jamais épargnés de sens. Ici aussi, une chaise vide se retrouve de temps en temps. Enfin, Lucius semble déjà dans le viseur sur le plan séquence avec sa mère : une chaise vide, à côté des bougies, lui fait face comme un adversaire.

Lucius est d'ailleurs l'unique personnage où la subjectivité est utilisée à la différence d'Ivy, qui reste l'héroïne metteur en scène. Malgré ses jeux et ses intentions malines, Shyamalan porte évidemment beaucoup de respect et d'humanisme dans l'utilisation de ses points de vue. Mettre son spectateur à la hauteur du personnage de Lucius en est la marque ponctuelle comme dans ces trois plans. Dans le troisième (le dernier du film), la caméra passe du plan large à cette valeur ci-dessus. La subjectivité n'est pas parfaite mais légèrement décalée, comme si la nouvelle histoire ne nous appartenait déjà plus. Cette dernière identification est la marque d'un grand optimisme de fond et d'un espoir sans limite... ou lorsque qu'un jeu sur la naïveté devient à son tour naïf. Et la boucle est bouclée.

Réalisé par M. Night Shyamalan
Avec Bryce Dallas Howard, Joaquin Phoenix, Adrien Brody
Film américain | Durée : 1h48
Date de sortie en France : 18 Août 2004

Dog Pound

2011-06-29T16:40:00.000+02:00

Davis, 16 ans, deale des stupéfiants pour rentrer dans le moule. Angel, 15 ans, fait corps avec la dure loi de la banlieue et se fait arrêter pour vol de voitures. Butch, impulsif, bestial quand on le cherche, agresse un officier. Jeunes, différents mais violents, ils sont internés dans la prison pour délinquants juvéniles d'Enola Vale, aux Etats-Unis. La guerre commence et deux choix s'imposent : souffrir en victime ou martyriser en caïd.
C'est le deuxième long-métrage du réalisateur français Kim Chapiron. Après avoir remué et partagé la critique avec Sheitan, un film de genre mélangeant violence, sexe et humour dans un cocktail jouissif et déconcertant, Chapiron aborde cette fois le grand continent. Dog Pound – « la fourrière » en français – n'en demeure pas moins subversif : prenant place dans un centre pénitencier pour adolescents, le réalisateur signe un film froid, dur, implacable.
Chapiron cherche le plus grand réalisme possible : entouré d'acteurs non professionnels, la force des personnages n'en ressort que plus forte et acerbe (le caïd du centre est un vrai prisonnier, l'acteur principal a séjourné deux fois en prison pendant le tournage...). Rappelant le Punishment Park de Watkins ou Hunger de McQueen dans son naturalisme aigu, Dog Pound s'impose comme une chronique qui frôle le documentaire dans sa volonté de démonstration. La mise en scène de Chapiron se veut le plus proche possible de ses trois protagonistes. Souvent en multicam, cadrages serrés et caméra épaule lorsque la tension s'accentue, le réalisateur cherche une vérité de ton qui s'avère terriblement efficace. Le spectateur s'attache autant à ces graines de criminels, qu'aux gardes subtilement humanisés (la séquence du meurtre est d'une rare intensité). Dog Pound interroge, pose les jalons d'une société aseptisée, sévérisée, tout en restant un vrai huit-clos psychologique et pulsionnel. Si le scénario révèle aux moments clés quelques faiblesses – la chorale de narration peine globalement à trouver la bonne harmonie – reste que le film de Chapiron, cruellement simple, n'a que peu à prouver pour convaincre. Enchainant les séquences allumées avec des parenthèses clipesques étonnantes (la musique acoustique douce qui revient avant chaque crise), le réalisateur parvient à capter tant la violence que la perdition de ces jeunes en dérive.
Virulent, le film de Chapiron bouillonne d'intelligence en évitant toute sensibilisation prolixe pour un sujet dangereux en raison des nombreux clichés qu'il figure. Au contraire, Dog Pound s'impose comme un vrai métrage de témoignage, pertinent et d'ores et déjà au panthéon des films de chiens enragés.

Réalisé par Kim Chapiron
Avec Adam Butcher, Shane Kippel, Mateo Morales
Film américain | Durée : 1h31
Date de sortie en France : 23 Juin 2010

Pourquoi tu pleures ?

2011-06-15T22:43:00.004+02:00

Quelques jours avant son mariage, un jeune homme (Benjamin Biolay) doute, n'a pas le cœur à prendre part à toute l'organisation et à assumer ce tournant de la vie. Il rencontre une femme en boîte de nuit, traîne avec les copains, cherche entre temps sa future épouse qui comme à son habitude disparaît sans rien dire...
C'est le premier film de l'actrice Katia Lewkowicz, après avoir signé C'est pour quand ? son premier court-métrage où figurait déjà Biolay. Encouragée à poursuivre l'aventure en long métrage avec le même ton, Lewkowicz signe ainsi Pourquoi tu pleures ? en compagnie d'Emmanuelle Devos, Nicole Garcia ou encore du réalisateur Eric Lartigau au casting.
Une bonne initiative, le film de Lewkowicz se laissant agréablement regarder. Loin des archétypes du genre, Pourquoi tu pleures ? se distingue d'abord dans sa liberté de ton, qui mélange subtilement le loufoque à la dramatisation. Le film donne la sensation singulière de se prêter comme une comédie de mœurs déguisée en chronique social plutôt sombre et réaliste dans son approche formelle (caméra épaule qui suit sans limite Benjamin Biolay, traversée en plein Paris qui rappellent certains films de La Nouvelle Vague et leur obsession de naturalisme). Ce paradoxe de fond confère à ce Pourquoi tu pleures ? une originalité bienvenue. Drôle sans tomber dans la farce parodique, Lewkowicz semble avoir trouvé un ton iconoclaste, pas toujours maitrisé, mais en adéquation avec le côté décalé de son scénario.
Ce décalage peut d'ailleurs déconcerter le spectateur. Biolay, comme tous les personnages satellites qui l'entourent, semblent tous paumés ; de ses potes de jeunesse à sa future épouse insaisissable, de sa mère possessive à sa sœur dépassée de tout... perdus tout comme cette jeune femme enlacée au hasard d'une soirée alcoolisée. Fuyant son avenir rangé, Biolay se réfugie dans ses bras dans lesquels il s'en va pleurer comme un bébé. Le musicien confirme qu'un acteur sommeillait : parfait et sobre, il emmène littéralement le film vers la vérité d'émotion nécessitée, et donne de l'épaisseur à ce déserteur adolescent que l'on refoule finalement un peu tous (?).
Mais entre les lignes de ces bons choix se camouflent de grandes inégalités. Premier film, premiers acteurs, certaines séquences ont du mal à convaincre. Le montage se veut d'ailleurs souvent le révélateur de leur déséquilibre (par exemple la séquence de la soirée entre copains à l'appartement – une des premières filmées – complètement déstructurée et sans rythme). L'ensemble peine à s'harmoniser dans ce spectacle visant tantôt le rire, tantôt l'émotion et qui trouve finalement à plusieurs reprises la lassitude. Mais malgré ces défauts évidents, le film de Katia Lewkowiscz s'apprécie, que cela soit dans des séquences de jeu bien ficelées (outre Biolay, Emmanuelle Devos, Eric Lartigau et Sarah Adler jouent parfaitement), ou dans son insolence plutôt communicatrice tournée vers nos rebellions les plus égoïstes. Sans prétention et sans crever l'écran, Pourquoi tu pleures ? est un premier film qui sonne juste et trouve son intérêt. Peut-être une nouvelle ambition trouvée pour l'actrice reconvertie.

Réalisé par Katia Lewkowicz
Avec Benjamin Biolay, Emmanuelle Devos, Nicole Garcia
Film français | Durée : 1h39
Date de sortie en France : 15 Juin 2011

The Prodigies

2011-06-14T18:52:00.004+02:00

Jimbo a un don : doté d'une intelligence extraordinaire et d'un pouvoir surnaturel (prendre possession du corps d'autrui), sa singularité fait de lui un enfant criminel. Tuant sous la rage ses parents indignes et violents, il apprend à grandir avec Killian, un vieil homme possédant les mêmes capacités. Marié, bientôt papa, Jimbo n'a cependant jamais oublié sa conviction la plus profonde : retrouver à son tour des enfants prodiges pour leur apprendre à canaliser leur force.
The Prodigies est l'adaptation de La Nuit des enfants rois écrit par Bernard Lentéric en 1981. Violent et un peu vieilli, ce livre a pourtant toujours représenté un vrai désir d'adaptation filmique chez Antoine Charreyron. Animateur de jeux vidéos et plus récemment réalisateur de seconde équipe sur Babylon A.D. de Mathieu Kassovitz, ce français aux grandes ambitions s'est naturellement dirigé vers la motion capture. Si la production n'a pas toujours été facile, The Prodigies a aujourd'hui le mériter d'exister, et surtout le mérite de convaincre.
Si le récit est sur-inspiré (X-Men, Harry Potter, Jumper... les personnages avec des dons on connait), le scénario s'avère efficace. Rythmé et dynamique, le spectateur n'a pas le temps de s'ennuyer. Tout est fait pour que ce Prodigies se moule dans un entertainment de qualité US. Alors si le scénario est efficace sans être d'une originalité bluffante, il faudra plutôt chercher du côté de la mise en scène.
Pourtant, la première (malheureuse) évidence est la pauvreté de l'animation. La motion capture ne satisfera pas les plus pointilleux. Traits épais, modélisation 3D imposante, l'animation est brute... et fait indéniablement penser à un graphisme sophistiqué de jeux vidéos. Là où Snyder pêchait dans son univers kitsch et violent avec Sucker Punch, Charreyron faute quelque peu dans ce virtuel trop prononcé pour harmoniser l'ensemble. L'animation faciale est de ce fait peu convaincante : certaines séquences d'émotion auraient sans doute gagné avec plus de précisions réalistes. Et le relief ne viendra pas immerger le spectateur pour autant.
Non, il faut peut-être retenir de ce film d'animation étonnant ses partis pris de mise en scène bien réels. Plans séquences (l'ouverture est magistrale), ralentis, effet de caméra épaule sous tension, Charreyron et son équipe ont beaucoup travaillé la réalisation au détriment de l'animation. Mais le résultat est payant. Même si l'adaptation consiste à alléger l'atmosphère, la violence conservée est pleinement assumée dans cette mise en scène de véritable thriller (le film est interdit aux moins de 12 ans, une tête coupée et une agression sexuelle auront eu raison de la censure). Sans complaisance, la cruauté s'incorpore à un essai qui aurait perdu de sa virulence en acceptant la pudeur. Car malgré ses défauts, il n'y a pas à rougir de cette animation française qui se veut la continuité plus aboutie du précédent Renaissance, et sans doute une porte ouverte à d'autres projets du même type (une suite semble d'ailleurs suggérée). Imparfait, The Prodigies parvient tout de même à séduire avec une qualité précieuse dans le paysage de l'animation cinématographique : la différence.

Réalisé par Antoine Charreyron
Avec Jeffrey Evan Thomas, Jacob Rosenbaum, Dominic Gould
Film français | Durée : 1h27
Date de sortie en France : 08 Juin 2011

Casablanca

2011-06-13T22:40:00.002+02:00

Casablanca, 1942, Seconde Guerre Mondiale. Tandis que l'Europe se déchire, le Maroc se fait la porte ouverte à tous les déserteurs désirant rejoindre Lisbonne et ses possibilités de fuite vers l'Amérique. Contrôlée par Vichy, la ville d'Afrique du Nord mélange allemands et français non sans une certaine tension. La boîte de nuit de Rick Blaine (Humphrey Bogart), un français exilé, est un lieu d'insouciance où chaque soirs les gens communiquent, jouent au jeu dans le même espoir de pouvoir rejoindre le grand continent. Froid et distant, tout bascule quand Rick voit arriver dans son night club Ilsa (Ingrid Bergman), un amour passé, qui cherche à s'enfuir avec son mari Laszlo (Paul Henreid), un héros de la résistance. La vertu ou la jalousie vengeresse ? De ce conflit intérieur commence Casablanca, sans doute le plus beau miracle du cinéma américain.
Miracle de par son origine : en 1942, les studios Warner sont à leur apogée. Produisant cinquante films par an et regroupant les plus grandes stars du cinéma hollywoodien, ces derniers sont majoritaires dans la grande industrie. A la base, Casablanca est donc l'un des cinquante films de la liste, ni avantagé ni produit en connaissance du succès foudroyant qu'il connaitra. Un miracle également dans son tournage chaotique : entre négociations pour les acteurs et écriture du scénario en direct (Bergman dira de Casablanca qu'il restera l'un des films les plus embarrassants qu'elle ait fait), Michael Curtiz - que le grand public connaissait pour Capitaine Blood et Les Aventures de Robin des Bois - est parvenu à en faire l'un des plus grands chefs d'œuvre du cinéma.
Le succès de Casablanca est ainsi d'autant plus beau qu'il était tout à fait inattendu. Auréolé de trois Oscars en 1943 (Meilleur Film, Meilleur Réalisation, Meilleur Scénario), considéré aujourd'hui encore comme le troisième plus grand film américain derrière Citizen Kane et Le Parrain, ce produit facturé de la Warner ne démérite toujours pas de ce succès. Répliques cultes, envolées d'émotion, interprétation magistrale... Le film ne s'inscrit jamais dans un genre particulier. Tantôt film d'action, d'amour, comique ou politique, Casablanca parvient à jouir des nombreux scénaristes contributeurs. Les frères Epstein apportent l'ironie et les répliques bien senties, Howard Koch aura donné l'envergure politique et moral nécessaire tandis que Casez Robinson aura appuyé l'histoire d'amour dans une singularité devenue cliché avec le temps (le flashback de Paris, sans doute le plus beau passage du film). La mise en scène est à l'image de la présentation faîte de son auteur : perfectionniste à en devenir colérique, dans le cadre ou les jeux de lumières, c'est peut-être en se battant pour tourner l'intégralité du film en studio et en enregistrant le son en direct que Curtiz a œuvré sans le savoir à ce film devenu culte. De même pour Max Steiner, le compositeur (Autant en emporte le vent), qui est parvenu à donner parfois des moments de sacre à la musique (la bataille des hymnes nationaux) mais toujours avec la subtilité qui lui est propre (les redites de la chanson As Time Goes By qui vient parsemer l'histoire d'amour).
La petite histoire de cinéma vient ainsi, dans ce moment hollywoodien magique, englober la grande Histoire. Pertinent, accusateur sans se vouloir moralisateur, et éternellement bouleversant, Casablanca est bien à la hauteur de sa réputation dorée : un chef d'œuvre intemporel imprégné dans du noir et du blanc. Immanquable.

Réalisé par Michael Curtiz
Avec Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid
Film américain | Durée : 1h42
Année de sortie en France : 1943

Une Séparation

2011-06-13T22:09:00.004+02:00

Ours d'Argent pour tout le casting et Ours d'Or du Meilleur Film, Une Séparation a brillé au dernier festival de Berlin. A la réalisation, un nom encore peu connu, Asghar Farhadi. Il faut dire que le cinéma iranien n'est pas le plus populaire à l'international. Quel dommage ! Cette Séparation donnerait envie de se plonger dans tous les autres films. C'est son précédent métrage, A propos d'Elly, qui avait ouvert à Farhadi les portes de l'Europe et de l'Amérique. Encensé, Une Séparation devrait confiner à ce cinéaste inspiré une bonne assurance. Poignant, le film est une plongée bouleversante dans la réalité difficile d'un couple fracturé. Simin veut quitter l'Iran pour assurer un avenir à sa fille. Nader est trop attaché au pays et à son vieux père malade qu'ils hébergent. Simin part chez sa mère, obligeant Nader à payer une aide-soignante. Tout bascule lorsqu'une dispute finit devant le bureau du juge : l'aide-soignante, accompagnée d'un mari violent, accuse Nader de l'avoir poussé et provoqué sa fausse couche.
Il y avait quelques temps que le cinéma étranger ne s'était pas imposé avec tant de force sur les affiches de l'hexagone. On pense à Pablo Trapero et Carancho dans cette caméra épaule proche de ses personnages et ce scénario d'un réalisme bluffant. Outre ce réalisme qui s'accompagne d'une performance d'acteur incroyable, Une Séparation a surtout un don pour la confidence, la forme filmique type documentaire ne servant jamais un propos unique. Au cœur des réalités sociales, Farhadi donne à penser son film : lorsque le scénario étouffe ses fils autour du procès juridique, le cinéaste ne prend jamais parti et oblige son spectateur à se poser les questions. Et dans ce tourbillon éprouvant de culpabilité, le réalisateur ne l'épargne pas car aucune question ne s'avère être la bonne à se poser. C'est dans ce spectacle moralement éprouvant et altruiste que Farhadi touche des moments de grâce. La rapport entre père et fille est d'une justesse rare : le mensonge, la dureté de la vie, l'audace... toute cette éducation se fait dans un silence saisissant (de la séquence de l'essence, au dénouement avec la fille qui part en voiture). De tous ces portraits, jamais manichéens et c'est bien là leur force, se tissent le lien du choix. Une Séparation met en scène une chorale de personnages tantôt soumis à des choix, tantôt responsable de ces derniers. Si la religion est logiquement importante, elle n'est vue qu'à travers sa morale (le climax de la promesse impossible) ; ceci en ne soumettant jamais de fil rouge conducteur jusqu'à ce dernier plan indécis, toujours fracturé sinon plus, n'offrant aucune autre réponse que notre propre regard de spectateur.
Film politique ? Allégorie des rapports humains ? Une Séparation est peut-être tout ça à la fois. Le simple titre peut être lu au-delà de son sens formel (séparation entre un pays étouffé et l'Europe, séparation entre la dignité humaine et ses besoins de reconnaissance...). Mais il serait dommage d'enliser le film dans une lecture uniquement portée sur l'intellect. Car comme ses petits frères qui parviennent au compte goutte dans nos cinémas – on pense évidemment à Fatih Akin ou Eytan Fox – Farhadi propose avant tout un film qui se vit, se regarde et se digère. Et même si la perfection semble encore frôlée (un mouvement de caméra incessant, une exposition bancale) reste qu'Une Séparation demeure une pépite explosive, celles dont le goût acidule d'inattendu.

Réalisé par Asghar Farhadi
Avec Leila Hatami, Peyman Moadi, Shahab Hosseini
Film iranien | Durée : 2h03
Date de sortie en France : 08 Juin 2011

Esther

2011-06-07T23:00:00.007+02:00

Kate et John forment un couple uni qui essaie tant bien que mal de rester debout. Malgré les drames passés, adultère pour John, alcoolique pour Kate jusqu'à la fausse couche de leur troisième enfant, ces derniers veulent garder la tête haute. Afin de cicatriser la mort prématurée de leur enfant, d'offrir un amour qui n'a pas eu lieu, Kate et John décident d'adopter une petite fille. Ils tombent sous le charme d'Esther dans un orphelinat de bonne sœur.
Les enfants et l'horreur ont souvent fait bon ménage au cinéma. L'Exorciste et Shining continuent d'inspirer des réalisateurs contemporains : Sixième Sens, Dorothy, Birdy... Souiller l'innocence des enfants a toujours représenter un plaisir de metteurs en scène de genre. De la même façon que Morse de Tomas Alfredson manipulait l'enfance dans sa naïveté la plus pure, Esther utilise l'archétype dans un sens qui lui devient propre. Qui est cette Esther d'apparence angélique ? Le fil rouge du film tiendra son spectateur sous pression jusqu'au twist final, digne d'un bon Shyamalan.
Après La Maison de cire, un Espagnol – encore un ! - Jaume Collet-Serra, prend les reines de ce nouveau film d'horreur. Il faut dire que nos voisins latins sont souvent les meilleurs dans cet exercice. Esther, traduction pantouflarde d'Orphan, ne viendra pas y imposer une quelconque nuance. Brillant et parfaitement maitrisé, le film se savoure de bout en bout.
Rarement un thriller horrifique n'aura été aussi efficace tout en faisant la plus grande économie possible sur les effets du genre. Peu de sang, scènes de violence pure au compte-goutte, Collet-Serra, aidé de ses trois scénaristes, propose en réalité une vraie expérience psychologique qui préfère souvent le hors champ à la cruauté (la séquence de la porte verrouillée est simple mais terriblement efficace). Optant pour un suspens omniscient, le réalisateur place son spectateur en témoin des événements. Frustrant, manipulateur, Esther est une vraie torture de l'esprit et du bon sens. C'est lorsqu'il pense tout savoir que le spectateur est le plus vulnérable : ici le film s'en veut la démonstration parfaite, parfois effrayante, souvent dérangeante tout en utilisant les codes de l'épouvante. Un jeu pour enfants apparaît alors inquiétant pendant cinq bonnes minutes, l'orage annonce la couleur, les jumps scares font décoller du siège... Jusqu'à la séquence finale, faisant basculer le film que l'on croyait voir dans une autre dimension, effrayante et violente.
Dans ses décors enneigés, le réalisateur cristallise une histoire de tromperie sauvage à hauteur d'enfants. La jeune Isabelle Furhman est glaçante de naturelle et offre la performance d'actrice dont le film avait besoin. Vera Farminga, tenant déjà le rôle de la malheureuse mère dans Joshua, est toute aussi brillante. Le scénario, audacieux, est un exemple parfait de crescendo empirique réussi.
Bref, peu de choses à redire de cet essai remarquable : intelligent derrière ses allures de divertissement à twist, avertisseur malin, un brin polémique, lorsqu'Esther s'inscrit dans la rétine c'est pour ne plus s'en détacher... Alors, ouvrez bien les yeux !

Réalisé par Jaume Collet-Serra
Avec Vera Farmiga, Peter Sarsgaard, Isabelle Fuhrman
Film américain | Durée : 2h03
Date de sortie en France : 30 Décembre 2009

Le Chat du rabbin

2011-06-05T13:41:00.003+02:00

Alger des années 20, un rabbin, sa fille, un chat qui parle et qui souhaite organiser sa Bar Mitzvah. C'est le nouveau projet cinématographique de Joann Sfar, à l'origine auteur de bande-dessinées. Après avoir marqué le biopic avec un Gainsbourg, vie héroïque qui osait donner des airs de conte à un genre pourtant bien installé, cette fois-ci Sfar s'attaque à l'adaptation directe de l'une de ses œuvres dessinées. Accompagné d'Antoine Delesvaux à la réalisation, les graphismes adoptés prêtent leur style à une 2D proche de celle de Michel Ocelot avec cependant le thème dominant de la religion qui se distingue de toute comparaison formelle.
Gainsbourg, vie héroïque parvenait avec un naturel saisissant à mélanger une narration rationnelle à une forme fantasmée et introspective, de même que Sfar mélangeait déjà les deux tons dans ses ouvrages. Ici, la marque fantastique trouve son empreinte dans ce personnage de chat narrateur, figure improbable dans un contexte historique pourtant bien réaliste. Le dessin absorbe toute la forme, faisant de ce Chat du rabbin un vrai film d'animation au visuel rétrospectif et au doublage vivant.
Esthétiquement, le rendu est plutôt intéressant : contours prononcés, le trait du dessin épais est sensiblement similaire à celui de la bande-dessinée, à la différence près que la fluidité du mouvement anime le tout. Idyllique, peu novateur mais inspiré, le rendu visuel est satisfaisant. Cependant, la 3D trouve ici un nouvel écueil. Mettre en relief une animation empilée n'a strictement aucun intérêt esthétique, et mange dans le portefeuille...
Mais le relief ne semble pas le seul élément vain. Si Sfar et Delesvaux offrent un graphisme léché, la vraie problématique du Chat du rabbin est son récit cloisonné, jamais passionnant et très peu accessible aux enfants. Pour les plus grands, le regard raisonné sur la religion permet une critique pas inintéressante (le chef rabbin hystérique) qui, tout en restant appuyée, sert à une vulgarisation des conflits entre Juifs, Musulmans et Chrétiens, qui dédramatise finalement l'ambiance. Mais cette lucidité de regard ne fait pas tout : le film souffre de son scénario faiblard qui traine son spectateur à droite à gauche, sans oser une quelconque tension dramatique. Quel dommage, car décidément il est difficile de se passionner pour l'histoire de ce chat, passif, qui suit une troupe masculine peu attachante aux ambitions maladroites. Pourquoi ne pas avoir insisté sur le personnage féminin ? Cette quête coloniale est louable mais ennuyeuse. Si la première partie du film suit bien son cours, il faut avouer que la narration tombe crescendo dans l'ennui... jusqu'à la fin qui n'en est, pour preuve, pas vraiment une, le générique arrivant de manière inattendue.
On attendait plus du Chat du rabbin et de son réalisateur césarisé, que cela soit dans le divertissement ou la surprise. Il faudra en fait se contenter de cette animation travaillée mais, malgré sa pertinence, statique dans son récit.

Réalisé par Joann Sfar et Antoine Delesvaux
Avec François Morel, Maurice Bénichou, Hafsia Herzi
Film français, autrichien | Durée : 1h40
Date de sortie en France : 01 Juin 2011

Minuit à Paris

2011-06-01T21:10:00.005+02:00

Gil est en voyage à Paris avec sa future épouse et les parents de cette dernière. Fasciné par la capitale française, incertain de son avenir en tant qu'écrivain, bientôt la ville lumière lui offre les portes du paradis : à minuit pile le temps recule d'un siècle et lui permet de rencontrer ses idoles telles que Fitzgerald, Picasso, Dali... et bientôt la belle Adriana qui fait chavirer son cœur.
Woody Allen est le cinéaste ouvrier le plus apprécié du septième art : un film par an depuis quarante ans sans jamais vraiment se faire bouder. Si sa filmographie reste qualitativement hétérogène, le réalisateur américain à lunettes, qui a toujours affirmé n'être fier que de très peu de ses films, a pourtant sans cesse été accueilli à bras ouverts par la critique et le public. Ce Minuit à Paris, présenté en ouverture à Cannes, n'ira pas gâcher le buffet garni : onirique et charmeur à souhait, cette bluette sous forme de conte fantasmé se déguste avec un appétit prononcé, quoi qu'attendu.
Gil, interprété par un Owen Wilson a la classe rare, est le protagoniste allenien par excellence : un peu perdu, un brin excentrique et très hédoniste, le futur époux adopte le style du cinéaste avec beaucoup de naturel. Paris, ville des lumières et source de beaucoup de clichés pour ses étrangers, est ici éclairée sous son plus beau profil : lumineuse de jour, féérique de nuit, l'artifice est assumé dès une introduction carte postale retraçant la journée idyllique au cœur de la capitale romantique.
Toujours aussi narratif et visuellement perfectionniste, Woody Allen ne surprend plus dans sa mise en scène. Mais la direction d'acteurs et l'écriture des dialogues recèlent toujours d'une recette qui lui est propre. Minuit à Paris a cependant un petit plus, rajoute un nouvel ingrédient qui vient assaisonné le plat habituel : la bulle fantastique qui englobe ce personnage rêveur offre une dimension que l'on connait peu chez le cinéaste. Jeu avec le temps, réflexion sur la nostalgie et la consommation du présent, le film de Woody Allen séduit en ce qu'il raconte poétiquement et avec toujours beaucoup d'humour l'écume des jours et la fatalité du carpe diem. Le film ne cherche pas uniquement la séduction dans le bon goût : il la trouve dans la banalité attachante de son protagoniste tombant amoureux d'un rêve à défaut de se plaire dans son temps. Ceci en permettant à ce réalisateur singulier d'avoir le plaisir de diriger Bunuel ou Picasso dans le même film !
Alors si Minuit à Paris reste toutefois classique dans son approche allenienne – un personnage principal asocial qui multiplie les rencontres – l'atmosphère du conte opère joliment aidée par un casting étoilé (mention spéciale à Marion Cotillard, d'une beauté saisissante). Loin d'être le film du siècle, un peu long, convenu, et tout le reste, ce nouveau Woody Allen est toutefois un chocolat proprement emballé qu'il serait dommage de bouder.

Réalisé par Woody Allen
Avec Owen Wilson, Rachel McAdams, Michael Sheen
Film américain | Durée : 1h34
Date de sortie en France : 11 Mai 2011

La Conquête

2011-06-01T19:36:00.007+02:00

Le récit de la campagne présidentielle de Nicolas Sarkozy jusqu'à son élection en mai 2007.
Après le virulent J'irai au paradis car l'enfer est ici, Xavier Durringer signe, en compagnie de Patrick Rotman au scénario, un film qui a fait parler de lui sur la croisette. Dressant avec la plus grande fidélité possible le portrait du président de la République, cet essai unique en France a attisé la curiosité des cinéphiles et des autres. Le résultat est à la hauteur des attentes, ce qui n'est pas forcément un atout.
Après une phrase protocolaire ridicule (« Ceci est une fiction »), le générique très esthétisant étonne et attire l'attention, de même que pour ce premier plan astucieux qui problématise déjà tout le film : assis sur son trône, dans l'ombre, l'homme de tous les pouvoirs semble soucieux et effleure des doigts son alliance que le travelling fixe bientôt en plan serré. Cette audace fera pourtant figure d'exception. Que l'on ne s'en cache pas, La Conquête est un film certes maitrisé mais dont l'intérêt et la passion nous échappent quelque peu.
Fidèle à son thème dominant, le film de Durringer ne passionne pas : la politique apparaît toute aussi ennuyeuse et hypocrite que dans le quotidien. Là où l'entreprise ne faillit pas, c'est dans la représentation cynique de ce monde parallèle, prétendu au service de son peuple, qui représente en fin de compte un microcosme luxueux et intra compétitif. « J'ai ça dans les gênes, c'est comme ça » dit un Sarkozy face à un Villepin découragé. La Conquête est une biographie cinématographique qui ne plie pas face à l'exigence de son sujet mais qui apparaît bien comme la farce ironique que l'on pouvait en attendre ; une farce certes caricaturale mais sans doute pas si éloignée que ça de la réalité. Si Villepin apparaît uniquement comme un concurrent déloyal et Chirac comme papi fait de la résistance, ces archétypes sont en fin de compte au service d'un vrai portrait de cinéma, celui de cet homme avide de pouvoir mais aussi vulnérable que n'importe qui face à la femme aimée. Cette personnalité forte attise évidemment la curiosité des passionnés de fiction. Podalydès, parfait, parvient à donner l'épaisseur nécessaire à cet homme que l'on connait déjà sans connaître, sans trop l'humaniser, sans trop l'épargner non plus. L'ensemble des acteurs sont à la hauteur du risque pris.
Mais si La Conquête fait parfois sourire voire rire (la meilleure séquence est sans doute celle de l'enregistrement du spot de campagne), le film reste malgré tout un essai qui n'a de mérite que son projet. Simplement intriguant, le film de Durringer satisfait de son effet guignolesque, dépoussière la mystification cravatée d'une politique imbue, mais passionne autant qu'un mercredi après-midi à l'Assemblée Nationale.

Réalisé par Xavier Durringer
Avec Denis Podalydès, Florence Pernel, Bernard Le Coq
Film français | Durée : 1h45
Date de sortie en France : 18 Mai 2011

Le Complexe du Castor

2011-05-31T20:00:00.004+02:00

Walter, père de famille, plonge dans la dépression. Rejeté par une femme aimante mais à bout, écarté par un fils qui compte désespérément les similitudes qu'il partage avec lui, Walter sombre... lorsqu'il « rencontre » une marionnette de castor dans une poubelle. La peluche deviendra son double, une seconde personnalité qui l'aide bientôt à se remettre debout.
C'est le scénario assez improbable du nouveau film de Jodie Foster, quinze ans après avoir signé Petit homme et Week-end en famille. L'actrice oscarisée des Accusés s'accompagne d'un Mel Gibson boudé d'Hollywood, avec un rôle pas si innocent...
Le Complexe du castor est réussi dans ses intentions : chronique familiale piochant généreusement dans la légèreté, le film de Jodie Foster, certifié tout public, ne se boude pas. Le scénario s'articule essentiellement autour du père, à la conquête d'un renouveau privé et professionnel, et du fils, lycéen populaire qui se sent bientôt moins sûr de lui face une fille dont il tombe amoureux. Le personnage de la mère semble étrangement mis à l'écart. Foster ne se valorise jamais et donne surtout la part belle aux deux personnages père/fils, la mère de famille se faisant le ciment des deux briques qui se rapprochent. Cette humilité de mise en scène confère à ce Complexe du castor un charme singulier et immanquablement sincère. Cependant, aussi bienveillante soit-elle, Jodie Foster reste timide en tant que réalisatrice : si la direction d'acteur est réglée (Gibson et le talentueux Anton Yelchin d'Alpha Dog sont bons), visuellement le tout manque d'épaisseur et de singularité. Convenue, la réalisation n'étonne jamais, ne fait que convaincre. Le film ne fera pas distinction pour Foster, d'autant que le scénario est écrit indépendamment.
Sans surprise donc, Le Complexe du castor enchaîne les bons sentiments, mais sans tomber véritablement dans le pahos redouté, la retenue des protagonistes faisant foi d'une certaine attention à la cohérence émotionnelle de l'ensemble. D'un Walter malade bientôt victime de sa propre guérison à un fils à la peine silencieuse, Jodie Foster brasse divers thèmes comme l'acceptation de soi, la culpabilité, le sentiment amoureux... avec beaucoup d'humanité mais finalement peu de risques.
Le Complexe du Castor fait partie de ces films légers qui rassemblent et tuent la solitude tout en restant, quant à eux, assez seuls parmi un genre de cinéma surexploité et parfois beaucoup plus pertinent qu'ici. Reste à se contenter de son sourire, unique cashback de l'heure et demie monnayée.

Réalisé par Jodie Foster
Avec Mel Gibson, Jodie Foster, Anton Yelchin
Film américain | Durée : 1h31
Date de sortie en France : 25 Mai 2011

Pirates des Caraïbes : la Fontaine de Jouvence

2011-05-24T23:23:00.004+02:00

Après trois volets au franc succès, Disney a sans surprise programmé une seconde trilogie de sa saga Pirates des Caraïbes. Si Gore Verbinski laisse place à Rob Marshall à la réalisation et que Keira Knightley et Orlando Bloom prennent leur envol au profit de Penélope Cruz, l'équipe reste globalement au complet. Scénaristes, décors, musique, effets spéciaux... et surtout pour Johnny Depp - qui a bataillé pour faire de ce Jack Sparrow le pirate atypique qu'il souhaitait - le spectacle peut être relancé !
Si l'enthousiasme est bien au rendez-vous, il faut tout de même avouer que les 2h20 de l'entertainment hollywoodien laisse largement le temps de refroidir la machinerie... Cette Fontaine de Jouvence ne donnera en effet pas une seconde jeunesse à la saga, déjà bien essoufflée après un troisième volet gavant. Sans être foncièrement pessimiste (ah là là là, ce cynisme !), l'humour reste bien de mise. Johnny Depp campe toujours comme un gant ce pirate opportuniste, sans cesse décalé mais pourtant lucide, accro aux femmes, au rhum et son maudit Black Pearl. Ce protagoniste singulier fait toute l'originalité du film, car le brodage aux alentours ne se distinguent qu'en peu de choses de ses autres blockbusters voisins. Rythme hétérogène dosé, séquences d'action spectaculaires, musique d'orchestre vitaminée : le spectacle est au rendez-vous et saura ravir les friands des opus précédents.
Mais à bien y regarder, Pirates des Caraïbes 4 semble se suffire de sa réputation par une paresse qui néglige la nouveauté au profit d'un scénario « englobeur » et sans réel relief. Les deux méchants Barbe Noire et Barbossa sont ici l'un contre l'autre, mais ont un peu perdu de leur superbe. Il n'y a en fait aucun côté du mal qui problématise une intrigue finalement pauvrement linéaire et sans enjeux. Sparrow, pourtant maitre dans la manipulation, est ici réduit au sentimental déchu, qui suit le troupeau pour sauver sa peau. Le comble revient aux Espagnols, que les scénaristes zappent pendant tout le film, pour les faire revenir à la toute fin bien qu'ils n'y apparaissent pas plus utiles qu'absents. Enfin, en terme d'inutilité fumeuse, la romance entre le catholique et la sirène (baptisée Syrena, la trouvaille qui tue) fait aussi une belle concurrence. Reste une Penélope Cruz plutôt rafraichissante qui vient griser la liste noire. Ce quatrième volet a ainsi perdu la tension dramatique qui dynamisait les précédents , tout en se complaisant dans l'univers visuel décevant du troisième. Fini le soleil des Caraïbes, l'obscurité qui rendait le dernier film esthétiquement fadasse est repris ici, en pire. Dommage !
Bref, si les clients fidèles ne devraient certainement pas renoncer à la nouvelle version du produit, les spectateurs plus téméraires, eux, sont en droit d'imposer la nuance : Pirates des Caraïbes : la Fontaine de Jouvence se laisse consommer sans distinction comme un divertissement candide, quoi qu'un peu léger et doctoral.

Réalisé par Rob Marshall
Avec Johnny Depp, Penélope Cruz, Geoffrey Rush
Film américain | Durée : 2h20
Date de sortie en France : 18 Mai 2011

Cría Cuervos

2011-05-24T21:50:00.004+02:00

Ana, 9 ans, vit dans une bulle fantasmée. Dans la grande maison madrilène de sa tante, la petite fille n'a plus aucun repère depuis la mort de sa mère, éteinte par chagrin, la faute à un père militaire absent et exécrable. Lorsque ce dernier décède à son tour, elle est persuadée d'être la cause de sa mort. Malgré cela, Ana continue d'occuper ses vacances à jouer avec ses deux sœurs, passer du temps avec sa grand-mère... et faire apparaître sa mère de son esprit. Stricte et peu maternelle, bientôt, l'envie de tuer sa tante la hante.
Cría Cuervos, prix du Jury à Cannes en 1976, est le cinquième film du réalisateur espagnol Carlos Saura. Avant de s'intéresser à la musique et la danse dans ses films, le cinéaste s'est avant tout fait le maître de l'allégorie politique : sa lutte contre le franquisme à travers les symboles (Le Jardin des délices, Anna et les loups) vient bientôt croiser celle de l'enfance. Cette rencontre thématique provoque Cría Cuervos, sans doute l'un de ses plus beaux films, et l'un des plus beaux films sur l'enfance aussi.
Figées dans le temps, les photographies du générique cristallisent un présent décédé. Visage aux traits fins, deux grands yeux noirs écarquillés de mystère, Ana ressort déjà plein d'énigme. Cet enfant appartient au passé, un peu comme sa grand mère inerte dont seuls les souvenirs imagés la font tenir par évasion. La petite fille est synonyme de jeunesse, la grand-mère de génération vécue. Mais les deux figures sont d'égal à égal immobiles dans un présent qui semble ne plus leur appartenir. La franquisme suinte le film de Saura. Ana est, comme sa mère, victime de cette figure militaire froide et insensible, plus apte à apprécier la poitrine généreuse de la bonne que l'amour d'une mère et de trois filles. Climat de terreur intime. Cette grand-mère est pareillement l'image de ce peuple usé et vieillit. Dans ce décentrement narratif (cette famille décousue agit comme le microcosme d'une société tout entière), la mise en scène obscure et amorale de la jeune protagoniste n'en devient que plus pertinente.
Mais au-delà de l'envergure sociale, Cría Cuervos est également un vrai film sur l'enfance. Hantée, Ana reçoit chaque émotion comme un coup de poignard, ce qui suscite alors chez elle des interrogations trop complexes pour être lues pleinement. Sa plongée dans un passé incessant devient alors une bouée de secours. Saura filme ces nombreuses séquences de fantasme (ou de flashbacks) avec le même esthétisme cadré que le reste. Ainsi, passé, présent, réalité et rêveries nostalgiques se confondent et se mélangent dans ce drame tant naturaliste que bucolique, ceci pour marquer d'autant plus l'esprit du spectateur perdu, du moins autant qu'Ana.
Cría Cuervos s'indigne d'une jeunesse bafouée, qui reproduit dans un réalisme cruel les affrontements de leurs parents défunts, qui souhaite la mort comme cette mère délaissée la souhaitait dans des cris de souffrance. Évitant tout discours prolixe, Carlos Saura parvient à dépeindre avec génie les tourments qu'inflige un monde adulte malade à ses propres enfants, comme oubliant la fragilité de leur sensibilité. Là où Alfred de Musset écrivait dans La Confession d'un enfant du siècle « Qu'importe de quoi parlent les lèvres, lorsqu'on écoute les cœurs se répondre. », Carlos Saura offre l'image des yeux ronds d'Ana Torrent, la contine musicale Porque te vas... Le tout pour un même chef d'œuvre intemporel, tourné vers les étoiles qui ne s'éteignent jamais.

Réalisé par Carlos Saura
Avec Géraldine Chaplin, Ana Torrent, Conchita Perez
Film espagnol | Durée : 1h52
Date de sortie en France : 03 Juin 1976

Le Gamin au vélo

2011-05-20T17:37:00.005+02:00

Cyril, un enfant de 12 ans, cherche obstinément à retrouver son père disparu. Laissé dans un foyer, il n'accepte l'idée qu'il ait pu s'envoler, sans le lui dire, et surtout sans lui avoir redonné son vélo. La route de l'enfant croise alors celle de Samantha, une femme qui décide de le prendre son son aile les week-ends.
Le Gamin au vélo est certainement l'un des plus beaux films des frères Dardenne, assurément leur plus tendre et leur plus sensible. Leur œuvre n'en compatit pourtant pas de cohérence : la mise en scène s'ancre toujours dans cette même mouvance de chronique sociale, la caméra épaule suivant sans distance son jeune protagoniste, ici sous un ciel d'été qui perce tant bien que mal les immeubles du quartier. Ce jeune Cyril c'est évidemment une projection du bébé trainé en poussette dans L'Enfant, la mobylette de La Promesse laissant place à un vélo. Quoi qu'il en soit, il y a toujours eu dans le cinéma des frères belges une sincérité frappante, moins dirigé vers un naturalisme obstiné que vers la recherche des sentiments les plus violents, les plus simples car les plus quotidiens. Ce Gamin au vélo est bien empreint de toutes ces qualités qui offrent à ce film touchant des émotions de belle envolée.
Sans cesse dans la fuite constante, ce jeune Jean-Pierre Léaud du 21ème siècle frappe rapidement de sa spontanéité de jeu, si précieuse et délicate chez les enfants. En suivant la fugue de l'enfant, dès l'exposition, Jean-Pierre et Luc Dardenne donnent à leur film des airs de quête identitaire. Cette quête, tendue sur le fil fragile de cet amour éperdu du fils pour son père, prend une dimension sentimentale à la rencontre de Samantha, interprétée par une Cécile de France bouleversante. Ce personnage féminin, aux vertues magnifiques d'anodinité, serait la marraine de cœur du conte si le film en était un. Les frères Dardenne semblent continuellement effacer leur caméra au profit de leurs acteurs, tout en ne l'éloignant jamais vraiment. Le spectateur est ainsi sans cesse complice du point de vue adopté, particulièrement celui de Cyril, cet enfant vulnérable et perdu, pour lequel l'identification s'épouse aussi doucement qu'une caresse. Une des plus belles séquences est sans doute celle de la révélation du père, le spectateur suivant d'abord l'un, puis l'autre personnage, avant l'affrontement ultime cruel de brièveté.
Avec Le Gamin au vélo, les frères Dardenne confirment que les plus belles émotions sont les plus simples, à l'image d'une des dernières images du film où l'enfant souhaite grimper sur le plus grand vélo pour aller plus vite. Si la part de noirceur n'est pas épargnée du propos (l'abus de faiblesse, les représailles) et que quelques ratures gâchent un peu l'écriture à l'image des frappes de musique ou certaines situations téléphonées, ce plaidoyer contre les étapes grillées de l'enfance fait sans conteste de ce film un joli bijou chromé.

Réalisé par Jean-Pierre et Luc Dardenne
Avec Cécile de France, Thomas Doret, Jérémie Renier
Film français, belge, italien | Durée : 1h27
Date de sortie en France : 18 Mai 2011

The Tree of Life

2011-05-16T18:32:00.007+02:00

Le retour de Terrence Malick ne s'est une nouvelle fois pas fait dans la discrétion. Images promotionnelles au compte goutte mais d'une beauté hypnotisante, deux stars hollywoodiennes imprimées sur l'affiche... et surtout ce réalisateur anonyme, véritable personnage en soit, qui a depuis le début pris le partie de se taire au profit de l'interprétation, et d'un certain mystère bien évidemment. Révélé au milieu des années 70 avec La Balade sauvage, puis Les Moissons du ciel, Terrence Malick a toujours nourri une sorte de mystification autour de son cinéma singulier, narrativement mis à mal et tourné vers des thèmes proches de la philosophie. The Tree of Life a germé dans l'esprit du cinéaste dès les années 80. Mais ce projet, appelé à l'époque Q, ne voyant pas le jour, Malick disparu de la surface du globe pour ne revenir que vingt ans plus tard avec La Ligne rouge, un film de guerre au casting étoilé et au budget faramineux qui restera son œuvre la plus reconnue. Ainsi, après Le Nouveau monde en 2006, Malick est enfin parvenu à monter ce projet, certainement le plus ambitieux de sa carrière de cinéaste.
The Tree of Life reprend les mêmes thématiques que se films précédents, même cette fois-ci il les laisse dominer comme des électrons libres. Au cœur du noyau, ce protagoniste, Jack. Enfant, il grandit en voyant venir au monde ses deux petits frères. Éduqués par un père violent et une mère d'une tendresse oxymore, les questions tourmentent son esprit naïf. Haine, amour, tentation, peur... Quarante ans plus tard, ces émotions sont restées toujours aussi intactes et violentes au souvenir de la perte d'un de ses frères. Muet, mise en scène d'un élément déclencheur dramatique, le film impose dès son exposition une absence, une mort soudaine encore inconnue. The Tree of Life se construit autour d'un vide, au fond d'un puits de questionnements énigmatiques sur notre vie et notre propre conscience humaine. Frère, père, mère... Les appellations sonnent comme des vers en fugue du poème cinématographique. L'injustice, l'éphémère, l'oubli, tant de tortures de l'esprit qui viennent remplir ce film périlleux, qui tend plus vers l'expérience sensitive que vers la fiction de cinéma.
Malick pousse en effet les limites de la narration à des degrés qui en laisseront assurément beaucoup plus d'un de marbre. Sans vraiment se comprendre dans une ligne directrice évidente, The Tree of Life se pense librement. Car au travers de ces images subliminales magnifiques, de cette structure aux allures complexes qui varient présent et passé jusqu'au Bing Bang de l'univers, il y a avant tout cette incitation à trouver ce qu'il y a de beau dans ce spectacle animé. Mouvante comme le flottement incessant de la caméra, la mise en scène n'explicite rien, propose tout. Le cinéaste semble lui-même chercher cette grâce espérée de ses protagonistes avec une humilité bouleversante, présentant un monde qui réfléchit entièrement sur lui-même comme un unique être, éternellement ignorant sur le pourquoi de son existence. L'homme, cette petite branche de l'arbre, n'avait rarement semblé aussi fragile et à sa place dans ce cosmos qui n'appartient à personne. Et au cinéma d'en proposer une approche radicale, baignée d'intelligence, qui n'est toutefois pas sans justifier l'extrême ambition pragmatique de cette œuvre décidément troublante, et difficile d'accès.

Réalisé par Terrence Malick
Avec Brad Pitt, Jessica Chastain, Sean Penn
Film britannique, indien | Durée : 2h18
Date de sortie en France : 17 Mai 2011

De l'eau pour les éléphants

2011-05-13T20:59:00.004+02:00

1930, grande dépression, États-Unis. Étudiant en école vétérinaire, Jacob est promis à un bel avenir. Mais au décès de ses parents, le jeune homme perd tout, et commence à errer sans espoir. Par hasard, son chemin croise celui en fer d'un train de cirque, l'une des plus grandes compagnies de l'époque. Il est embauché mais tombe bientôt amoureux de Marlène, la jeune femme intouchable d'August, un patron aussi violent qu'imprévisible.
Adapté du roman de Sara Gruen, De l'eau pour les éléphants est une vraie romance de printemps, sous fond du siècle passé et de tragédie shakespearienne. Après les possédés dans Constantine et les zombies dans Je suis une légende, autant dire qu'avec cette bluette Francis Lawrence semble se calmer un tant soit peu. L'essai n'est en fin de compte ni regrettable ni extraordinaire. Le film reste honnête dans ses intentions et ses promesses, sans toutefois surprendre ou oser, au profit d'un divertissement qui se veut avant tout populaire.
Image soignée mais vois off narrative agaçante, De l'eau pour les éléphants commence comme il se termine. Naïf et narratif à l'excès, malgré son beau minois, Robert Pattinson ne suffit pas à combler les archétypes de ce conte de fée que l'on ne connait que trop pour pouvoir véritablement apprécier. Protagoniste victime au début, écroulé par le ciel, puis victorieux du mal (et de la femelle)... On connait la chanson. Tourné très nettement vers le classique efficace et un peu lourdingue, vous vous tromperez de programme en souhaitant voir autre chose de ce que vous en attendez déjà.
En fait, De l'eau pour les éléphants est ce genre de film qui s'apprécie en mea culpa. Car si le scénario est téléphoné avec quatre kilomètres de câble d'avance, il faut avouer que les yeux pétillent parfois devant ce spectacle idéalisé, romantiquement manichéen et tragiquement élégant. L'univers du cirque, assez peu exploité au cinéma, prend ici une bonne place : un théâtre dans le théâtre du monde, celui des apparences dans lequel s'enfouissent bientôt les deux jeunes amants traqués. Le travail du chef décorateur Jack Fist (David Lynch, Terrence Malick) est remarquable : la mise en scène carte postale se greffe assez joliment à la reconstitution d'époque et propose parfois de jolis moments oniriques (la montée du chapiteau, la découverte de l'éléphant). Mais le plus bel atout du film reste son personnage crapuleux, interprété par un Cristoph Walz génial (bien qu'il semble ne pas avoir quitté le plateau d'Inglourious Basterds), sur lequel s'appuie la meilleure séquence du film lorsqu'August oblige dans une cruauté quasi féline la femme infidèle et son amant à jouer théâtralement la vérité de leur relation. Reese Witherspoon, cela étant, semble avoir du mal à donner une réelle profondeur à son personnage, tandis que le séduisant Pattinson fait sa part de travail, de façon beaucoup plus convaincante qu'en vampire frigide. Séduisant, même si le conformisme de la bonne recette vient aigrir le goût, De l'eau pour les éléphants est la guimauve que l'on attendait : une sucrerie pâteuse... que l'on déguste discrètement. Alors chut !

Réalisé par Francis Lawrence
Avec Reese Witherspoon, Robert Pattinson, Christoph Waltz
Film américain, français | Durée : 1h55
Date de sortie en France : 04 Mai 2011

Lost Highway

2011-04-29T20:39:00.003+02:00

Fred et Renée Madison vivent dans une belle demeure mais leur vie de couple se meurt peu à peu dans le silence et la jalousie. Un jour, ils découvrent à leur porte une cassette vidéo : un inconnu filme leur maison de la rue, puis dans une seconde cassette va même jusqu'à filmer le couple endormi dans leur chambre. Paranoïaque, Fred sombre bientôt dans la folie à la vision de nouvelles images, le montrant hurlant sur le cadavre de sa femme, hâchée en morceaux... Jugé coupable du meurtre, il est condamné à mort et fait enfermé.
David Lynch, assurémment l'un des plus grands cinéastes contemporains, signe un nouveau long-métrage après avoir lancé le série Twin Peaks pour le petit écran. De son premier film cauchemardesque et torturé Eraserhead, à Elephant Man qui avait secoué les Oscars au début des années 80, celui qui avait préféré mettre de côté Le Retour du Jedi pour Dune et bientôt Blue Velvet et Sailor et Lula (Palme d'Or en 1990) n'avait pourtant pas marqué autant les esprits avec ce Lost Highway. Quinze ans plus tard, le fait reste encore plus étrange. Drame fantastique à tendance schizophrène, le film se fait le véritable précurseur des prochains Mulholland Drive et Inland Empire. Sans doute pas assez prêts, moyennement réceptifs, le public et la presse sont sans aucun doute passés à côté de cette œuvre en ébullition, incompréhensible pour les plus téméraires, froidement linéaire pour les plus attentifs.
Lost Highway est le premier David Lynch à brouiller des pistes pourtant bien tracées. Il y a dans ce film (ce que l'on retrouvera dans les deux prochains, en mettant de côté Une histoire vraie) une volonté de morfondre deux grammaires cinématographiques opposées : d'abord celle d'un cinéma classique dans une mise en scène tournée avant tout vers ses acteurs - champs contre champs répétitifs, gros plans, raccords dans l'axe... - et celle d'une forme narrative sans cesse mouvante, d'apparence insaisissable, qui trompe le spectateur quand il se sent trop confortable. Si Mulholland Drive excellera dans ces intentions, Lost Highway s'impose déjà dans l'exercice de style. D'abord thriller fantastique qui atteint son climax lors de la séquence de "révélation", romance d'adultère entre un jeune homme et la femme tentatrice du boss, un certain M. Eddy qui propose même certaines séquences de film gangster... Lynch a ce même goût des inspirations, déjà frappantes dans Blue Velvet, qui ici amènent bien le spectateur sur une autoroute perdue, jamais claires sur la destination, en fait toujours à hauteur des protagonistes, dont le paroxysme de la forme (connue et acceptée) au fond (d'apparence invraisemblable) peut évidemment choquer. Mais derrière cette façade de non conformisme, se cache un vrai film d'auteur qui pulvérise les codes de narration et éblouie toujours de tant de précision, Lynch parvenant à donner à ses films aussi complexes soient-ils une assurance et une maitrise qui déconcertent autant que la logique mystifiée de ses scenarii. Pour Lost Highway, de la direction d'acteur à la photographie, de la structure narrative à l'approche du son, tout s'harmonise pour donner à ce film aux mille thèmes (la place du créateur partagée entre David Lynch lui-même et ce personnage exorciseur, la seconde chance, le pouvoir sexuel féminin...) cette force singulière qui isole certaines œuvres des autres. Et autant dire qu'avec ce Lost Highway, rarement le cinéma aura été aussi perdu et confiant à la fois.

Réalisé par David Lynch
Avec Bill Pullman, Patricia Arquette, Balthazar Getty
Film américain, français | Durée : 2h15
Date de sortie en France : 15 Janvier 1997

Source Code

2011-04-26T02:01:00.006+02:00

Colter Stevens, un soldat américain, se réveille dans un train en partance pour Chicago. Une passagère le traite comme un ami, son reflet n'est plus le sien. Il ne comprend rien, le spectateur non plus. Le train explose, et ce dernier se réveille dans une capsule métallique en liaison avec des capitaines de l'armée. Enfin tout le monde comprend : il est au coeur d'une toute nouvelle technologie, le code source, qui permet de revivre huit minutes avant la mort d'un homme. Sa mission est de trouver le terroriste responsable de l'explosion du train, et bientôt de toute la ville entière.
Après le très respecté Moon, pourtant orphelin d'une sortie sur les toiles françaises, Duncan Jones - oui, oui, le fils de David Bowie c'est bien lui - revient avec ce thriller teinté de scientifico-philosophie cantique. Expérimentant une nouvelle fois cette thématique de la réalité fantasmée (Matrix, L'Effet papillon, Inception...), Code Source se laisse regarder mais reste tout de même bien en-dessous de ses inspirations certaines.
Le premier atout du film est son schéma, plutot séduisant. Le scénario s'articule autour d'une boucle de temps déjà passé qui se doit d'être réinterprété, relu via une réalité parallèle afin de jouer sur le présent. Cette situation qui se répète inlassablement est une bonne trouvaille. Simple dans l'idée, efficace à l'image, il faut dire que l'on accroche plutôt à cette histoire de bombe et de son coupable qui se cache quelque part parmi toutes ces personnes banales. Sorte de Vol 93 façon entertainement, Source Code vise assez juste dans son originalité qui lui permet de se démarquer et ainsi de faire apprécier le spectacle. Le second atout s'appelle Jake Gyllenhaal, maliable à souhait, attachant d'un battement de cil. Il a plutôt l'air d'y croire et ça fonctionne.
Mais est-ce que le spectateur, lui, y croit ? Réponse certainement moins certaine tant le film est parsemé de faiblesses qui peinnent à crédibiliser l'invraisemblable pendant une heure et demie. Certaines situations restent quand même incohérentes... à commencer par le personnage de Christina, aussi réactive que mamie un lendemain de cuite, dont le comportement fait parfois prêter à sourire. Colter ne cesse de lui dire d'ailleurs qu'elle est belle... il a bien compris là son unique qualité. Puis le comportement de tous ces figurants, jamais actifs, si bien qu'on peine à croire que Colter ne s'imagine pas une seule seconde dans un rêve ou plutôt un trip répété à l'intraveineuse. Cette atmosphère irréelle discrédite le suspens, ne faisant finalement pas de ce Source Code le thriller éprouvant que l'on pouvait en attendre. Bombe désamorcée en deux secondes sans aucune difficulté sinon celle de faire la même chose une deuxième fois, coupable évident et identifié aussi facilement qu'un chocapic dans un bol de miel-pops ; en fait Duncan Jones veut surtout insister sur la grande perspicacité de son protagoniste et ainsi complexifier assez facilement son twist final (la fameuse claque qui tue quand tu comprends tout le film, sauf la fin), sans oublier la petite tartine de romance fumeuse qui vient pimenter un peu la déception.
Mais reste de ces incidents de parcours un film grand public qui peut tout de même s'apprécier, à condition d'avoir des œillères et la conviction naïve de croire à l'incroyable le temps d'un instant. Largement faisable.

Réalisé par Duncan Jones
Avec Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga
Film américain, français | Durée : 1h33
Date de sortie en France : 20 Avril 2011

Paris, Texas

2011-04-24T22:58:00.007+02:00

Travis et Jane s'aimaient autrefois. Un jour, ils disparaissent laissant derrière eux Hunter, leur enfant de quatre ans. Recueilli par un couple d'amis, quatre années se découlent dans le mystère. Puis un coup de téléphone vient donner une lueur luminseuse dans le brouillard : Travis a été retrouvé, à bout de force, en plein désert. Que s'est-il passé ? D'abord muet, ireconnaissable, bientôt Travis revient dans le monde des vivants, retrouve la parole et son fils abandonné. Les retrouvailles sont difficiles, encore coagulantes de non-dits... Regrets, premières paroles, premiers espoirs. Avec son enfant, Travis part à la recherche de son épouse disparue. Il la retrouvera coûte que coûte et remontera le passé de son silence maladif....
Paris, Texas est une merveille, un miracle issu d'une production pourtant cafardeuse. Scénario complété au tournage, absence de Sam Shepard, le co-scénariste... Le film, de façon extraordinaire, se nourrit de cette création en continue, sans cesse inspirée sur elle-même au fil du tournage et de l'écriture. Wim Wenders vient ici sublimer son genre de prédilection : un road movie contre l'oublie et les sentiments qui s'envolent comme les années de silence. Paris, Texas est une œuvre mouvante, difficilement arrêtée dans son influence émotionnelle et plastique. Cadré par l'un des meilleurs directeurs de la photographie, Robby Müller (passé entre autre derrière la caméra de Friedkin, Jarmusch, von Trier) propose une image très travaillée, au bord de l'artifice. Baignant souvent ses séquences dans des bains de lumières colorées par des néons, les couleurs primaires viennent harmonieusement accompagner Travis dans sa quête intérieure. L'image se construit peu à peu en couleur en même temps que le protagoniste se reconstruit au gré du passé. Wenders et Müller propose ainsi de superbes moments de cinéma, en passant de la révélation bleutée de la mère adoptive qui nourrit un espoir chez Travis, à la visite du lieu de travail de Jane qui, maintenant que la vérité est proche, varie incessamment les teintes jusqu'à ces retrouvailles, extraordinaires, entre deux êtres déchus d'une passion éphémère qui viennent pourtant, pour une dernière fois, se compléter sur une vitre sans teint. En exploitant le splitfocus, Wenders donne autant de précision au premier qu'à l'arrière plan, pour ne rien cacher ou flouter. Paris, Texas est au contraire un film de retour, de remplissage, un vrai film d'amour. La couleur rouge dominante, illustre cette passion perdue bientôt retrouvée le temps d'un instant.
Des paysages désertiques abondants de lumière, aussi magnifiques qu'imperturbables, Wenders accompagne son personnage vers une longue route de secrets, laquelle se conclue sur une réussite des plus marquantes. Économie des dialogues (le film est à l'extrême inverse du travail de Jane dans ses décors restreints), de la musique aux accords tant discrets qu'efficaces et d'explications narratives montées de toute pièce, Wenders fait voyager son spectateur sans jamais lui indiquer une quelconque destination, sinon celles des plus belles émotions de cinéma, quelles qu'elles soient.

Réalisé par Wim Wenders
Avec Harry Dean Stanton, Nastassja Kinski, Hunter Carson
Film français, britannique, américain, allemand | Durée : 2h25
Date de sortie en France : 19 Septembre 1984

En complément : la critique de Pina chez Excessif
chez Le Nouvel Obs.com

Tomboy

2011-04-22T22:17:00.003+02:00

Laure, dix ans, emménage avec ses parents et sa petite sœur Jeanne dans un nouveau quartier. Si Jeanne se rêve en princesse, Laure est plus attirée par le foot ou conduire la voiture avec papa. Lorsqu'elle fait la rencontre de Lisa et les autres enfants du quartier, Laura se fait passer pour un petit garçon, Mickaël.
Après Naissance des pieuvres, il est agréable de revoir le nom de Céline Sciamma pour un deuxième film. Prix Un Certain regard à Cannes, cette chronique adolescente avait touché de par sa sensibilité et son absence de concessions. Parfois stagnante, la mise en scène avait toutefois le parfum agréable d'une jeunesse prometteuse. Bonne nouvelle, Tomboy ("garçon manqué" en anglais) a les mêmes qualités : ici la jeune réalisatrice s'intéresse aux vacances d'été d'une petite fille qui se plait et se reconnaît plus en petit garçon. Si bien qu'il suffit d'une première rencontre, l'utilisation d'un masculin spontané (T'es nouveau ? Tu t'appelles comment ?) et l'envie de ne pas (plus) être un objet de foire quitte à s'inventer un sexe que l'on a pas en pâte à modeler. Laure change ainsi de repères, de copains, et de sexe à leurs yeux. Sous le soleil torride de l'été, on s'abandonne à ce que l'on aime, le foot torse nu en crachant par terre, la baignade de combat où les corps encore asexués mais pourtant refoulés de désir se frôlent et se choquent... Mickaël devient le double artificiel de Laure, et bientôt un secret partagé entre sœurs.
A hauteur d'enfant, Sciamma installe une mise en scène simple, complice, sans toutefois quitter les beaux yeux bleus de sa protagoniste perdue, qui préfère les robes et le maquillage sur les autres petites filles. La jeune Zoé Héran apporte beaucoup à l'efficacité du film. Sobre dans le jeu, jamais dans la dramatisation, l'actrice est une belle perle rare. Il faut dire qu'après le reflet d'une adolescence en quête de tout, Sciamma prend à nouveau un risque avec ce projet. Faisant des enfants les personnages principaux, elle parvient avec une réussite plutôt convaincante à trouver la vérité des situations narrées. Si certaines séquences se heurtent à la grande difficulté de diriger un enfant dans son comportement habituel (l'action-vérité pipi caca plombe quelque peu), la direction d'acteur et le choix de casting reste étonnant, à l'image de Lisa, très juste en jeune des quartiers qui s'éprend de Mickaël.
Jouant le suspens de situation, Tomboy se laisse regarder avec un plaisir non coupable, proposant une approche humaine de confidence, ici à parole d'enfant, qui donne un charme singulier au cinéma de Sciamma. Cependant, de même que pour Naissance des pieuvres, Tomboy se heurte quelque fois à une narration paresseuse qui peine à faire évoluer la situation. Particulièrement dans le collimateur ici, la place des parents, jamais vraiment très claires dans ses intentions - confidents ? maladroits ? absents ? - surtout pour le père, d'abord attachant puis à côté de la plaque dans sa conclusion (« Tout ira bien. D'ailleurs, tout va déjà bien... »). Alors que non. Mais jamais irritants, ces points faibles viennent surtout nuancer un petit film sincère, brouilleur de genre, témoin d'une jeune envie de cinéma qui fait bon à goûter, comme des bulles pétillantes dans une eau un peu plate.

Réalisé par Céline Sciamma
Avec Zoé Héran, Malonn Lévana, Jeanne Disson
Film français | Durée : 1h22
Date de sortie en France : 20 Avril 2011

Benny's Video

2011-04-22T15:14:00.005+02:00

Benny est issu d'une famille bourgeoise. Il ne communique pas avec ses parents mais préfère plutôt perdre le sens des réalités dans sa passion pour la vidéo. Seul pour le week-end, il invite une fille croisée dans la rue à passer l'après-midi avec lui. Mais la rencontre prend une tournure dramatique... Il faut dire que Michael Haneke ne nous a pas habitué au plus tendre. Ici, il propose un film intéressant, sans aucune nuance une nouvelle fois, mais d'une radicalité dérangeante, quasi sensorielle, qui confère à Benny's Video cette même distance critique, le même regard sans concession sur une humanité affaiblie par ses propres leurres.
Benny est, à l'image de ses deux grand frères de Funny Games, un non personnage, un être vidé de toute émotion. Sur une autre planète, il ne réagit jamais mais demeure une éponge des films violents empruntés chez son loueur. Sur cette planète, plus rien est un drame car la morale a disparu. Ainsi, Haneke propose à son spectateur un meurtre, le fameux élément déclencheur, selon le regard même de cet adolescent déconnecté. Dans un écran de télévision, la fiction devient elle même génératrice de fiction. L'ambiance visuelle du film froide, bleutée, jamais contrastée, bascule le spectateur dans cette irréalité poison. Et ainsi, comme dans Funny Games, la violence n'est plus objet de la morale mais une provocation réactionnelle, que rien ne pourrait de toute façon justifier.
Ainsi, Haneke pose sa caméra comme selon les gestes de son personnage. En témoin distancé qui continue d'agacer certains cinéphiles, le cinéaste évacue toute moralité. Il souhaite rendre mal à l'aise, nous raconter une histoire trouée que notre propre regard doit pouvoir combler. Si dans Funny Games, les psychopathes provoquent directement face caméra les spectateurs, dans Benny's Video le réalisateur reste plus subtile, comme en retrait face à son propre film. Mais Haneke interpelle davantage lorsqu'il quitte Benny dans l'obscurité de sa chambre (bien que la porte reste entrouverte) pour se digérer vers les parents, mis au courant du drame par la vidéo, car cette famille n'a jamais su communiquer. Les figures parentales, bien que naturellement protectrices, sont les plus effrayantes du film. Discours froid dans le salon, que faire du corps ? Le découper en petits morceaux pour qu'il passe dans les tuyaux ? Inhumains et pourtant bien vivants, Haneke choque de par le naturel de sa mise en scène qui évite au mieux la démonstration pour privilégier la suggestion, bien plus horrible on le sait, qui prend ici la forme d'un voyage en Égypte pendant que joli papa joue de la boucherie dans la salle à manger. Toujours spectateur passif, pourtant Benny ressent le malheur sans toutefois le comprendre tout à fait, notamment lors de l'effondrement inattendu de sa mère, allongée sur un lit séparé, déjà morte. Puis vient le retournement, où fils et filles se retournent contre pères et mères leur criant à la figure : mais qu'avez vous fait de nous ? Il y a des accents de révolte proches de ceux de l'adolescent dans The Reader de Stephen Daldry, qui se pose cette même question générationnelle : comment vivre lorsque nos parents ont fauté ? Plus intime dans son sujet, mais autant dénonciateur dans le fond (l'Autriche reste profondément meurtrie dans le cinéma d'Haneke), Benny's Video s'observe plus qu'il ne se regarde, s'inflige plus qu'il ne plait mais s'impose lourdement dans la rétine et la mémoire.

Réalisé par Michael Haneke
Avec Arno Frisch, Angela Winkler, Ulrich Mühe
Film autrichien| Durée : 1h45
Date de sortie en France : 1992

En complément : la critique de Télérama.

Scream 4

2011-04-19T14:03:00.004+02:00

Dix ans après Scream 3, Wes Craven revient sur la toile avec son célèbre ghostface, ce qui n'est pas pour déplaire aux fans de la série. Redonnant un succès public au slasher en 1996 avec le premier volet, Craven a su renouveler le genre issu des célèbres Halloween ou Black Christmas des années 70. Son goût de la dérision et du suspens a fait de la firme Scream la référence horrifique d'une génération (certains parlent même d'un nouveau genre, le néo-slasher). Si les critiques ont toujours plus ou moins dénigré ces psychopathes à arme blanche qui s'attaquent scrupuleusement aux jeunes et autres bondes platines sexy, le public semble très friand. Cette année, le retour de la malédiction de Woodsboro fera certainement de nouveaux adeptes.
Il faut dire qu'en dix ans, Craven n'a pas perdu la main. Et si les scénaristes semblent avoir compris qu'il fallait encore renouveler d'une génératation (le néo-néo-slasher ?), Scream 4 a cette même fougue, ce même plaisir avoué du morbide, des portraits insouciants d'une jeunesse dorée et hédoniste ici encore plus boulimique de popularité et de nouvelles technologies. Mais le slasher se réfléchit moins qu'il se laisse goinfrer des suspens à outrance et de la question insupportable dont l'obsession nous guide toujours sur de mauvaises pistes : mais qui est le tueur ?
Dans ce sens, Scream 4 fonctionne parfaitement, donnant la couleur dès une exposition jouissive sur l'enchainement des Stabs - double fictionnel des films Scream - dont l'engrenage est interminable mais hilarant. On se régale de revoir également les protagonistes fatigués des précédents volets qui, s'ils n'y connaissent rien à Facebook ou Twitter, comprennent rapidement que le zozo qui lance le remake sanglant est dangereux. Le film reprend ainsi les marques de fabrique qui avaient fait le succès de la série, en commençant par de nouvelles cheerleaders lumineuses de caricature (Hayden Pannettiere, Emma Roberts, Marielle Jaffe), de nouvelles séquences de suspens au goût de cache de cache et de devinettes cinéphiles (quel est ton film d'horreur préféré... ?), des répliques bien cinglantes ("T'es comme Michael Myers, tu crèves jamais", "Quand tu fais un remake, respecte au moins l'original"...) et un twist inattendu quoi que peu surprenant, qui arrive sans doute un peu maladroitement. Il faut dire que la production de ce volet a été le même chantier que le deuxième : fin du scénario écrit pendant le tournage, désistement d'acteurs faute d'emploi du temps... Toutefois, s'il faut cibler quelques nuances au retour du tueur masqué, il faudrait plutôt tirer sur l'évolution timide des "nouvelles règles" qui ne marquent pas tellement les esprits et le manque d'exploitation des nouvelles technologies pourtant annoncée à la promotion du film. Si le tueur filme ses crimes, on en voit les images que quelques secondes, autrement dit l'entreprise n'a aucun intérêt. Mieux vaut se souvenir de la séquence des caméras différées du précédent volet, reprises ici le différé en moins.... le suspens également. Plus reposé sur ses lauriers qu'il en avait l'air, Scream 4 reste quand même le très bon teenmovie du samedi soir que l'on attendait, un peu sanglant pour les allergiques mais si le cinéma c'est aussi du pop corn entre amis, celui ci est bien doré et croustillant.

Réalisé par Wes Craven
Avec Neve Campbell, David Arquette, Courteney Cox
Film américain | Durée : 1h50
Date de sortie en France : 13 Avril 2011

Essential Killing

2011-04-17T20:54:00.004+02:00

Grand prix du jury à la Mostra de Venise en 2010, prix d'interprétation pour Vincent Gallo, Jerzy Skolimowski dégage un grand respect chez les critiques, cinquante ans après ses débuts avec Signes particuliers : néant, La Barrière ou Le Départ. Revenu en 2008, après une semi retraite, avec le drame éblouissant Quatre nuits avec Anna, le cinéaste polonais avait montré qu'il avait encore soif de pellicule, et bien raison de l'avoir. Essential Killing a ainsi tous les ingrédients pour se faire savourer.
Mais il faut avouer, malgré les éloges dithyrambiques de la presse, que ce survival objectif peut décevoir sur plusieurs points... Il reste néanmoins certain qu'on ne pourra reprocher à Essential Killing son audace et sa prise de risque. En effet, Skolimowski dirige l'œil de la caméra avec toujours cette même distance plus apolitique que réellement pudique - finalement on s'identifie rapidement à ce traqué sanguinaire - en soustrayant cela étant toute explication concrète (Quel pays de l'Europe de l'est ? Qui est cet homme ? Agit-il à la guerre par conviction ?). Le réalisateur se dénude de tout contexte polémique pour proposer une vraie immersion catharsique, une plongée dans l'enfer de cet évadé pour lequel on se surprend de compatir. Et cette plongée se fait à deux mille mètres de profondeur sans bouteille d'oxygène : d'un meurtre à la tronçonneuse à une séquence d'allaitement effroyable, Skolimowski n'épargne pas son spectateur qu'il met clairement à rude épreuve. Mais il n'épargne pas non plus une esthétique vraiment maitrisée, à l'image de ce décor désert de forêt glacée qui s'accorde parfois avec une cruelle harmonie à la psychologie même du personnage, comme la séquence de grimpe interminable, peut-être la plus belle et la plus parlante du film. Il se dénude aussi de dialogues (les voix sont toujours lointaines ou transmises à travers des appareils) et finalement de tout schéma cinématographique connu laissant sans cesse place à l'imprévisible, où des flashbacks métaphoriques croisent des visions du futur et où la mort guette chaque mouvement et chaque centimètre carré de ce décor hivernal. Skolimowski expérimente plutôt efficacement le genre du survival en n'offrant aucune autre alternative, aucune crise qui viendrait complexer le suspens original du film qui reste toujours le même : survivre, coûte que coûte.
Si ce regard posé sur l'instinct de survie interpelle les sens, l'expérience Essential Killing ne va pour autant pas au-delà. Bien que court (1h20), la narration se heurte souvent à un mou partiel qui vient quelque fois tuer un rythme pourtant soutenu dans toute la première partie du film. Des séquences de survie viennent ainsi remplir, narrer la situation désastreuse de son protagoniste sans pour autant proposer un réel intérêt. Si le suspens demeure, le scénario donne l'amère frustration de ne pas creuser plus ce personnage qui se cantonne à cet exercice de style de rester blanchi - survivre oui, mais pourquoi ? - si bien que le dénouement arrive comme un cheveu sur la soupe sans pour autant étouffer son consommateur.
Intéressant, quoi que légèrement suffisant, Essential Killing se laisse surtout voir pour l'interprétation géniale de Vincent Gallo qui vient gommer le jusqu'au boutisme froidement cloisonné du film, à la fois son plus grand mérite et défaut car l'idée se mord en fin ce compte un peu la queue.

Réalisé par Jerzy Skolimowski
Avec Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner, Nicolai Cleve Broch
Film polonais, irlandais, français, norvégien, hongrois | Durée : 1h23
Date de sortie en France : 06 Avril 2011

Easy Money

2011-04-03T21:18:00.003+02:00

A travers son affiche, son titre et même son synopsis, autant dire qu'en apparence Easy Money n'attire pas vraiment l'intention et surprendrait même de ne pas faire figurer le nom de Statham en guest stars. Mais à s'y approcher de plus près, on comprend qu'il est en fait question d'un film suédois, même l'un des plus grands succès cinématographiques du pays. De plus en plus prisé par les Etats-Unis (le chef d'œuvre de Tomas Alfredson Morse et la saga Millénium ont déjà le droit a un remake), le cinéma suédois contemporain commence à se faire sérieusement un nom en Europe et Outre Atlantique. Et ce curieux Easy Money ne viendra pas nuancer la donne.
Le scénario emprunte les bases du film chorale : trois personnages, d'abord éloignés, se lient les uns aux autres, les uns contre les autres, jusqu'au paroxysme inévitable qui fait exploser la cocotte minute. JW, brillant étudiant en école de commerce, beau de surcroit, bascule peu à peu dans le crime organisé devenant la tête pensante et bancaire d'une bande spécialisée dans le trafic de cocaïne. Jorge, qui vient de s'échapper de prison, veut y organiser un dernier grand coup avant de partir. Mrado, un tueur à gages expérimenté, est chargé de suivre Jorge.
La première grande force d'Easy Money est son scénario implacable, qui parvient sans faute à humaniser ses protagonistes. Joel Kinnaman est à la mesure de son personnage, d'abord naïvement attiré par l'argent facile puis rattrapé par une conscience douloureuse et bientôt insurmontable. En passant des étoiles dans les pupilles au regard figé, témoin de sa propre autodestruction, l'acteur signe une interprétation impeccable. Lueur éblouissante dans un gouffre à l'obscurité déjà irréversible, les attaches sentimentales sont traitées avec une justesse rare dans ce genre de film. Déringardisant le lever de soleil pour les déclarations d'amour, le réalisateur Daniel Espinosa parvient également à donner une cruauté frappante à la famille proche de Jorge, futur oncle touchant mais incapable d'aimer sans détruire, et à ce lien effroyable entre Mrado et sa petite fille tant puissant que moralement honteux. Tous trois en guerre les uns envers les autres, plus en guerre contre eux mêmes en vérité, ces trois figures de la grande corruption sont brossés en vrais portraits de cinéma, comme trois hommes qui laissent impunément couler entre leurs doigts ensanglantés l'amour qui leur est possible.
La mise en scène très sur le vif, sans cesse caméra épaule, accroche et dynamise le récit sans temps mort. Mais cette mise en scène, très inspirée pour dire vrai, convainc surtout dans certaines séquences isolées, étrangement plus calmes. Montage brisé, cadres décentrés, Espinosa offre des passages à l'esthétique intéressante (le plus assumé étant assurément la révélation de JW au musée, qui parvient à donner de la grâce aux faux raccords). Si la forme reste tout de même assez conventionnelle, on ne pourra pas reprocher à Easy Money sa mesure dans la violence et les sentiments humains. Marque heureuse d'un cinéma suédois visiblement très en forme, celle un peu moins d'un pays qui ne semble pas aussi idéal comme souvent présenté, Easy Money fonctionne de par son jusqu'au boutisme, et n'a pas à rougir face à ses références ni face à l'industrie internationale qui aurait tort de ne pas lui tendre la main...

Réalisé par Daniel Espinosa
Avec Joel Kinnaman, Matias Padin, Dragomir Mrsic
Film suédois | Durée : 2h04
Date de sortie en France : 30 Mars 2011

The Company Men

2011-04-02T20:53:00.005+02:00

Bobby a une belle maison, une Porsche dans le garage, une femme aimante et deux enfants. Mais voilà, un beau matin sa cravate ne fait qu'un tour : licencié par son entreprise soumise à un Dow Jones malade et les suppressions de personnels qui en découlent, il se retrouve chez lui au chômage. Comme beaucoup d'autres, bientôt Phil et Gene, deux autres collèges haut placés connaissent le même sort. Crise quand tu nous tiens...
John Wells, dont c'est la première réalisation au cinéma, signe un film humain, et au combien bienvenue dans une production américaine contemporaine trop pauvre de ce genre de film social. De plus, le casting a de quoi séduire : Ben Affleck, Tommy Lee Jones, Chris Cooper et même Kevin Costner se croisent à travers un récit assez simple. The Company Men s'attache en effet à des figures importantes d'une entreprise fictive, des ordinaires d'une classe aisée dont il est assez plaisant de voir remettre en cause. Car le film de Wells a un bel atout au démarrage : mettre en péril le destin des grands patrons millionnaires, et celui même de la structure économique de la plus grande puissance mondiale.
Déjà pertinent, le scénario joue la carte de la sobriété. Bobby, attaché à sa précédente vie, redescend doucement de sa bulle aidé par sa femme (parfaite Rosemarie DeWitt) tandis que les jadis directeurs prennent peu à peu conscience de la nostalgie de leur début dans l'ère industrielle. Si ce retrait vis à vis d'un cinéma dramatique est honorable, la distance émotionnelle semble un peu poussée. Ainsi, faute d'émotions pleinement mises en avant, la parallèle de la mise en scène peine souvent à satisfaire. Sans doute trop pudique humainement, le récit de The Company Men empêche au film de trouver des moments de grâce là où il ne propose que des séquences certes travaillées, mais à la dimension humaine négligée. A défaut ne pas trahir un public respecté, Wells semble un peu hésitant (les couples de Phil et Gene, pourtant meurtris, ne sont jamais sujets d'intérêt) et se concentre peut être trop sur ses figures masculines. A y regarder de plus près, les rares séquences émotionnelles sont pourtant les plus réussies, notamment celles de Bobby rassurant un fils délaissé ou se faisant pardonner auprès de sa femme sacrifiée. On reste ainsi frustré du peu de potentiel exploité chez les acteurs, que l'on connait pourtant très bons.
Heureusement, The Compagny Men est moins hésitant politiquement, assumant le propos de bout en bout jusqu'aux scènes où le grand patron apparait aussi inhumain et froid qu'un immeuble. Le film, malgré sa prudence, conserve une élégance agréable, évidemment pertinente, qui replace l'homme et son costard à sa hauteur, autrement dit aussi minuscule que devant les grattes-ciels qu'il construit. A l'heure ou les bourses et les chiffres régissent un monde qui tourne à toute vitesse, The Compagny Men vient avec une fausse naïveté nous rappeler que l'humain n'a pas de prix, et que le rêve américain coûte cher en dollars et moralité. Surprenant, ce film encore pudique reste néanmoins une jolie et précieuse réussite ; à en faire regretter que l'Amérique et ses dollars ne se regarde pas plus souvent dans le miroir universel des toiles de cinéma.

Réalisé par John Wells
Avec Tommy Lee Jones, Ben Affleck, Chris Cooper
Film américain, britannique | Durée : 1h52
Date de sortie en France : 30 Mars 2011

Sucker Punch

2011-04-02T18:05:00.003+02:00

Baigné de culture populaire, du cinéma aux comics et jeux vidéos, après l'intraitable Armée des morts, 300 et Watchmen, Zack Snyder revient avec une superproduction. Laissant de côté les grands et musclés spartiates, cette fois le réalisateur met en scène de jeunes demoiselles cloisonnées tant dans leur pseudo hôpital psychiatrique que dans leur petites tenues serrées... c'est soit noir soit blanc ! Accueil plutôt partagé de la critique, un peu moins chez les spectateurs, néanmoins Sucker Punch reste appréciable dans ce qu'il propose : un entertainment surdosé à la moralité secondaire.
Mettons de côté tout de suite son scénario, complétement foiré bien que lui aussi secondaire. Une jeune fille tue accidentellement sa petite sœur, visant en fait un père dangereux, et se retrouve dans un hôpital psychiatrique dirigé par un malade aussi, un bon concurrent, qui abuse de ses petites pensionnaires... Dans cet environnement pour le moins glauque, les filles s'imaginent dans un bordel plus luxueux, et dans un monde parallèle où elles sont de parfaites héroïnes de jeux vidéos lors de leurs trips sensoriels dans le but de s'enfuir. Voilà ce qu'il reste de l'intrigue. Il serait malhonnête de fermer les yeux sur la pauvreté du récit, car si Sucker Punch propose d'autres facettes intéressantes, il n'en reste pas moins un divertissement qui faute par son incohérence. Un scénario plus probable, moins haché menu au service des séquences d'action, aurait rendu le tout plus crédible... et plus évident à défendre.
Car il y a dans ce Sucker Punch, malgré tout, une invitation à l'évasion décérébrée, cette incitation propre à ce cinéma de provoquer les sens au détriment d'une pertinence de fond. Et une vraie esthétique, qui fonctionne dés une séquence d'exposition qui pioche dans le clip musical ce qu'il y a de meilleur. Si on peut reprocher au film le manque de variétés dans ses passages d'action pure – les plus intéressants évidemment – il est plus difficile de revenir sur leur implacable technicité, où les ralentis donnent une vraie forme saisissante, loin du manque d'inspiration de 300 et sa boulimie sanguine. La musique, très branchée, peut-être trop, participe pour autant à l'ultra modernité du spectacle, dont on retiendra surtout celui des tranchées aussi anachronique que jouissif et déluré.
Si les geeks ne bouderont certainement pas le voyage, Sucker Punch joue pourtant avec le feu avec ses nombreuses négligences, y compris dans ses dialogues parfois au seuil de la nullité (« Dis à maman que je l'aime », « Le dernier élément mais... c'est moi », etc...). Certainement pas prêt de prendre la place d'un Watchmen respecté, le nouveau délire de Snyder donne très bien ce qu'il promettait de donner, sans primes ou pourboires.

Réalisé par Zack Snyder
Avec Emily Browning, Abbie Cornish, Jena Malone
Film américain | Durée : 1h50
Date de sortie en France : 30 Mars 2011

We Want Sex Equality

2011-03-29T23:54:00.005+02:00

On le sait, les femmes sont souvent belles au cinéma. En révolution, elles le sont encore plus. We Want Sex Equality est un film aussi vif et optimiste que son titre, sorte de bourgeon sur un bitume froid et mate, une piqure de rappel encore malheureuse de pertinence.
L'intrigue s'installe dans une usine Ford de la région de Dagenham en Angleterre. Au printemps 68, alors qu'un vent de contestation grandit en Europe, des ouvrières décident de se mettre en grève en revendiquant un salaire mixte... A la tête du cortège, Rita, une femme de principes, « grande gueule grand cœur », qui conduit bientôt ses collègues et un bon nombre de femmes vers une révolution inattendue.
Les Anglais savent mieux que quiconque raconter des histoires aux dimensions socio-politiques et, sans le dénaturer pour autant, alléger le ton pour garantir le divertissement. De ce côté, We Want Sex Equality n'a rien à envier au grand Mike Leigh. Reconstruction parfaite des sixties, casting dynamique et claquant, le film fait sourire dès les premières minutes. A bicyclette jusqu'à l'usine, robes et jupes à coupe droite à volonté, au cinéma les sixties seront définitivement éternellement à la mode ! Mais Nigel Cole, le réalisateur, ne s'arrête pas à la précision du contexte. Il conduit un scénario brillant et léger - de manière toutefois classique en enchainant les champs contre champs à longue focale - mais donne à travers une direction d'acteur parfaite les couleurs dont nécessitait le script de William Ivory. La grande qualité de We Want Sex Equality est de tenir tout le long une atmosphère quasi édulcorée, proche de la comédie musicale, tout en donnant aux séquences d'émotion une intensité dosée. Le film de Cole parvient également à concilier la gravité universelle et personnelle sans fausses notes, emboitant subtilement les petites et la grande histoire. En ressort le personnage de Connie, perçante, magnifiquement interprétée par Geraldine James, qui symbolise tout le long l'importance de la situation et du thème abordé pourtant proposé avec humour. Sans oublier la protagoniste Sally Hawkins, so british, une nouvelle fois brillante de vérité, ou Bob Hoskins, personnage spectateur très agréable.
A travers son approche intelligente, jamais dans le superflu encore moins dans la pauvreté, ou pourrait, pour pinailler, reprocher à cette belle chronique de ne pas beaucoup oser esthétiquement. La caméra de Cole reste souvent fixe, très peu mouvante, et si le cadre reste soigné cette stagnation fait contraste lors des séquences de mouvement. Autre immobilité, celui du personnage de Barbara Castle, la femme politique interprétée par Miranda Richardson (so british elle aussi) qui prend malheureusement de l'importance uniquement à la fin, si bien que son choix apparaît comme un cheveux dans la soupe. Mais entendons-nous : cette soupe là fait partie de celle dont seules les meilleures grand-mères ont la recette. Celles aussi douces qu'éclatantes de saveurs, aussi peu parlantes d'aspect qu'irrésistibles une fois goûtées. We Want Sex Equality nous rappelle avec amusement et justesse qu'une femme est forte, dangereuse quand on en doute. Les femmes sont belles au combat. En fait, elles le sont tout simplement.

Réalisé par Nigel Cole
Avec Sally Hawkins, Bob Hoskins, Rosamund Pike
Film britannique | Durée : 1h53
Date de sortie en France : 09 Mars 2011

L'Agence

2011-03-28T22:35:00.006+02:00

David, un politicien en pleine ascension, fait la rencontre d'une jeune femme, Elise, dont il tombe amoureux au premier regard. Problème : l'Agence, une société secrète qui contrôle la destinée des gens, n'a pas prévu cette alternative...
C'est le premier film de George Nolfi, qui se voit diriger un duo d'acteurs talentueux - Matt Damon parfait, Emlily Blunt peut-être trop rare -, sans doute facilité par sa carrière de scénariste à Hollywood (Ocean's Twelve et La Vengeance dans la peau ont coulé de son stylo). Premier essai en terrain connu, Nolfi semble porter le projet à cœur : également producteur et scénariste, cette adaptation du roman de Philip K. Dick a le bon goût de paraître un projet ambitieux.
Ce n'est en tout cas pas l'ambition que l'on reprochera à L'Agence. Plaidoyer contre l'individualisme de nos sociétés modernes, dominance du libre arbitre démocratique et porteur d'espoir, le film aborde et touche des thèmes précieux. Ceci tout en se jouant d'une réalité paranoïaque, processus qui a fait le succès de plusieurs long-métrages contemporains tels que Matrix, Minority Report ou Inception pour ne citer qu'eux. Le procédé est connu, inscrit dans l'inconscient appréciatif du spectateur fidèle, mais c'est ici que le film trouve sans doute sa meilleure qualité. L'Agence, au contraire de ses prédécesseurs, est une vraie romance assumée. Agréablement léger en action, le scénario de Nolfi s'articule autour de ce couple impunément réuni, à la fois dans le Plan établi, mais aussi dans ce blockbuster que l'on attendait peut-être plus facilement musclé. Au contraire, le réalisateur opte pour une approche sentimentale, sorte de comédie romantique perturbée par les rouages d'un thriller machiavélique. Étonnant. Si cette originalité assure un divertissement sympathique, elle n'en est pas moins dénuée de défauts, comme un prototype aux engrenages perfectibles.
Tout d'abord, par effort de jouer l'évidence amoureuse, le film tombe souvent dans une simplicité très archétype : le première rencontre entre les deux tourtereaux s'enflamme aussi vite qu'une allumette dans une bonbonne de gaz. Le coup de foudre, oui ! Attention à ne pas prendre l'expression trop au sérieux quand même, faute de crédibilité. Si Damon et Blunt parviennent avec une facilité consternante à nous faire attacher, l'idylle se fait souvent rattraper par des impasses scénaristiques difficiles à digérer comme la déclaration d'amour finale sous la hache de l'ennemi qui devient un peu risible... Puis vient le twist, en fait conclusion hasardeuse et mièvre surenchéri par une voix off qui nous explique la morale que l'on avait déjà compris.
C'est dommage car on aurait voulu apprécier davantage cette course effrénée contre l'impossible, cinématographiquement efficace dans ses séquences de portes ouvertes à l'infini, et contre ces anonymes de l'évidence sortis tout droit de la filmographie d'Hitchcock. Pour enfin donner au vaste paradoxe de l'union (provocateur possible de la force... comme du pire), une noblesse plus parlante. Mais l'ambition ne fait pas tout.

Réalisé par George Nolfi
Avec Matt Damon, Emily Blunt, Michael Kelly
Film américain | Durée : 1h47
Date de sortie en France : 23 Mars 2011

Ma part du gâteau

2011-03-24T23:35:00.003+01:00

Nouveau Klapisch qui, après Le Péril jeune, L'Auberge espagnol ou Les Poupées russes revient derrière la caméra pour un nouveau film mettant en scène les non moins connus Karin Viard et Gilles Lellouche. La première est une mère de famille durement licenciée de son entreprise à Dunkerque. Sur un coup de tête, elle part à la capitale et trouve un boulot de femme de ménage. Le second est le trader qui l'embauche, un homme froid régi par l'argent, les bourses et les chiffres indescriptibles. Un monde les sépare mais ils partagent le même toit le temps d'un instant, et d'un film.
Cédric Klapisch nous avait habitué à rire davantage dans les salles obscures. Malgré ses respirations de légèreté, Ma part du gâteau grince un peu plus que les autres. Si le bordel du monde n'a pas changé à celui présenté dans L'Auberge espagnol, ici le réalisateur rentre totalement dans le sujet, jusqu'à se diriger vers des archétypes parfois border line, pour parler franglais comme bon trader qui se respecte. Car il y a rapidement un peu de réchauffé dans ce scénario simpliste, qui se concentre sur une rencontre oxymore et bientôt tragique. France, terrienne, adorable, adoucie Steve, macho côté en bourses qui fait la gueule quand une modèle refuse de coucher le premier soir... Alors évidemment, elle devient sa conseillère de cœur. Du coup, Klapisch semble s'incliner facilement à l'écriture de ces séquences de partage qui apparaissent finalement aussi artificielles qu'elles le sont vraiment. On ne s'ennuie pas, mais dans un coin de la tête on pense aux dialogues savoureux de Tomasi, Xavier et leurs potes. La forme est aussi radicale que le fond, à en devenir gênant. L'intrigue aurait certainement gagné à être plus ouverte tout en n'empêchant pas le propos de rester impartial.
Les cumulus présentés, parlons désormais du soleil qui s'y cache derrière. Car malgré ce cloisonnement austère dont nous a peu habitué le cinéaste, Ma part du gâteau reste un bon film, plaisant et plutôt pertinent. Son duo de comédiens fonctionne parfaitement, et évite à la caricature de gâcher le spectacle. Karin Viard est particulièrement vraie dans ce rôle de mère populaire, tendre bien que malmenée, au prénom pas si innocent. Derrière ses fautes d'orthographe, le film parvient à trouver une justesse bienvenue, même dans son élan romanesque final qui laisse dévoiler à sa protagoniste un sourire qui en dit long. Techniquement au point, servi d'une belle photographie, le film de Klapisch séduit peut-être un peu moins mais trouve largement son intérêt dans son époque. Tout le monde pourra, sans trop de problèmes, y trouver sa petite part du gâteau...

Réalisé par Cédric Klapisch
Avec Karin Viard, Gilles Lellouche, Audrey Lamy
Film français | Durée : 1h49
Date de sortie en France : 16 Mars 2011

World Invasion : Battle Los Angeles

2011-03-23T22:04:00.005+01:00

Oubliez le luxe, le strass et les paillettes de la célèbre cité des anges. Dans World Invasion, Los Angeles devient une véritable terre de guerre entre marines américains voués à leur drapeau et des extra-terrestres sur développés voués à on ne sait trop quoi, si ce n'est nous mettre bien cher. Accompagné d'une promotion travaillée – notamment sa bande-annonce avec en fond musical une complainte électro brillante – le film a attisé la curiosité. Malheureuse fausse alerte, en vérité il ne se démarque en rien d'une production à l'industrie hollywoodienne...
Hollywood aime les êtres venus d'ailleurs qui nous sont hostiles, à se demander qu'est-ce qu'on leur a bien fait à tous ceux là ! En fait, l'usine à rêves aime surtout quand on arrive à les pulvériser avec la force et un brin de jugeote. Mais malgré ce schéma devenu durement caricatural, certains films récents parviennent à donner de l'épaisseur au spectacle : cauchemar réaliste à la Cloverfield, du remake La Guerre des mondes de Spielberg aux brillants et plus intimistes Signes de Shyamalan, palissent d'autres exemples industriels tels que la reprise du Jour où la terre s'arrêta ou le déjà oublié Skyline. Une fois consommé, World Invasion : Battle Los Angeles rejoint directement les dispensables du genre.
Caméra épaule, sorte de reportage télé sur les marines filmé par un véritable athlète, montage épileptique à faire vriller la rétine de Michael Bay (faut le faire), le film évite dès son exposition les faux semblants. Ce soir, laissez votre femme au lavabo, c'est de la testostérone dont il est question. Aaron Eckhart campe un sergent soucieux et vieillissant, qui se fait rattraper dans son footing par la nouvelle génération. C'est le meilleur plan du film, peut-être le seul qui nous donne le temps de le comprendre un peu. Car E.T et ses potes débarquent, et les marines (Reculez ? Jamais !) sont déjà sur le qui-vive pour sauver la population et faire un deuxième trou du cul à ces salopards venus d'ailleurs.
Tout est fait pour ne pas perdre le spectateur, en passant notamment par les clichés héroïques devenus risibles (le sergent que l'on croit mort après un acte de bravoure qui ressuscite au gré des flammes, les séquences émotions entre rancœurs passées de marines et larmes de gosses...) qui viennent donner des respirations artificielles à des séquences de guerre bombardantes mais d'une grande lassitude technique. La caméra à l'épaule au plus près des soldats c'est bien, mais à deux plans par seconde pendant deux heures faut tenir... même si les effets spéciaux, admettons, restent impressionnants.
Mais la plus grande faiblesse de cette science-fiction catastrophe reste son manque cruel de second degré. Eckhart agace de virilité et de manque d'humanité (le premier qui le voit sourire dans le film a le droit à un DVD de Mars Attacks !). Bref, ni inquiétant ni franchement passionnant, ce énième drame blockbusterien et patriotique a du mal à trouver sa place, et de l'intérêt même un samedi soir.

Réalisé par Jonathan Liebesman
Avec Aaron Eckhart, Michelle Rodriguez, Ramon Rodríguez
Film américain | Durée : 1h56
Date de sortie en France : 16 Mars 2011

Festival d'hiver 2011

2011-03-13T19:59:00.009+01:00

Du 26 janvier au 14 mars, Chris du blog allociné Christoblog, a organisé un festival d'hiver composé de 10 films dont les sorties s'étalent à la période citée.
Participant pour la première fois à ce petit festival de bloggeurs cinéphiles (il y a une dizaine de participants), le moment est maintenant venu pour moi de faire mon classement !

Black Swan

Le film le plus hypnotisant de son auteur, qui a su mêler la grâce à la monstruosité comme peu avant lui. Un vrai coup de cœur !

Carancho

Une jolie découverte venue d'Argentine qui, sans révéler un nouveau cinéma, marque de sa justesse et sa pertinence. Mon joker de ce festival ;) .

Le Discours d'un roi

Pourtant académique, le film de Tom Hooper dépoussière pas mal le genre, l'Histoire ne nous ayant jamais semblé si proche. Une consécration discutable aux Oscars, mais un film largement à la hauteur de ses ambitions, notamment grâce à un scénario et une performance d'acteur irréprochables.

4
True Grit

Un western recyclé divertissant, qui a toutefois déçu plusieurs cinéphiles exigeant vis à vis des frères Cohen. Tout en reconnaissant préférer largement certains autres de leurs films, je me suis quand même bien éclaté. Yiiihaaaa !

5
Jewish Connection

Un premier film intéressant et prometteur (quoi que perfectible), qui confirme néanmoins la montée d'un Jesse Eisenberg prisé des producteurs.

6
127 heures

Un Danny Boyle qu'on a connu en meilleure forme puisqu'il semble un peu s'emmêler les pinceaux ici avec ce fait divers louable... mais peu adapté.

7
Angèle et Tony

Une comédie dramatique sincère mais qui peine à se démarquer dans un paysage cinématographique français gavé de ce genre de films.

8
Je suis un no man's land

Mal aimé de son public et de la presse, ce film titille de façon certaine notre bon goût. Bonne nouvelle pour moi, j'ai plutôt accroché au parcours de ce Katerine de fiction malgré de bonnes grosses lourdeurs. Mon petit coup de pouce à l'encontre de toutes ses tomates.

9
Tron l'héritage

Une prouesse visuelle certaine, qui customise un vide numériquement sidéral. C'est beau, niais, un peu chiant parfois... mais la rétine ne s'arrête pas de vriller. Un presque plaisir coupable.

10
La Permission de minuit

Un drame qui, à défaut d'éviter le pathos, tombe dans une rigueur émotionnelle et une complexité hermétique. Je-n'aime-pas-du-tout...

¤ En ce qui concerne les récompenses détaillées :

Les deux meilleurs acteurs
Colin Firth
Geoffrey Rush

Les deux meilleures actrices
Natalie Portman
Clotilde Hesme

Les deux meilleurs scenarii
Le Discours d'un roi
Black Swan

Les deux meilleurs réalisateurs
Darren Aronofsky
Pablo Trapero

~

Vous pouvez retrouver le palmarès global sur Christoblog à partir du mardi 15 mars.
Merci à Chris pour cette initiative sympa et au prochain festival de printemps ! ;)

La Permission de minuit

2011-03-13T19:28:00.003+01:00

David est un médecin acharné, touchant la retraite du bout des doigts, qui s'occupe entre autres du jeune Romain, un enfant de la lune qu'il soigne depuis tout petit. Très attaché au garçon, pourtant David se voit accepter une mutation désirée depuis longtemps.
La jeune Delphine Gleize est plein de bonnes intentions. La Permission de minuit confronte une nouvelle fois Vincent Lindon à ce héros du quotidien qui lui colle à la peau, ici médecin profondément meurtri par un dilemme qui le divise entre son rêve personnel et son attache extérieure à ce jeune malade. Mais à défaut d'écarter sans concession le pathos et les facilités émotionnelles, Gleize fait rapidement basculer son drame dans une complexité distante et froide, que le rythme, plat malgré toutes tempêtes, vient douloureusement alourdir. Sans langue de bois, La Permission de minuit ennuie.
Le film ennuie d'abord par le traitement de ce protagoniste, tellement en retenu qu'il paraît intouchable. Lindon est encore une fois très bon, mais expert en son domaine. Sorte de Simon tout aussi convaincu que dans Welcome, il n'y a aucune surprise et, étrangement, aucun risque pris quant à la direction d'acteur. Le personnage de Romain frustre tout autant. La justesse du comédien s'oppose à la platitude de ses actions et cette pudeur hormonale si détestable au cinéma. C'est uniquement lors de cette scène, où corps à corps les adolescents se découvrent et se dévoilent, que quelque chose se passe à l'écran, du geste maladroit de Romain pour enlever le soutien-gorge à la remarque spontanément délicieuse de la jeune fille qui parle de son bronzage au sein. Ailleurs, la puberté est balayée, ne s'exprimant que dans des maladresses incongrues comme cette réplique vide de sens - « J'ai fait l'amour » - qui vient conclure le dernier entretien entre le médecin et son enfant malade. De même, Romain ne semble jamais convainquant lorsqu'impulsif et vexé il tourne le dos au médecin, ou lorsqu'il revient en récitant linéairement un texte qui pouvait pourtant avoir beaucoup de sens...
Mais surtout La Permission de minuit ennuie car, malgré son titre, il ne se permet rien. Les plus belles images restent les gros plans de ses comédiens, beaux à leur manière. Autrement, le montage vient parfois même à s'égarer dans un match de rugby ou dans une lecture de lettre en off, indigeste de sensiblerie. Ne restent alors que ces regards et ces moments de silence si bien amenés par Lindon, qui en disent beaucoup plus que les dialogues souvent maladroits.
Finalement, le film donne le goût amer d'un téléfilm service public acceptable dont seule la présence des acteurs justifie le ticket de cinéma. Or, malgré la redevance, allumer sa télé reste quand même économiquement moins frustrant que de regretter le précieux ticket...

Réalisé par Delphine Gleize
Avec Vincent Lindon, Emmanuelle Devos, Caroline Proust
Film français | Durée : 1h50
Date de sortie en France : 23 Février 2011

True Grit

2011-02-24T19:36:00.003+01:00

Tout le monde en entend parler, mais inutile de se plaindre de tant de médiatisation : les brothers Coen n'ont pour ainsi dire jamais vraiment connu l'échec. Exemple frappant d'une réussite tant critique que populaire, les frères cinéphiles gagent toujours une certaine qualité. Revenu en force l'année dernière avec la comédie A serious man - après le plus pâlot Burn after reading -, ici c'est dans le genre du western que les Coen s'aventurent.
Sorte de Fargo en plein Ouest américain du 19ème sicèle, True Grit s'articule sur une histoire de vengeance singulière : celle d'une petite fille qui engage le marshal Cogburn (Jeff Bridges, un poil pété) pour tuer l'assassin de son père en compagnie du Texax Ranger LaBoeuf (Matt Damon, obstiné). True Grit joue pleinement la carte de la référence passionnée : genre adulé de nombreux cinéastes contemporains (Léone, Eastwood, Ford sont des inspirations récurrentes...), le western se plait à être recyclé tant il semble appartenir à un âge d'or révolu.
C'est bien ce recyclage assez prononcé qui marqué à première vue dans True Grit, où du plan grue léonien s'en ressort une unique rue à l'arrière plan embrumé ; autant dire du décor type studio à peine masqué. Si le jeu est intéressant, cette perte de réalisme dans les décors déstabilisent tout de même un peu. Heureusement, les dialogues des premières minutes à la saveur très Coen nous font un peu fermer les yeux, l'exposition présentant sans temps mort son trio de personnages. Une fois la poursuite lancée, la chasse à l'homme commence ; la séquence fantasmée de la traversée de la rivière qui fait débuter cette chasse est un peu déséquilibrée aussi entre appréciation de cinéma et incohérence (même pas mouillée la gamine !). Bref, le trio parti, no country for Tom Chaney...
True Grit a la maitrise attendue, de la direction d'acteurs à l'image, et même si le film n'offre finalement que peu de légèreté humoristique il se laisse regarder avec appréciation. Autant une chasse à l'ennemi qu'un duel entre ses deux protagonistes, les frères Coen parviennent à donner au récit un rythme assez efficace. Passé la première heure, la séquence de la cabane – peut-être la meilleure – donne le coup de fouet de mi-chemin. Dans une juxtaposition judicieuse, les deux séquences de conflit se proposent sous un double point de vue où, au dénouement, le sauveur devient le sauvé. Mais si cette technique est très attractive cinématographiquement, on aurait sans doute aimer un adversaire un peu plus sérieux que ces larbins, gauches dont l'un même est attardé... C'est drôle, mais pas tellement prenant !
Malgré ces fautes de passage, mettons dans le panier sa conclusion décalée, True Grit s'offre comme un bon plaisir de cinéma, tant moderne que référentiel, sans être, pour sûr, l'un des meilleurs films de ses cinéastes.

Réalisé par Ethan et Joel Coen
Avec Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin
Film américain | Durée : 2h05
Date de sortie en France : 23 Février 2011

Jewish Connection

2011-02-19T12:58:00.003+01:00

Une communauté juive en plein cœur de Brooklyn, et Sam jeune fils d'une famille aux traditions strictes, qui lui trouve une prétendante à un possible mariage. Vingt ans mais encore adolescent dans son inexpérience professionnelle et sexuelle – il travaille avec papa à l'atelier et regarde de sa fenêtre les pornos de son voisin Yosef – sa vie prend rapidement un tournant. Délaissé par la famille de la jeune fille qui lui était promise, il découvre en même temps par Yossef les extrêmes bénéfices du trafic de drogues. D'abord crédule, alors que Yosef parvient à lui faire croire qu'il fait passer à la frontière de simples médicaments, Sam devient bientôt happé par cette vague d'argent facile, de soirées aux filles bien réelles, de voyages à Amsterdam...
Jewish Connection nous plonge dans cette réalité assez ignorée des prémices du trafic de drogue importée d'Amterdam jusqu'à New York par de jeunes Juifs orthodoxes, pas toujours au courant de leur rôle de passeurs. Le sujet est bon, d'autant plus que le protagoniste donne un relief attachant, encore très bien interprété par Jesse Eisenberg, la révélation du précédent Social Network.
Le scénario propose une plongée empirique assez traditionnelle – du Sam innocent se révèle un jeune adulte confiant et envieux – mais a cette belle idée de ne jamais donner l'occasion au personnage de se trahir. Entré dans cet univers de façon assez vulnérable, c'est par sincérité et attirance pour la femme du boss, qu'il prend en fin de compte conscience de cette spirale infernale de laquelle il veut maintenant s'échapper.
Caméra au poing mais faible zone de netteté, pour sa première réalisation Kevin Asch opte pour une mise en scène sans cesse entre cinéma d'approche sociale et de fiction pure. Efficace, son cadre ne délaisse jamais son protagoniste permettant au spectateur une identification nécessaire. S'en ressort alors de belles séquences au ton terriblement juste, à l'image de celle du cadeau qui ne fait plaisir à personne ou ce rituel juif en pleine rue qui semble faire comprendre au personnage l'intérêt de croire en ses convictions, religieuses ou non. Le réalisateur propose une vision de la religion finalement assez peu vue au cinéma. Dénudée des critiques récurrentes, la religion est ainsi approchée comme une base de rituels au code moral primordial. Le simple fait que la fin, pourtant profondément morale, fonctionne et ne choque pas montre que Jewish Connection parvient à être à la hauteur de ses enjeux. Loin d'être un film sur la religion, ce dernier questionne plus sur notre rapport à la morale et l'importance des blessures psychologiques (ici la rupture de la famille de la jeune promise) pouvant faire tout basculer.
Malheureusement, de ce beau parcours cinématographique, on en regrette sa brièveté, son effet accéléré qui se compresse autour d'une petite heure et demie. Mais ce principal défaut est sans doute finalement le révélateur d'un bon côté : à défaut d'être passionnant, Jewish Connection paraît trop court et abrégé. Mais sans aucun doute cette fois, il signe le talent certain d'un metteur en scène inspiré.

Réalisé par Kevin Asch
Avec Jesse Eisenberg, Justin Bartha, Ari Graynor
Film américain | Durée : 1h29
Date de sortie en France : 16 Février 2011

Je suis un no man's land

2011-02-19T11:57:00.002+01:00

Après un premier long-métrage, Les Invisibles, Thierry Jousse, ex rédacteur en chef des Cahiers du cinéma, signe un deuxième film en compagnie du chanteur Philippe Katerine, déjà figurant dans d'autres projets précédents du cinéaste.
Le récit est celui de ce personnage que l'on connait déjà, ce chanteur un poil déjanté, qui suite au concours d'évènements bizarres retrouve ses parents délaissés depuis l'adolescence et trouve l'amour de sa vie au gré de promenades nocturnes en forêt... Autant le dire : si vous ne parvenez pas à adhérer à la personnalité du chanteur, fuyez ! Bien que Je suis un no man's land ne se propose pas comme un documentaire sur Philippe Katerine, son personnage est une sorte de double de fiction. La première séquence du film coupe net le chanteur lors de son arrivée sur scène : Jousse prévient ainsi son spectateur qu'il ne sera pas question du chanteur, mais bien d'une réelle plongée dans la vie singulière de ce personnage qui nous est déjà un peu familier.
Je suis un no man's land est une bonne surprise. Désavantagé par son accueil mitigé dans la presse, boudé par les spectateurs, pourtant le film de Thierry Jousse est empreint d'une douce folie assez communicatrice. Il y ressort une belle envie de création, ou de re-création d'un monde déjà existant, prise en main par ce protagoniste loufoque mais tendrement attachant. Déluré, le scénario ne perd pas l'atmosphère qu'il parvient à instaurer dans une première partie de jeu, hilarante, qui confronte l'artiste à une fan psychologiquement atteinte. Sans tomber dans le piège d'une comédie musicale facile, c'est plus la forme d'un conte qu'adopte le réalisateur. A travers ses références populaires (le costume type magicien d'Oz, la forêt, la route infernale qui empêche de repartir, les clichés de campagne...) et l'envergure sentimentale (relation parents / fils), Jousse propose un film ovni, sorte de no film's land, qui séduit en parvenant à nous convaincre de l'incroyable. A l'image de la scène de la chanson nostalgique, unique travelling qui se conclue sur l'être perdu, le réalisateur propose une palette d'émotions dont la force est de rester sans cesse instable.
Cependant, presqu'à l'évidence, Je suis no man's land faute quelques fois, notamment sur sa photographie assez criarde, que le numérique ne parvient pas à avantager. Les quelques séquences de nuit sont les plus réussies – le duo Katerine / Depardieu fonctionne parfaitement - et reposent les yeux dans de belles teintes sombres au dominantes vertes. Le personnage de l'ami d'enfance peine lui aussi à trouver sa place, seul personnage véritablement terre à terre, décentré de cette sphère onirique dans laquelle semble être confiné tous les autres. Techniquement inégal mais joliment unique, Je suis un no man's land propose l'immersion sans être un dénonciateur de cinéma hermétiquement décalé. Simple, peut-être un peu trop, ce film donne malgré tout l'envie d'être défendu. C'est sans doute le mieux que l'on pouvait en attendre.

Réalisé par Thierry Jousse
Avec Philippe Katerine, Julie Depardieu, Aurore Clément
Film français | Durée : 1h32
Date de sortie en France : 26 Janvier 2011

Carancho

2011-02-13T22:59:00.003+01:00

Petit à petit le cinéma argentin trace sa route et se révèle. La récompense aux Oscars pour Dans ses yeux de Juan José Campanella est ainsi venue d'elle même, comme une reconnaissance. Pablo Trapero a lui aussi connu la nomination. Sixième long-métrage, Carancho se propose comme un thriller social, au romantisme pour autant prononcé.
Un carancho est un avocat spécialisé dans les accidents de la circulation à Buenos Aires, un « rapace » qui fraude les assurances avec l'aide des victimes et de policiers mafieux. Sosa, brut, physique, mais aux yeux d'un bleu tendre, en est un. Alors qu'il supervise la simulation d'un accident, il rencontre Luján, une jeune urgentiste. Belle, un peu amochée, droguée pour tenir, il tombe sous le charme.
Trapero soigne son film, lui donne une préciosité saisissante. Très vite, il fait comprendre au spectateur qu'il parle d'amour, et au spectateur de comprendre que cette toile sociale de fond sonne déjà comme une alarme. Au début de cette relation entre ces deux êtres, le désir né à l'image avec un naturel sensible : d'un cadre décentré, déjà bancal, Sosa brûle d'envie pour Luján qui s'endort lessivée. La mise en scène varie sans cesse entre cinéma de transparence (plans fixes, légers travellings, fragmentation du cadre) et documentaire (caméra au poing, plans séquences). Lorsque Luján comprend en intervention qui est vraiment l'homme dont elle tombe amoureuse, cette rupture très nette vient donner à Carancho toute son intensité.
Filmé en caméra RED, le numérique donne une certaine dureté à l'image et du réalisme dans les images urbaines de nuit. Le réalisateur nous plonge avec réussite dans l'univers de ce couple voué dès sa naissance à la survie. Il y a à travers ce cinéma vérité un vrai témoignage saisissant qui, presque sans effort, parvient à illustrer un malaise social avec ses protagonistes pris au piège. Jamais dans le témoignage pur, Carancho est au final une vraie romance baignée de tragédie œdipienne. Les acteurs, très bons, de la découverte pudique au sacrifice amoureux, apportent l'émotion nécessaire.
Cependant, le film bascule dans son climax vers un thriller assez poussif, un survival peut-être trop souligné qui perd la rigueur du fil narratif. Heureusement, le réalisateur ironise un tant soit peu son dénouement à travers un plan séquence final efficace qui agit finalement comme un pur plaisir de cinéma. Touchant, bien que parfois trop écorché, Carancho se laisse facilement apprécié. Noyau sensible dans une enveloppe sociale corrompue, le film de Trapero parle beaucoup de lui-même, sans trop en dire. Une jolie réussite.

Réalisé par Pablo Trapero
Avec Ricardo Darin, Martina Gusman, Carlos Weber
Film argentin | Durée : 1h46
Date de sortie en France : 02 Février 2011

Tron l'héritage

2011-02-13T17:53:00.003+01:00

Le nouveau blockbuster de Disney a mis les moyens techniques : Tron l'héritage, remake du film culte des geeks des 80's, propose un univers totalement virtuel en IMAX 3D.
Pour commencer par les banalités, le film est techniquement quasi irréprochable : de son premier plan renversant, aux courses de moto déjantées au montage enivrant, Tron fait vriller la rétine et les tympans. Le film gronde de puissance de la nouvelle technologie de projection. La 3D est efficace, et a cet atout d'imprégner le film de l'univers raconté (la 3D arrive lors de l'arrivée dans le monde virtuel). Bref, le spectacle promis est là.
A côté de cet objectif réussi, le problème c'est... qu'il n'y a rien de plus. Tron l'héritage suffira l'adrénaline des jeunes d'aujourd'hui, mais laissera certainement les nostalgiques d'hier sur la touche. Là où le premier film annonçait les progrès techniques s'en faisant le visionnaire joliment passé, Tron surcharge, missile sans âme, à l'image finalement d'une époque où la technologie est devenue une évidence. Le film se fait donc bien le portrait d'une génération sans cesse dans la mouvance et l'excès... pour enfin proposer l'adaptation d'un film en produit de marketing codé de toute pièce.
Le récit commence plutôt bien, rythmé efficacement jusqu'à la plongée dans la « grille » - monde numérique parallèle au notre - narrant la situation initiale sans trop de lourdeurs, que l'on connait indigestes dans d'autres films de ce genre. Mais une fois le paquet emballé (une scène de combat et une course endiablée), le scénario faiblit et cale. L'histoire peine à prendre de l'intérêt et des longueurs se font ressentir au bout d'une heure. Véritable argument de vente, la musique électro des Daft Punk dynamise une seule fois l'action (pas terrible, dans la boîte de nuit) que le caméo des deux versaillais rend toutefois un peu sympathique. Mais le groupe s'illustre surtout dans une musique harmonique d'accompagnement, pas mauvaise mais qui n'a rien d'exceptionnelle.
De façon prévisible, le film s'attache au point de vue d'un jeune homme (Transformers, Jumper, Percy Jackson... la règle lasse), et reste pudique question attaches sentimentales. On aurait peut-être aimé un peu plus d'hormones car le coucher du soleil les mecs, c'est un peu démodé.
Finalement, vaut mieux retenir de ce Tron son énergie à fait court-circuiter le cerveau et ses images numériques aux couleurs froides lumineuses, et faire l'impasse sur le calme plat à sa surface. Assez difficile, tout de même.

Réalisé par Joseph Kosinski
Avec Jeff Bridges, Garrett Hedlund, Olivia Wilde
Film américain | Durée : 2h06
Date de sortie en France : 09 Février 2011

Angèle et Tony

2011-02-12T22:52:00.003+01:00

Angèle est belle, son prénom angélique, mais elle se vend dans un endroit désaffecté... pour offrir un jouet à son petit garçon, confié à ses grands-parents depuis qu'elle a purgé une peine de prison liée à la perte du père. Son but (retrouver la garde son enfant) en croise un autre moins glorieux (vendre son corps dans cette campagne de Normandie via des petites annonces). Bref, Angèle est cette princesse déchue, très encrée à la Dardenne, interprétée au couteau par une Clotilde Hesme toute en raideur et simulations. Puis elle fait la rencontre de Tony, un pêcheur au cœur gros, un peu seul chez bonne maman.
Angèle et Tony est une belle poésie qui prend le temps de s'installer, soigne ses cadres et laisse parler le silence. Sorte de Belle et la Bête inversé, le film touche parfois de belles sensations, notamment lorsqu'Angèle se retrouve seule, isolée par des longues focales comme sur cette route difficile à franchir, un pneu crevé. Ou lorsque le conte enfantin (ici Blanche-Neige) prend une dimension sexuellement adulte, le désir déchirant l'épiderme des deux amants malgré eux. Alix Delaporte signe donc un premier long métrage maitrisé et sincère, et trouve l'épaisseur nécessaire à travers ses multiples économies, quelles soient dans les mots, l'action ou le nombre de personnages. Quelques faiblesses, notamment dans la direction d'acteurs, participeraient même au charme des premières fois, l'approche parfois bancale de son sujet lui donnant une certaine vibration.
Cependant, il faut avouer qu'Angèle et Tony traine derrière lui une série de films hexagonaux du même ressort... Et sur ce point, celui-ci peine à s'affirmer. Pudique, le scénario ne cherche jamais la provocation ou si peu, malgré ce thème de la réinsertion. En témoigne une séquence assez étonnante où Angèle coupe court la juge pour la garde de son enfant, en baissant les bras avec le sourire. A défaut de proposer beaucoup de tendresse, Delaporte surcharge peut-être son film de crème à l'image de la musique bien (trop) présente qui dans ses notes de guitare ou de piano veut amplifier de l'émotion déjà présente. Le personnage de Clotilde Hesme semble parfois pâtir de cette stagnation dans le tendre, si bien que l'identification ne devient jamais évidente, et pourtant semble être voulue.
Touchant tout de même, Angèle et Tony est un bon premier film aéré qui semble pour autant tenir trop à ces ancêtres en proposant au final un cinéma français qui lasse à défaut d'être compris. Mais qui s'est s'apprécier à l'avantage d'être encore un peu parlant.

Réalisé par Alix Delaporte
Avec Clotilde Hesme, Grégory Gadebois, Evelyne Didi
Film français | Durée : 1h27
Date de sortie en France : 26 Janvier 2011

La BM du Seigneur

2011-02-12T16:42:00.004+01:00

Titre énigmatique qui rend monstrueusement anachronique l'œuvre d'Albert Cohen, affiche photoshopée à l'arrache montrant flingues, chien féroce et voiture puissante... C'est quoi La BM du Seigneur ? Un vrai film (oui, oui), un docu-fiction au cœur de la communauté Yéniches. Jean-Charles Hue, issu de la famille Dorkel en question, a posé sa caméra dans les terrains vagues occupés tantôt dans une approche documentaire tantôt pour filmer les plans fiction. Véritable coopération entre le réalisateur et Fredéric Dorkel, le protagoniste du projet, La BM du Seigneur donne au final l'effet d'une fiction incorporée de plans documentaires que le montage rend narratifs.
Ainsi, Jean-Charles Hue propose un métrage assez singulier dont le premier atout est d'installer une communication entre deux mondes qui se croisent et se jugent mutuellement. La principale préoccupation du réalisateur semble bien de montrer ces « gens du voyage » tels qui le sont. Loin des préjugés des « sédentaires », Hue capte à travers son récit familial l'essence même de la vie des Yéniches : dévoilant une véritable micro société auto gérée, La BM du Seigneur touche dans ses séquences muettes où un combat de règlements de compte apparaît finalement aussi juste qu'un procès, et où des enfants qui jouent dans un champ ont cette merveilleuse liberté de se salir. Le film ne prône rien, il révèle. Le réalisateur semble avoir trouvé le bon équilibre entre la fiction et la vérité dévoilée, l'un servant à l'autre.
Souvent proche de son protagoniste, cadrage serré, Jean-Charles Hue parvient avec son cinéma à chercher l'identification là où – ne masquons rien – les médias créent le fossé. Il respire ainsi de cette BM du Seigneur une sincérité instructive, au-delà d'être simplement touchante.
Ainsi, l'honorabilité du projet semble égaler sa réussite, si ce n'est que cette forme très nouvelle peut parfois poser problème. Le scénario, finalement très farfelu (une vision du ciel apparaît à Frédéric, provoquant un déclenchement vertueux en lui...) peine à vraiment convaincre, du même fait de certaines séquences que le jeu rend parfois insaisissables. Néanmoins il y a dans ce film ovni une envie de cinéma et de vérité, un besoin d'imager son milieu à la Rouquier. En témoigne ces derniers plans, très beaux, qui tendent à faire lever la tête de tout le monde dans ce paradoxe universel : regardons-nous, on a beau être différents, nous sommes les mêmes.

Réalisé par Jean-Charles Hue
Avec Frédéric Dorkel
Film français | Durée : 1h24
Date de sortie en France : 26 Janvier 2011

Dossier #02 : Morse : l'amour et ses contraires

2011-02-09T12:13:00.011+01:00

En 2008, un film suédois sortit de nul part créait la surprise dans nombre de festivals. Pourtant Morse était un objet de convoitise depuis quelques temps déjà dans l'esprit de plusieurs producteurs de cinéma. Peu après la sortie du roman de John Ajvide Lindqvist, le cinéma s'est rapidement intéressé à cette écriture "cinématographique" et à ce récit propice à une interprétation visuelle. D'abord surpris (l'auteur avait eu du mal à éditer son livre) puis prudent (plusieurs propositions ont été refusées), Lindqvist et son éditeur se sont enfin vus acceptés l'offre du producteur suédois Carl Molinder. Lindqvist lui-même au scénario, Tomas Alfredson à la réalisation : le résultat est un film hypnotisant, l'un des plus intéressants du genre depuis longtemps.
Retour sur Morse, un film fantastique qui va bien au-délà, un vrai film d'amour qui semble jouer sur les oppositions du genre.

Morse, l'amour et ses contraires

Pudeur(s)

Le récit se concentre sur la rencontre entre ses deux jeunes protagonistes. L'arrivée d'Eli dans cette banlieue enneigée et glaciale de Stockholm est l'élément déclencheur ; des meurtres à répétition dans un premier temps mais surtout du bouleversement affectif d'Oskar, jeune garçon martyrisé par des camarades de son école.
Cette union est celle de deux personnages imperméables. Oskar, réservé et sans confiance, Eli, vampire diabolique pour autrui. C'est leurs faiblesses qui les réunissent. Et tout d'abord leur solitude.

Tomas Alfredson utilise la valeur de cadre pour simuler le rapprochement. Ce photogramme est la première image des deux enfants ensemble, lors du premier regard. Un panoramique compensé d'un léger travelling passe d'un Oskar seul et désespéré à ce cadre large comprenant à sa droite Eli, debout sur un jeu pour enfant. Ce plan renseigne déjà sur la future relation des enfants : Eli, dominante, sera une véritable prise de conscience et de confiance pour Oskar. Mais elle apprendra également à s'assumer en tant que contaminée... pour finalement retrouver les pieds à terre (elle saute du manège juste après).
Eli et Oskar, d'abord distants par un réflexe mutuel de leur part, feront progressivement tomber le voile de leur mégarde et leur pudeur. En s'ouvrant à l'autre, ils se rapprochent dans le cadre. Alfredson varie ainsi progressivement son cadre à la seconde rencontre.

Le Rubik's cube sera l'intermédiaire de leur attirance. Lorsqu'Oskar décide de lui prêter, le réalisateur rompt l'isolement de ses personnages dans le cadre. Contact indirect, l'insert de leur main se touchant presque est le début d'une nouvelle étape, et d'une nouvelle forme esthétique.
Le toucher est le sens le plus précieux d'Eli et Oskar. Oskar n'en a qu'une perception de violence à travers les coups de ses camarades, Eli une perception de besoin organique assassin. Les enfants redécouvrent finalement la douceur de ce sens, mais toujours dans un rapport asexué (ce n'est pas un hasard si les deux enfants sont à l'aube de la pré-puberté). Ainsi, leur découverte n'apparaissent jamais dans un désir intéressé mais simplement dans une attirance sensible. La séquence du lit (deuxième photogramme) n'en ressort que plus douce et sensuelle.
Eli et Oskar ont passé ici l'étape de la pudeur. Leur carapace s'est envolée, ils sont tous les deux dans le même lit, dans le même cadre, à s'effleurer.

Mais une fois cette pudeur épidermique arrachée, leur isolement jadis habituel devient un poison. Dans cette séquence magnifique de début et de pré-fin, sans Eli, Oskar n'est plus qu'un reflet fantôme dans la nuit, sans repères car sans toucher (la buée s'efface peu à peu).
Ce qui leur était interdit et devenu ce dont ils ne peuvent plus se passer. Eli le pilier psychologique, Oskar le sang innocent.

Une pudeur intime et organique qui se détache, peu à peu.

Morse est un film qui assume pleinement son romantisme aigu.
La violence est ainsi elle aussi soumise à une pudeur de mise en scène, qui préfère l'éloigner. Alfredson ne souhaite pas tomber dans les figures du genre : ainsi il offre des séquences d'angoisse intrigantes car toujours éloignées.

Dans ces deux attaques, le procédé est sensiblement identique. En cadrage large mais avec une proximité sonore, le réalisateur éloigne son spectateur de l'agression et lui fait fermer les yeux, à gauche par la pénombre du pont, à droite par le hors-champ.
La violence n'est pas le sujet du film, elle est une évidence connue du spectateur. Alfredson préfère alors la suggestion, l'appel à l'imagination dans une mise en scène très distante.

Ces deux plans obéissent aussi à ces mêmes règles. La porte fermée par Oskar, est filmée en travelling arrière. Physiquement, la caméra s'éloigne de l'agression du vampire. Dans le second exemple, le cadre ne quitte pas le point de vue d'Oskar. Le carnage qui se passe à la surface n'est alors suggérée que par un son étouffé et des morceaux de corps tombant dans l'eau. Ici, cet espace sous marin est une protection pour Oskar. L'enfant ne préfère pas voir ce dont est capable Eli. Cette façon de rester toujours distant est ainsi une façon de rester toujours dans l'esprit de l'enfant.

De l'impossible au refus

Le mythe du vampire a finalement cet intérêt plutôt commun d'être une barrière aux intentions du cœur. Mais Morse semble avoir ce soucis singulier de fragmenter ses protagonistes en illustrant à plusieurs reprises cette frontière, et ainsi en la matérialisant.

Voisins, les deux enfants ne sont séparés que d'un mur, une cloison shakespearienne. Pour communiquer, Oskar et Eli apprennent le morse (d'où l'adaptation française du titre). Malgré cette trouvaille, ce mur est bien la démonstration visuelle de l'apparente impossibilité de leur relation. Dans ce plan à longue focale, le mur prend la moitié du cadre, entassant Oskar vers la gauche. Le flou de mise au point crée un vide qui semble prendre la place d'une Eli absente.

Alfredson utilise sans concession la métaphore visuelle dans la séquence de la porte. Osée, la mise en scène repose sur un champ contre champ qui fait correspondre des personnages isolés par une cloison transparente. Eli devient prisonnière, Oskar visiteur. Dans cette même volonté de protection, la vampire se sépare physiquement d'Oskar. Les tracés sur la vitre divisent leur tête et semblent les diviser tout entier.

Cette porte, cette cloison, la vitre de la piscine... représentent la même chose. Lors de la séquence où Oskar se coupe la main, cette représentation prend une dimension réelle et rompt l'union des personnages. Brisée, la vitre les rend alors vulnérables :

Une fois sans protection, les deux enfants sont obligés de s'enfuir et se fuir.

Eli et Oskar sont les deux protagonistes du film. L'un n'est pas plus important que l'autre. A défaut de ne pas y avoir de personnage principal, les deux enfants sont peut-être eux-mêmes cet unique personnage. Car malgré le poison, les deux sont complémentaires ce qui les obligent émotionnellement à passer outre la malédiction. Visuellement, le réalisateur cherche la complémentarité des corps par des cadrages et un montage qui se répondent sans cesse.

Cette complémentarité est notamment recherchée dans de sublimes champ contre champ aux angles de prise de vue très travaillés.
Dans ces deux exemples ci-dessus, le montage a une fonction de déconstruction. Pour chacun de ces deux champ contre champ, de la paire d'images ne pourrait en résulter qu'une seule. Dans le premier axe, les acteurs sont quasiment de profil avec un léger décalage. Filmé très serrés, chacun prenant un côté du cadre (souvent la gauche pour Eli, signe du mal), les deux plans peuvent être rassemblés horizontalement pour crée une image panoramique.
Dans le second axe, le principe est le même avec une complémentarité verticale. Le plan sur Eli, toujours au dessus, correspond presque à l'amorce de l'épaule d'Oskar : rassemblées l'une par dessus l'autre, les deux images n'en forment qu'une seule aussi.

Ainsi, plus que de rassembler dans un premier temps les personnages, la forme esthétique du film les fait littéralement "fusionner" dans un second.

De leur fragilité commune se développe pour chacun une évolution individuelle.

A gauche, Oskar apprend à se défendre et à s'imposer. Le film bascule alors dans cette fameuse violence méritée qui questionne le spectateur tout en lui faisant du bien. Ce plan large, le plus brutal du film, est aussi un coup portée sur la morale du spectateur.
A droite, Eli évolue à sa manière. Elle se dénude pour aller rejoindre Oskar. Ces vêtements laissés à terre auxquels s'attache particulièrement le réalisateur, représentent l'acceptation de ses sentiments, et la mise à terre de ses protections internes.

Oskar et Eli se sont autant trouvés qu'ils se sont élus. Le titre original du film insinue cette idée, Let the right one in. The right one, c'est évidemment Oskar, l'être pur qui vient contaminer le sang abjecte de son élu.
Eli apprend à Oskar à dire non à ses tortionnaires. Oskar apprend à Eli à dire oui à sa propre attirance naturelle. Ce choix de refus des convenances est l'aboutissement de cette rencontre hors du commun.

Mort et souffrance

"Si je pars, je vis. Si je reste, je meurs."
Emprunté au vers de Roméo dans l'œuvre de Shakespeare, ce premier message écrit d'Eli à Oskar donne le ton dès leur rapprochement intime.
Finalement, Morse emprunte les mêmes thèmes coïncidant l'amour à la mort que l'on retrouve dans Roméo et Juliette. L'intrigue s'y prête logiquement.
Ici, Éros et Thanatos se rejoignent dans des séquences où le sacrifice individuel semble être la marque d'une affection commune.

Le premier sacrifice d'Eli est le bonbon que lui propose Oskar. Ne pouvant en manger, elle se force tant bien que mal. Le sacrifice d'Oskar, lui, est son sang qu'il fait couler en se coupant la paume. Chacun d'eux s'affaiblissent pour enfin se rassembler (dernier photogramme).
Le sacrifice et la mort font partie intégrante de leur union. Leur amour les pousse implacablement à la mort.

Le sacrifice se retrouve aussi chez la femme contaminée, qui préfère se tuer à la lumière plutôt que de rester dans le noir le monstre qu'elle est devenue.

La mort fait place aussi à l'éternel, au recommencement sans fin que semble insinuer la fin avec ces flocons de neige, magnifiques, qui ne cesse de tomber comme ne cesse de vivre un vampire.

Les paysages enneigés de Suède cristallise et conservent les corps intactes, à l'image du plan de la tronçonneuse dans l'eau qui vient déterrer un cadavre de sa couche de glace.
Eli et Oskar semble eux aussi momifiés dans ce décor, et dans ce film qui les rend éternels. La fin du train ouvre différentes interprétations possibles mais semblent néanmoins les entrainer interminablement vers un chemin sans limite.

Un voyage sans fin.

Morse refuse à la fois les facilités du genre et celles du romantisme choisi. Véritable ovni dans un paysage cinématographique pourtant très varié, le film oscille entre conte horrifique et véritable exercice esthétique. Pour en conclure sur un conseil : prenez-vous au jeu, et vous vous en souviendrez encore longtemps ! ;)

Réalisé par Tomas Alfredson
Avec Kare Hedebrant, Lina Leandersson, Per Ragnar
Film suédois | Durée : 1h54
Date de sortie en France : 04 Février 2009

Le Discours d'un roi

2011-02-02T19:28:00.002+01:00

Grand favori aux Oscars, autant dire que l'arrivée du Discours d'un roi sur les toiles ne s'est pas fait discrète. Il est toujours bon de goûter le menu avant les récompenses. Ici, on pourra certainement les imaginer gratifiantes : Tom Hooper, populairement méconnu, surtout réalisateur au petit écran, signe un portrait original de George VI. Comme promis, le film étonne, surprend et finalement séduit.
Le scénario suit l'ascension de ce prochain roi qui, de la mort de son père à l'abdication de son frère ainé, peine à assumer le rôle suprême qui lui incombe en ce début de seconde guerre mondiale. En fait, le principal problème est son bégaiement...
Entrée directement dans le cœur même du sujet, Le Discours d'un roi a cette belle qualité de ne pas en dévier. Le scénario de David Seidler est d'une grande intelligence : sans faute, il trouve dès le début un équilibre entre légèreté et dimension dramatique. Hooper s'évertue à donner à sa mise en scène une élégance prononcée. Décors somptueux, beaucoup de plans serrés et à longues focales, le réalisateur lisse son sujet implacablement. Mais finalement, il n'étonne pas de ce côté. La forme épurée trouve en vérité son relief à travers ses personnages, merveilleusement interprétés par tous. Hooper sait filmer ses acteurs. Il sait surtout merveilleusement bien les diriger. La rencontre qui unie Colin Firth (décidément en pleine ascension depuis le film de Tom Ford) et Geoffrey Rush (parfait) détient en grande majorité la réussite de ce film. Sous cette mise en scène presque lassante de propreté, leurs séquences offrent ce brin de poésie, de folie et même d'absurdité que l'on attendait du Discours d'un roi. Loin des clichés du film mondain, le réalisateur rend intime cet univers de luxure et de privilèges en révélant magnifiquement l'homme derrière l'uniforme et les médias. Sans jamais rentrer dans la démesure comme Sofia Coppola avec Marie-Antoinette, il parvient tout de même à renverser encore plus efficacement cette balance qui, trop lourde, rend au combien ennuyeux les films historiques à dimensions... historiques.
Le Discours d'un roi est un vrai portrait de cinéma, celle d'une amitié passée mais finalement encore présente, tant dans les parenthèses méconnues de l'Histoire que dans son universalité désormais proposée. Car finalement ça marche, et sacrément bien. Malgré une forme peut-être parfois maniérée, parfois peut-être trop « oscarienne », Tom Hooper parvient à dépoussiérer le film historique que l'on avait jamais sentit aussi sensible et proche de nous. Et propose surtout une merveilleuse performance d'acteurs qui – cette fois sans aucun doute – équilibre le film dans sa justesse.

Réalisé par Tom Hooper
Avec Colin Firth, Helena Bonham Carter, Derek Jacobi
Film anglais, américain, australien | Durée : 1h58
Date de sortie en France : 02 Février 2011